SisterBoy Drama

The circus is over

2012-01-20T10:14:00.001-08:00

Según la página web “Distancias entre ciudades”, Madrid y Cartagena están separadas por 462 kilómetros lo que equivale a un viaje en coche de cuatro horas y cuarenta y cuatro minutos. En la última película de Alex De la Iglesia, “La chispa de la vida”, el personaje de Roberto Gómez (interpretado por José Mota), deprimido por una frustrante entrevista de trabajo mantenida con personas que pensaba que le tenían aprecio, decide ir desde la capital de España hasta la ciudad murciana, en la que él y su esposa pasaron su luna de miel, en busca de alguna clase de rememoración que le alivie de su ataque de ansiedad. Este transito se produce de una forma tan brusca y con una ausencia de sentido de la continuidad tan acusada que produce una verdadera impresión de extrañeza en el espectador.

Para algunos de ustedes la circunstancia anteriormente señalada podría considerarse una anécdota menor pero para mí es un ejemplo de una historia llevada a la pantalla de un modo terriblemente descuidado y desafortunado. Tras un breve prólogo-introducción en el que ya se manifestaban algunos síntomas inquietantes (que se confirmaron más tarde de un modo que ya comentaremos) y el viaje relámpago anteriormente mencionado, la película prosigue su atropellado ritmo en lo que parece ser una sorprendente impaciencia por llegar a la situación que constituye la base principal de la trama: Roberto Gómez tendido boca arriba sobre un montaje de ferralla con un hierro clavado en la cabeza. De la Iglesia consigue llegar a la situación que le interesa a los quince minutos (contados) de comenzar la película, pero para ello ha tenido que transitar un camino a veces, como hemos visto, abrupto y a veces, como sucede con todas el encadenamiento de fatalidades que conducen a la ordalía de Roberto, directamente vergonzantes, impropias de alguien que ha filmado cosas como “El día de la bestia”, “La Comunidad” e incluso “Balada triste de trompeta” (aunque sí propias de alguien que ha filmado “800 balas”).

Todas estas circunstancias ofrecían más bien malos augurios sobre todo lo que vendría después (unos malos augurios que para ser sinceros ya tenía antes incluso de entrar a ver la película). Pero ya metidos en el terreno al que quería llevarnos De la Iglesia ¿qué encontramos allí? Pues varias cosas y ninguna buena, lo primero que falla es lo que se supone que debería ser la base del argumento: la interpretación de José Mota, un buen cómico pero un mediocre actor. Echando una ojeada a la carrera de Mota nos encontramos con un puñado de papeles secundarios que posiblemente podrían ser intercambiables con algunos gags de sus espectáculos televisivos, aquí en cambio tiene su primer papel protagonista y nada menos que en un drama en una producción de cierta enjundia, un desafío en el que no sale bien parado, no puede entender su inclusión en esta película de otra manera que no sea un truco publicitario para atraer a un público que posiblemente entre a ver la película pensando en encontrarse con algo muy distinto a lo que al final se le ofrece.

Tampoco es que los actores que rodean al protagonista ayuden mucho a sacar adelante el proyecto, algunos de ellos parecen tener también una función meramente decorativa con la idea de dar algún prestigio a la producción (Salma Hayek, Santiago Segura) y otros, como Fernando Tejero, Juanjo Puigcorbe o Juan Luis Galiardo fracasan sobre todo por tener que dar vida a personajes imposibles de admitir. El resultado es un filme cuyo gusto por el trazo grueso y la moralina digna de un capítulo de “El club de la herradura” hace que fracase tanto en su vertiente dramática (sustancia sobre la que en teoría se basa la película) como en sus escaso momentos cómicos (escasos y sin puñetera gracia habría que añadir).

Soy de los que aplaudieron el arriesgadísimo salto al vacío que De la Iglesia dio con “Balada triste de trompeta”, nunca esperé que su nueva película fuera en esa dirección porque se trataba de un camino cerrado, o más bien de un portazo definitivo a los demonios de la infancia, pero nunca esperé tampoco que el nuevo estreno del director vizcaíno fuera tan decepcionante.

En resumen si de verdad quieren ver una sátira sangrienta sobre la explotación capitalista de un tragedia humana y sobre lo morbosa complacencia del público por asistir a dicha explotación, les recomiendo que busquen donde sea “Ace in the hole” de Billy Wilder, y si quieren ver a José Mota haciendo lo que mejor sabe hacer ahí está youtube.

Street fighting man

2012-01-16T13:32:00.000-08:00

En cierta ocasión asistí con mi padre a un mitin de Felipe González durante la campaña electoral de 1982. Durante su discurso, el que algunos días más tarde se convirtió en Presidente del Gobierno, dijo que el que por entonces líder de Alianza Popular tenía al menos una virtud: había conseguido englobar bajo un solo partido a casi toda la derecha española (excepción hecha de algunos grupúsculos extremistas a los que la historia y las urnas acabaron por borrar del mapa posiblemente para siempre) materializando así una delicada transición del franquismo hacia una opción conservadora de corte más europeo. No era habitual en aquellos años de posturas políticas tan enconadas elogiar de ese modo una personalidad pública tan denostada.

Y supongo que esto es lo mejor que se puede decir de Manuel Fraga. Otra cosa es que dicha transformación obedeciera a fines más personales que altruistas, resulta difícil que un político, sobre todo en las esferas en las que ejercían su actividad Fraga o el propio González, se mueva por otra cosa que no sea el interés propio, a lo más que podemos aspirar es a que para alcanzar dicho interés se empleen unos medios que más o menos favorezcan, aunque sea de forma subsidiaria, el interés general.

Ayer, hoy y en los próximos días se hablará mucho de Fraga elogiando su capacidad de adaptación a los cambios sociales que le tocó vivir, yo nunca he visto en él otra cosa que un individuo cuyo fervor por el lujuriante ejercicio de la política (al margen de cualquier interés económico pues no es nunca el dinero lo que estimula a esta clase de hombres) le llevó a aceptar cualquier régimen que le permitiera mantenerse en ese ejercicio. No se explica de otro modo el hecho de que alguien criado a los pechos de una dictadura intransigente no tuviera objeciones en participar de forma decidida en la transición hacia una Monarquía Parlamentaria y que incluso culminó su carrera política (prescindamos de sus últimos años de Senador bamboleante) presidiendo una Autonomía, forma de administración que posiblemente una decena de años antes le hubiera producido el más profundo rechazo.

De todos modos resulta difícil sustraerse a la sospecha de que en el fondo el sistema político preferido de Don Manuel (algo que posiblemente podría extenderse a otros líderes de semejante cariz como Margarte Tatcher o Charles De Gaulle) era la democracia orgánica a la que sirvió durante tantos años, por muchos esfuerzos que hiciera por ofrecer una imagen moderna al viejo tiburón se le escapaba de vez en cuando el ramalazo reaccionario con declaraciones inquietantes como aquella que hizo en cierta ocasión cuando manifestó que en el caso de llegar al poder hubiese acabado con el terrorismo en seis meses. Posiblemente fueran actitudes como esas las que le bloquearon su ascenso definitivo al poder y que, por más que se resistió con todas sus fuerzas, acabó por apartarle definitivamente de un actividad política en la que la sinceridad no es otra cosa que un molesto inconveniente que al menos debe reservarse como máximo para el primer Consejo de Ministros posterior a la victoria electoral.

Drive by shooting

2012-01-07T08:38:00.000-08:00

Se acerca la temporada de los Oscars y prácticamente cada semana se nos aparece alguna película de esas que “hay que ver”. Algunas de ellas ya han pasado por aquí como es el caso de las comentadas “The artist” y “Un método peligroso”, algunas otras en cambio será muy difícil que estén debido a que me niego a ver cosas como “La dama de hierro” en otro idioma que no sea el original (algo parecido sucedió el año pasado con la también lamentablemente doblada “El discurso del rey”).

La semana pasada le tocó el turno a “Drive”, un título con bastantes buenas referencias pero que a mí personalmente no me daba muy buena espina. Esta desconfianza estaba basada en parte por el desconocimiento de la carrera profesional de Nicolas Winding Refn, director del que no sólo no he visto ninguna de sus películas sino que desconocía la mera existencia de cualquiera de ellas. Pero además me inquietaba la insistencia en comparar el estilo de esta película con las del sobrio cine de acción de los setenta, especialmente el de la casi homónima “Driver”, un filme de Walter Hill (que particularmente considero un ejemplo de cómo cierta forma de filmar característica de aquella década ha quedad muy desfasada) al frente del cual destacaba un Ryan O´neal cuya caracterización algunos tildaron de “bressoniana” y que yo calificaría más bien como de “poner cara de estar cagándose vivo durante 91 minutos”.

Afortunadamente esta “Drive”, no tiene nada que ver con aquella “Driver”, primero porque Ryan Gosling durmiendo es mucho mejor actor que su tocayo, y en segundo lugar porque la película de Refn huye de cualquier clase de homenaje al cine de décadas pasadas y busca su propio camino por los vericuetos de la época en la que ha sido producida.

Y no es que “Drive” suponga algún tipo de novedad en cuanto a su planteamiento argumental, de hecho se trata de una trama muy clásica que podríamos identificar como propia del género de cine negro -o incluso del western- en la que destaca la figura del héroe solitario y lacónico al que su sentido de la honestidad empuja a cometer actos en contra del sentido común, e incluso del sentido de supervivencia. La película no nos da demasiada información sobre el pasado del conductor o sobre sus pensamientos y sentimientos, tampoco necesitamos saber todo eso, el personaje se manifiesta a través de sus actos, y la expresividad de los silencios de Gosling resulta mucho más reveladora que cualquier clase de monólogo interior. Tampoco, como hemos comentado antes, el argumento necesita de demasiadas explicaciones sobre su desarrollo o sobre las motivaciones de sus personajes, todo resulta bastante simple en el mejor sentido de la palabra. El mérito de la película reside precisamente en su elegancia en el tratamiento de una trama y de unos caracteres muy reconocibles por el espectador aportando algunos detalles propios como ese excelente prólogo insólita mezcla de tensión y anti clímax o esa inolvidable escena (que parece que se convertirá en la más emblemática cuando en el futuro se rememore esta película) en la que en apenas diez segundos y en un espacio de dos metros cuadrados queda resumida la marcada dualidad del protagonista del drama.

Lamentablemente el bueno tono que mantiene la película durante casi todo su metraje se pierde un poco hacia el final cuando un exceso de preciosismo y una cierta disgregación en el ritmo de narración estropean un poco el conjunto con una resolución final indigna de lo visto hasta ese momento. De todos modos hay que celebrar “Drive” como una de las mejores película de la temporada pre Oscars y recomendar su visión de forma entusiasta. Ya me contarán.

Holanda ya se ve

2012-01-05T07:40:00.000-08:00

¡A por uvas!

2011-12-30T23:41:00.000-08:00

Espero que dentro de un año al menos haya electricidad todavía. Feliz e incierto 2012.

Magic and loss

2011-12-23T15:56:00.000-08:00

El blog de Sisterboy les desea feliz navidad y que Dios nos bendiga a todos y cada uno de nosotros.

¿Por qué la gente caminaba tan deprisa en aquella época?

2011-12-16T13:59:00.001-08:00

Hay quien sostiene que la llegada del sonoro terminó con el cine como arte moderno Hasta ese momento se trataba de una disciplina completamente nueva que tenía por lo tanto su propia forma de manifestarse, pero con el advenimiento de la banda sonora el cine quedo reducido a mero teatro filmado.

Yo, al igual que el director de “The artist” - y que la mayoría de seres humanos que habitan en el planeta-, he nacido y pasado toda mi vida de espectador en el cine sonoro. Carecemos por lo tanto de cualquier tipo de nostalgia real sobre cómo eran las películas de aquel entonces, la nostalgia que vemos aquí es algo diferente. Como aficionado al cine he visto muchas películas mudas, algunas de ellas (la mayoría de las que han sobrevivido al paso del tiempo) son obras maestras y está claro que todo aquel que tenga interés por el séptimo arte tiene que acudir en algún momento a las fuentes sobre las que dicho arte se estableció.

No sé si algo de todo esto se encuentra en la motivación final por la cual el director Michel Hazavinicius (cuya carrera desconocía por completo hasta el día de hoy) decidió, contra viento y marea, llevar a cabo este heterodoxo proyecto. “The artist” no es una narración sobre la traumática transición del cine mudo al sonoro –al estilo de “Cantando bajo la lluvia”- sino que es un intento de contar esa historia usando las técnicas del propio cine mudo. Incluso aunque la película hubiera resultado fallida dicho intento sería algo digno de admiración por los riesgos que conlleva en una industria tan poco proclive a correr dichos riesgos (hay que recordar que Mel Brooks ya hizo algo parecido con “Silent Movie”).

Pero resulta que el intento ha tenido éxito, o al menos ha sido recibido con entusiasmo por buena parte de la crítica y ha obtenido diversos premios en festivales como el de Cannes. Eso sí, se trata de un entusiasmo sobre todo europeo (o más en concreto francés), habrá que ver que tal la reacción del público en las salas y sobre todo cómo se recibirá en los Estados Unidos un filme del que se dice (o al menos así lo expresa la potente campaña de promoción que la cadena de cines Renoir ha dedicado a la película) que puede ser un claro aspirante a los premios de la academia.

Dejando al margen los aspectos extra cinematográficos hay que decir que “The artist” es un excelente melodrama, y lo seguiría siendo incluso aunque hubiera sido filmado de forma más ortodoxa. El argumento resulta bastante clásico y nos podría traer reminiscencias de historias como la ya mencionada “Cantando bajo la lluvia”, “Ha nacido una estrella” o“All about Eve” además de estar en cierto modo basada en las vidas de Greta Garbo y John Gilbert.

Es la historia de un actor en la cumbre de su carrera y de una incipiente actriz (y fervorosa fan) que se cruza en su camino. La llegada del sonoro hará que se cambien las tornas y lo que hasta ese momento había sido una agradable comedia romántica ambientada en el mundo de Hollywood se convierte en un drama que en ocasiones bordea la tragedia más descarnada. Como hemos dicho nada del otro mundo, la diferencia está en la extravagante idea de rodar la película en un estricto formato de cine mudo (si exceptuamos algunas licencias durante y sobre todo al final del metraje) y en un agradable tono vintage ausente de cualquier asomo de cinismo o veleidad intelectual (excepción de nuevo de una pieza separada, tanto en argumento como en estilo, que sin embargo terminará por ser uno de los momentos más recordados del filme).

Entre los méritos (no sé si involuntarios) de “The artist” está el haber prescindido de actores de renombre para los papeles principales, es posible que esta película interpretada por un digamos George Clooney podría haber resultado incluso risible. Al margen de algunos secundarios más o menos conocidos (James Cronwell, Penelope Ann Miller y John Goodman) los protagonistas son dos actores franceses que yo al menos no había visto jamás. Se trata de la pareja formada por la sensual y a la vez tierna Berenice Bejo y por Jean Dujardin, un profesional capaz de una hazaña memorable: no es que interprete a un actor de cine mudo, es que sencillamente parece que por algún arte de magia los responsables del filme hubieran conseguido una máquina del tiempo para arrebatar a John Gilbert o a Douglas Fairbanks y traerles al presente para hacerles participar en esta película.

En resumen recomendar “The artist” a todas aquellas personas que acudan a verla con un conocimiento previo de con qué se van a encontrar (estremece pensar en la reacción de algún idiota despistado, no por despistado sino por idiota) y que quieran asistir a un conmovedor homenaje a la primera gran época del cine, o a los que simplemente deseen contemplar una historia como las que se hacían entonces.

Analyze this

2011-12-08T02:38:00.001-08:00

Considero la carrera de David Cronenberg como una de las más brillantes de la segunda mitad del siglo pasado, una carrera que (salvo algunos experimentos primigenios que espero ver algún día y otros títulos como “Fast Company” y “M. Butterfly” por los que no siento tanto interés) he seguido de forma entusiasta hasta que, tras la brillante “Spider”, algo ocurrió en el año 2005.

“Una historia de violencia” resultó una película desconcertante. Bueno ya sé que la mayoría de los filmes de este hombre lo son pero este era desconcertante de otra manera. A pesar de los muchos mensajes más o menos explícitos que se envían a través de sus imágenes, lo cierto es que todavía hoy no soy capaz de distinguir qué era exactamente lo que Cronenberg quería transmitir con esta historia. Pero cualquiera que fuese dicha intención lo cierto es que esta obra marcó quizás el comienzo de un cambio de estilo en la obra del director. Puede que traspasada la barrera de los sesenta el canadiense ya no se sintiera con ánimos de proseguir con su particular disertación sobre la “nueva carne” o en sus perturbadores análisis sobre las distorsiones de la mente humana. Esta impresión se vio confirmada por el estreno de su siguiente película, “Promesas del Este”, un thriller notable pero que al final dejaba la misma sensación de insatisfacción que su anterior película.

Esa insatisfacción se reproduce ahora con “Un método peligroso” pero por motivos diferentes.

La película esta centrada en describir, a lo largo de un período de tiempo de varios años, la relación entre los psiquiatras Sigmund Freud y Carl Gustav Jung. Y la insatisfacción anteriormente expresada viene porque, pese a conocer la existencia de estos dos individuos e incluso la de su antagonismo, mis conocimientos sobre su biografía (por no hablar de la de otros personajes de la historia como Otto Gross y Sabina Spielrin) y sus métodos (quizás porque afortunadamente nunca he sido sometido a ellos) son demasiado escasos como para haberme sentido en algún momento implicado en esta historia.

No quiero decir que se trate de un filme para iniciados en la psiquiatría pero sí que me dio la sensación de que era la típica historia que no puede o no debería ser contada en una película de 95 minutos de duración. Pero bueno, al menos yo calificaría la insatisfacción del visionado de “Un método peligroso” como positiva, es decir que se trata de esas que te impulsan a averiguar algo más sobre un tema apenas esbozado. Si esto fuese así al menos habrá valido la pena ver esta película.

Tengo claro que al menos por mi parte seguiré acudiendo al cine a ver los nuevos proyectos de Cronenberg. El próximo de ellos, “Cosmópolis”, ya está en fase de post producción y por lo que he podido averiguar de él no parece que se trate de una vuelta a las viejas tendencias, quizás no sea lógico exigir tal cosa pero de ilusión también se vive.

Reliquia de un mundo olvidado.

2011-11-30T12:13:00.001-08:00

Ha muerto Ken Russell y a nadie le ha importado una higa, no creo que la noticia haya ocupado si quiera una breve reseña en ningún informativo televisado y en “El País” se han limitado a poner una nota en el obituario compartiendo página con el deceso de una bióloga llamada Margoulis. No voy a decir que yo era un fan de Ken Russell, de hecho no he visto (ni posiblemente lo haga en el futuro) la mayor parte de sus películas, vamos que a mi me ha importado más o menos lo mismo que a los demás esta muerte, pero no obstante…creo que el hombre al menos se merece un recuerdito.

Decía antes que no era un fan de Russell, y no creo que exista nadie que lo sea, puede que su forma de hacer cine tuviera seguidores hace años pero hoy en día era un hombre que había caído en el olvido, el visionado de su obra hoy (y posiblemente también vista en su época) resulta poco agradable , cuando no directamente chirriante y definitivamente pasado de moda. Tratemos de averiguar por qué echando un vistazo a su filmografía.

Lo primero que me llama la atención revisando la lista (como de costumbre en orden cronológico) es la presencia en ella de “El cerebro de un millón de dólares”, una película de la saga del espía Harry Palmer, la enésima replica de James Bond, que narraba la curiosa historia de un excéntrico millonario que trata de invadir la Unión Soviética, la escena en la que se muestra el resultado de ese loco intento podría formar parte con pleno derecho de la sección “Las 110 escenas que me traumatizaron de niño”. De hecho lo hará, ya me estoy ocupando de ello.

Poco tiempo más tarde el realizador británico firmó la que posiblemente sea su película más prestigiosa (llego a recibir varias nominaciones a los Oscar), se trata de “Mujeres enamoradas”, basada en una obra de D.H. Lawrence (lo que lamentablemente no resulta ninguna buena referencia para mi particular) y protagonizada entre otros por Oliver Reed y Glenda Jackson, lo cierto es que no recuerdo gran cosa de la película pero sí que me gustó bastante. Aunque no se tratara de un filme tan prestigioso “Mujeres enamoradas” tendría asimismo un hueco en la historia del cine por mostrar el primer desnudo frontal masculino en una película no pornográfica, esto ocurría durante una célebre escena de lucha cuerpo a cuerpo entre Oliver Reed y Alan Bates.

Por lo que cuentan Russell tuvo bastante menos suerte en su siguiente película, “The music lovers”, una suerte de biografía del músico ruso Tchaikovski que me parece que pasaron en cierta ocasión en “La clave” (cosa que de confirmarse resultaría bastante llamativa porque Carlos Pumares, encargado de seleccionar los filmes de este programa, detestaba a Ken Russell en general y a esta película en particular). El único y desagradable recuerdo que tengo de "The music lovers" es el de un Richard Chamberlein soltando alaridos infrahumanos.

Tras este título vinieron “Los demonios”, y una par de biopics más, uno sobre Gustav Mahler (que se llamó en España “La sombra del pasado”) y otro sobre un escultor francés (“Un mesías salvaje”). También fue la época de “El novio”, una película protagonizada por la famosa modelo Twiggy y que recuerdo que pasaron también por la tele, vi lo suficiente de ella como para huir despavorido, al día siguiente un compañero de clase (y cinéfilo oficial del instituto) declaró con solemnidad que Russell estaba loco.

Si “Mujeres enamoradas” fue su película más prestigiosa, “Tommy” es sin duda su película más popular, posiblemente la única que muchos hayan visto de toda la filmografía de Russell, ignorando posiblemente el nombre de su director. Se trata de la puesta en imágenes de una conocida opera rock compuesta por los Who (es decir por Pete Townshed) que en su día llegue a escuchar de forma compulsiva. La película tardé bastante más tiempo en verla y me pareció una obra disparatada que se soporta por la banda sonora que le sirve de base y por el impresionante desfile de estrellas de la música y el cine que participaron en ella (Vanessa Redgrave, Oliver Reed, Jack Nicholson, Eric Clapton, Tina Turner, Elton John,…)

Ese mismo año repitieron Russell y Daltrey con “Lisztomania” -una biografía del músico Franz Liszt- igual de psicodélica pero, por lo que cuentan, con bastante menos gracia que su anterior colaboración. La macana incluía una escena en la que Wagner emergía de su tumba vestido de SS y tocando la guitarra eléctrica. Yo paso

Hay que viajar cinco años en el tiempo para encontrar otro título destacable en la carrera de Russell, y además de los buenos. Hablamos de “Altered states” (“Viaje alucinante al fondo de la mente”), película protagonizada por un casi bisoño William Hurt y un interesantísimo filme de fantasía científica que, de no ser por algunos efectos especiales algo pedestres, podría ser una historia de plena actualidad (un poco al estilo “Videodrome”). Personalmente es mi preferida de la accidentada carrera de este director.

Posiblemente Russell debió morir después de dirigir esta obra pues no parece que lo que vino a continuación valiera la pena. Del resto de la lista se podría mencionar “Crimes of Passion” (“La pasión de China Blue”), una película que dejé de ver a la mitad por parecerme una de las peor fotografiadas de la historia, protagonizaban Kathleen Turner haciendo de pendón y Anthony Perkins haciendo de pervertido, ninguna novedad. También está “Gothic”, una elucubración sobre la noche en la que Mary Shelley creó al monstruo de Frankestein (algo parecido a lo que se narró en “Remando al viento” por si les sirve de referencia). Posiblemente sea un título al que en alguna ocasión no me importaría echarle un vistazo. Lo mismo podría decirse de “La guarida del gusano blanco”. De lo que queda ni lo conozco ni tengo interés por conocerlo.

Y aquí finaliza esta desapasionada y breve semblanza de un director al que parece que ni la muerte conseguirá sacar del olvido. Sic transit gloria mundi.

La película misteriosa: Shock corridor

2011-11-28T10:55:00.001-08:00

Kiss me deadly

2011-11-25T02:18:00.001-08:00

You can´t piss on hospitality!

2011-11-18T11:06:00.001-08:00

Esta historia empieza una tarde que estaba matando el tiempo contemplando en youtube una colección de las peores escenas de la historia.

Había clásicos como la pelea del Capitán Kirk contra el monstruo Gorn.

O el mítico “garbage day” de la segunda parte de “Noche de paz, noche de muerte”.

Y entre tanta piltrafa era difícil que no destacara esta pequeña obra maestra de la actuación basura.

La escena pertenecía a una “cosa” llamada “Troll 2” de la que nunca había oído hablar, un estado que desde luego tenía la intención de mantener. No obstante algún tiempo después me tropecé, también por casualidad, con un documental llamativamente titulado “Best Worst Movie” mientras hacía zapping en el Canal Satélite.

Hace un par de años hablamos aquí otro documental llamado “King of Kong”, y estuvimos comentando cómo un argumento tan aparentemente fútil (dos perdedores de diferente nivel que compiten por batir un record absurdo en un juego electrónico olvidado por el mundo) podía convertirse en un espectáculo apasionante en virtud del buen hacer de los responsables del filme. “Best worst movie” no es desde luego un documental tan excelente como aquel pero sí que contiene suficientes elementos de interés como merecer nuestra atención. Pero empecemos por el principio.

En el año 1990 el productor Joe D´Amato, incansable creador de basura, y el director Claudio Fragasso (sí parece que ese es su auténtico nombre), un individuo que inició su carrera con un filme llamado “Apocalipsis Caníbal”, unieron sus inexistentes talentos para crear una película que en un principio tenía que llamarse “Goblins” (es decir “Duendes” en inglés). Al final la cosa acabó llamándose “Troll 2”, por más que no tuviera absolutamente nada que ver con la original “Troll” ni apareciera en el metraje ninguna criatura lejanamente parecida a un troll.

La película era más bien una explotaition del tema “pequeñas cosas furiosas”, un subgénero popularizado con “Gremlins” y continuado con sagas como la de “Critters”, “Ghoulies” y otros títulos por el estilo. El filme fue estrenado directamente en vídeo y cuando algunos de sus (en su mayoría aficionados o novatos en la profesión) protagonistas vieron el resultado se les vino el mundo encima, algunos de ellos (y hasta la llegada de la delatora imdb) tuvieron gran cuidado en no incluirla en su curriculum. Rápidamente “Troll 2” fue considerada como una de las peores películas que jamás se hubieran hecho y pronto quedó enterrada en el cementerio radioactivo de las películas basura.

Pasaron los años, llegaron las nuevas tecnologías y las producciones de series B y Z, que ya habían sido desplazadas de la gran pantalla, quedaron también privadas de su canal básico de distribución: los videoclubs de barriada donde la parroquia estaba dispuesta a alquiler cualquier tipo de película sin necesidad de saber nada sobre ella. Las cintas como “Troll 2” quedaron circunscritas únicamente a círculos de aficionados extremos que no sólo le hacen ascos a las películas malas sino que además las prefieren a las otras. Y fue entonces cuando “Troll 2” emergió de sus cenizas.

Todo empezó cuando algunos videoadictos especializados empezaron a ver la cinta de forma compulsiva. En el año en el que el filme se “estrenó” un freak podría nacer, vivir y morir sin poder compartir sus obsesiones más que con un pequeño grupo de seres humanos a su alrededor, pero cuando “Troll 2” fue redescubierta ya existía Internet y el culto a la película comenzó a extenderse de forma imparable por la red. Y fue precisamente así como algunos aficionados empezaron a contactar con los protagonistas de la película para expresarles su admiración. Uno de los sorprendidos por esta inesperada vindicación fue Michael Stephenson, un actor que contaba con 10 años en el momento del rodaje y que, tras percatarse del fenómeno, decidió pasar al otro lado de las cámaras para pergeñar el documental del que hoy nos ocupamos.

Al llegar a este punto hay que hacer una advertencia. El documental es una producción que podría llegar a recomendar para según qué casos, pero lo que jamás recomendaría es el visionado de la película en cuestión. Como tenía la intención de escribir este comentario me pareció imprescindible verla, pero desde luego es algo que ni es necesario hacer ni, repito, recomendaría nunca. “Troll 2” es, efectivamente, una película muy mala, objetivamente mala, indiscutiblemente mala, como la fiebre amarilla o la prostitución infantil. ¿Por qué un producto así se convierte de forma inesperada en objeto de adoración?. Este documental contribuye en su medida a tratar de explicarlo.

Repito que aunque “Best Worst Movie” no fuera un buen documental sí sería una producción interesante porque es capaz de narrar a la perfección no sólo la gestación de una película de culto sino además permite definir (incluso de forma involuntaria) a qué se refiere en realidad ese término tan a menudo mal usado

En primer lugar una película de culto no tiene por qué ser una buena película, tampoco tiene por qué ser una mala película, eso no es importante. “La noche del cazador” es una obra maestra y es una película de culto, “Plan nine from outer space” es una horrible monstruosidad y también es una película de culto. Los standards “bueno” y “malo” no son de aplicación en este tipo de obras.

En segundo lugar una película de culto jamás nace con el deseo expreso de hacerlo, ni los autores de “Troll 2”, ni los de “Plan nine…” ni los de “The Rocky Horror Picture Show” querían hacer una jodida película de culto, lo que querían era hacer algo bueno o al menos algo económicamente provechoso. Pero un filme que se autocalifique desde su estreno como “obra de culto” no es sino una estafa, son otros los que otorgan ese galardón, una circunstancia que nos lleva directamente a la tercera condición. Y es que una película de estas características necesariamente debe iniciar su andadura en las pantallas con un fracaso, y debe ser así porque dicha película debe ser también necesariamente “rescatada” a posteriori de los infiernos del celuloide por algún grupo de entusiastas (da lo mismo si son freaks o intelectuales) que formaran el primer círculo del culto. Un culto que luego se irá extendiendo (por convicción o por simple esnobismo) hasta llegar a gente como yo.

“Best Worst Movie” empieza describiendo la vida cotidiana de George Hardy, un sonriente gnomo verdadera encarnación del “Mister nice guy” americano, tan auténtico como un pastel de manzana puesto a secar en una casa en medio de la pradera donde no hay más que coyotes y cardos rodantes

Haciendo una pausa en su rutina de odontólogo perdido en el Sur de Estados Unidos, Hardy recuerda cómo hace veinte años tuvo sus quince minutos de fama (mejor dicho de infamia) protagonizando una película cuyo posterior visionado le horrorizó. A continuación entran en escena poco a poco los demás actores de aquel drama describiendo experiencias parecidas: la ilusión de una, a menudo primigenia experiencia cinematográfica y el tremendo desencanto al contemplar el resultado final.

El momento más didáctico del documental tiene lugar a continuación, y es aquel en el que se describe el proceso de reivindicación del producto, así vemos como algunos expertos buceadores de los rincones más sórdidos de los videoclubes especializados en cine de terror descubren la película y comienzan a verla de forma enfermiza, vemos también de qué manera empieza a funcionar el boca a boca (o el dedo a ojo) y así la experiencia individual se convierte en experiencia colectiva, de las reuniones de dos o tres amigos para ver la película en vídeo se pasa a sesiones cada vez más multitudinarias en cines de barrio que se acabaran convirtiendo verdaderos happenings para fanáticos que se saben fragmentos de la película de memoria.

Pronto empiezan a sumarse a la fiesta muchos de los actores que participaron en el engendro, incrédulos ante esta inesperada resurrección de aquella pesadilla que creían felizmente olvidada, de entre todos destaca el incombustible George Hardy que parece estar corriéndose la juerga de su vida y se convierte por sus propios méritos en el héroe de la función. Hardy es además el protagonista del momento más celebrado de la cinta, podría pensarse que dicho momento debería corresponder más bien a la escena del “OH MY GOOOOD!” antes mostrada, pero por alguna motivo (que supongo obedece a los misterios del lenguaje anglosajón) lo que hace que los freaks de “Troll 2” se partan de risa es esto

El documental trata de explicar también cuales son los motivos que lleva a tanta gente a practicar tal insólita afición. Dejando aparte el hecho de que ver una película muy mala (no basta con que sea simplemente mala, el cine está lleno de eso, es necesario que sea un autentico bodrio) es siempre un gran entretenimiento, hay algo más allá que una simple diversión esnobista pero en el fondo desdeñosa. Muchos espectadores ven en filmes como “Troll 2”, un producto sobre todo honesto, por más que la película sea un despropósito en todos y cada uno de sus aspectos técnicos y artísticos se nota claramente que no hay rastro de cinismo en ella, ninguno de los que participaron en aquello quería que la cosa saliera tan mal, y eso es algo que genera un cierto sentimiento de camaradería, porque como suele ser habitual a muchos espectadores de cine (incluyendo este tipo de cine) en realidad les gustaría pasar de observadores a autores, pero cuando contemplan cosas como esta saben que sus hipotéticos esfuerzos acabarían en lo mismo, “Troll 2” es algo que nosotros también podríamos hacer.

Hay que decir también que no todo es diversión en este documental, “Best worst movie” no elude algunos aspectos menos agradables en su descripción de los avatares de la película. Destaca en este aspecto la semblanza de la figura del director Claudio Fragasso, el único de los protagonistas de esta recreación que parece no haber comprendido de que iba la fiesta, al contrario que el resto de participantes (que admiten con sinceridad el horror en el que participaron por más que se muestren agradecimiento hacia aquellos que han provocado su expiación) el irascible italiano sigue hoy convencido de que “Troll 2” es una gran película, resulta en cierto modo patético cómo el responsable último del engendro comenta con pesar cómo el público se carcajea de las escenas graciosas pero también de aquellas que no fueron creadas para causar dicho efecto.

Pero las cosas se vuelven incluso sórdidas cuando se presenta a otros personajes del filme como Don Packard, protagonista de un breve pero memorable pasaje de la película, que confiesa cómo su intervención en la misma se produjo bajo la influencia de un descontrolado consumo de marihuana (circunstancia que afortunadamente le impedía discernir con claridad qué estaba haciendo realmente) y mientras disfrutaba de régimen abierto en una sanatorio mental en el que posiblemente volverá a ser internado en breve.

Pero incluso Packard disfruta de un breve momento de redención (en el documental afirmará que el recibimiento que le hicieron los fans durante uno de los pases de “Troll 2” fue el mejor momento de toda su vida), algo que ni siquiera se permite a sí misma Margo Prey (que interpretó en aquella ocasión a la hierática madre de la familia), único miembro del cuadro de actores original que se negó a participar en las exaltadas reivindicaciones públicas de la película para seguir enclaustrada en una existencia a medio camino entre Baby Jane y una versión femenina de Norma Bates.

En sus últimos minutos de metraje el documental nos hace una nueva interesante revelación, cuando Hardy, Stephenson y el resto de la pandilla tratan de extender su éxito en los circuitos de terror “serios” de festivales y convenciones se encuentran con el mismo desprecio e incomprensión con la que “Troll 2” se tropezó en 1990. Y creo que es entonces cuando descubren que su lugar está precisamente entre los habitantes de las catacumbas del cine en las que su película será celebrada hasta el fin de los tiempos y donde siempre serán felices.

Y eso es todo, “Best Worst Movie” nunca ganará ningún premio en los certámenes del cine documental ni será nominada a ningún oscar de la categoría, pero a mí me ha parecido un testimonio interesante a la vez que divertido y en cierto modo conmovedor y creo que por eso se merece tener una difusión a la que espero haber contribuido. Por último me gustaría repetir una vez más que recomiendo el documental pero jamás recomendaría la película, eso sí, si alguien ve lo primero será muy difícil que resista la tentación de ver lo segundo. Y quien sabe, puede que después de esa experiencia el ejército de fantasmas devoradores de cine basura cuente con un nuevo miembro tan devoto como los demás.

La foto: ¡La imaginación al poder! (en este caso a la oposición)

2011-11-14T11:28:00.000-08:00

Sirva este post como precedente a la inevitable y próxima (no se garantiza ninguna de las dos cosas) actualización electoral.

Europa Europa

2011-11-08T15:04:00.000-08:00

1. MELLON COLLIE AND THE INFINITE SADNESS

Al margen de filias o fobias creo que es de justicia considerar el hecho de ir a ver una película de Lars Von Trier como uno de las cosas más interesantes que se pueden hacer en lo que al cine europeo se refiere. Yo que he visto casi todo lo que ha hecho en pantalla grande (sí, supongo que algún día tendré que terminar de ver “Rompiendo las olas” pero tampoco es algo que me esté volviendo loco por hacer) desde luego así lo considero, y eso que de toda su producción yo salvaría más o menos la mitad, por fortuna “Melancolía” está en la mitad buena.

A partir de este punto yo esperaría a verla para seguir leyendo.

Llegados a este punto abandonamos el terreno de la descripción y entramos en el de la especulación. Lo primero que hay que decir es que, incluso aunque fuéramos incapaces de establecer el significado profundo de la evidente metáfora que contiene este segundo segmento, el perturbador cuento apocalíptico que se describe y la belleza de las imágenes que lo ilustran bastarían para justificar el visionado de esta película. Pero me parece casi un deber tratar de comprender lo que Lars Von Trier trata de contarnos (sobre todo cuando tengo la sensación de que al menos en esta ocasión no está de cachondeo y es que por lo que cuentan las relaciones de Trier con la depresión son algo más que artísticas).

Como digo la conexión de carácter simbólico entre la enfermedad de Justine y la llegada a la orbita terrestre del planeta “Melancolía” (nombre con el que antiguamente se conocía a la depresión) es más que evidente, el planeta intruso aniquilará la tierra tal y como la depresión ha aniquilado socialmente a Justine.

Sin embargo en este terreno tan pantanoso de la interpretación hay algunas escenas que me parecen sugerentes, una es aquella con la que se inicia la película, esa en la que Justine y su novio tratan de acceder trabajosamente al lugar donde tendrá lugar la ceremonia (y el resto del drama), algo que podría parecer una simple anécdota pero que resulta interesante poner en relación con esas otras escenas en las que primero a Justine y luego a Claire les resulta físicamente imposible atravesar un pequeño puente. Si estuviéramos ante una de las historias materializadas por David Lynch estas escenas podrían ser pistas de que estaríamos ante una de sus habituales dislocaciones en el tiempo y el espacio, esas que tienen lugar en el interior de la mente humana y son provocadas por un hecho traumático que se intenta resolver con la invención de una realidad alternativa.

Así pues toda la película podría ser un sueño o una alucinación de la mente alterada de Justine (la propia muchacha habla de una pesadilla que además es escenificada en una de las estampas que ilustran el prólogo de la película), un territorio imaginario cuyos límites están marcados por los abruptos accesos que dificultan la entrada y prohíben la salida. En ese territorio es en el que en el primer capítulo la enfermedad de la joven pone de relieve la personalidad de los que le rodean, posteriormente será la catástrofe cósmica la que provocará una revelación aún más radical: el suicidio de su cuñado (Kiefer Sutherland) y el derrumbe moral de su hermana significan la derrota de la racionalidad y el materialismo ante el triunfo de la locura, en resumen el mundo se transforma en algo que por fin Justine comprende.

Por último me gustaría hacer mención al milagroso trabajo de Kirsten Dunst, una actriz que se lanza al vació sin red ejecutando un trabajo extraordinariamente exigente tanto en el aspecto dramático como en aspecto físico, esperemos que sea el inicio de una cambio de registro en su carrera (y no es que no sigamos adorándola en películas como “A por todas”).

2. LOS PROBLEMAS CRECEN

En el año 2005 los hermanos Dardenne escribieron y dirigieron “El niño”, la historia de un delincuente de poca monta (Jeremie Renier) que decide aumentar sus ingresos vendiendo a su hijo recién nacido. Posteriormente la extremada reacción de la ignorante madre obliga al hombre a deshacer el trato de tal modo que la miserable pareja decide conservar al niño durante su incierto futuro.

En la producción de la que nos ocupamos ahora en principio el único nexo de unión con aquella historia es la presencia de Renier también en el papel de padre. Y aunque cronológicamente es imposible que el joven protagonista de “El niño de la bicicleta” sea aquel hijo malvendido yo he tenido la sensación de que estaba presenciando una secuela de la película de 2005. Cryil, un chico de once años, se aparece como el triste resultado aquella familia disfuncional. Abandonado en una institución pública su único empeño consiste en establecer relación con su padre, un empeño que se simboliza en la recuperación de una bicicleta cuya posesión defenderá con uñas y dientes y que aparece de forma omnipresente durante todo el metraje.

El estilo de “El niño de la bicicleta” es semejante al de otras películas de los cineastas belgas (al menos de las dos que he visto), y se abona a una forma de narrar que opta por prescindir por completo de cualquier recurso estilístico que adorne o complemente la narración, no hay apenas banda sonora musical, la fotografía es neutra, los desconocidos actores (con la excepción del papel que interpreta Cecile de France a la que se pudo ver no hace mucho en “Más allá de la vida”) hacen su trabajo sin estridencias y no existe el uso del montaje como eje dramático. El mayor mérito de los Dardenne estriba en que consiguen narrar una historia de fuerte contenido emocional sin cargar las tintas en ninguno de los aspectos en los que el cine más convencional haría hincapié, una historia que por lo demás resulta bastante ortodoxa. De hecho más que a otros títulos, aparentemente más cercanos que tratan el tema de la infancia desasistida (como “Los 400 golpes” o “El niño salvaje”), “El niño de la bicicleta” me ha recordado a alguno de esos cuentos clásicos en los que un infante descarriado duda entre abandonar la protección de un hada madrina o abandonarse en el camino del mal (vamos, que me pareció en ocasiones estar viendo una adaptación moderna de “Pinocho”).

Abecedario del crimen. Capitulo XXI. From hell to eternity

2011-11-02T02:59:00.000-07:00

Creo que recuerdo la primera vez que oí hablar de cada uno de los grandes asesinos de la historia moderna, a Manson le vi por primera vez reproducido en parafina en la guía de la galería de los horrores del Museo de Cera de Madrid, de John Wayne Gacy y de los Estranguladores de las Colinas supe cuando los periódicos publicaron la noticia de su detención, de Ed Gein cuando leí “American Pyscho”.

No guardo en cambio ningún recuerdo de la primera vez que supe de “Jack el Destripador”, el desconocido asesino londinense es alguien cuya figura se ha integrado de forma tan intensa en el inconsciente colectivo que resulta difícil encontrar alguien que no haya por lo menos oído hablar de él, y todo eso por diversos motivos que no podremos explicar pero de los que al menos sí podremos hablar.

Lo que sí recuerdo con claridad es el momento en el que supe con algún detalle de las hazañas de Jack, y eso tuvo lugar en esa inacabable fuente de cultura general resumida y empaquetada que eran los Selecciones del Reder´s Digest, concretamente en el número de Septiembre de 1973. Una de las muchas características de esta publicación (de la que alguna vez tendríamos que hablar largo y tendido) era la extremada crudeza con la que se trataba cualquier tema del que se ocupaban, ya fuera la historia de un cáncer linfático como la de las masacres de los Jemeres rojos en Camboya, y desde luego el relato sobre Jack el Destripador no era ajeno a este estilo, pero también era un admirable ejercicio de condensación y sobriedad en una historia que no suele ser propicia a recibir esos calificativos, y es por ello que dicho relato se convertirá en la base de esta entrada especial del “Abecedario del Crimen”, o más que la base, el armazón que luego será rellenado convenientemente con la morbosa y satírica literatura de nuestro Oliver Cyriax.

Gran Bretaña 1888, la Reina Victoria lleva 51 años de reinado, el Imperio británico se extiende de polo a polo, y Londres, la metrópoli, con una población de cuatro millones de habitantes, era una ciudad a la que no podía equipararse ninguna otra de la Tierra. Desde su centro financiero, los banqueros londinenses aportaban fondos para la construcción de ferrocarriles en Sudamérica, la explotación de minas de oro en África y el establecimiento de instalaciones agropecuarias en los Estados Unidos. Por la noche, a lo largo del Strand y del Haymarket, la luz de las faroles de gas se reflejaba en los sombreros de copa de los petimetres y en los diamantes de las damas.

Pero en el atestado East End de Whitechapel y en la Comercial Road había tanta pobreza y vicio que el Londres victoriano tenía fama de ser la ciudad más depravada del orbe. Aquel espacio congestionado de unos ochocientos metros cuadrados, donde se apiñaban tabernas miserables, burdeles, ladrones y prostitutas, se convirtió en el teatro donde tuvo lugar el drama que nos ocupa hoy.

Mary Anne Nicholls, apodada “Polly” había abandonado a su marido y a sus cinco hijos para frecuentar las tabernas de Whitechapel movida por su afición a la bebida y por el deseo de vivir sin cortapisas. A los 42 años de edad ya no era bonita, y aquella noche del 31 de agosto de 1888 le habían negado la entrada en un dormitorio público (en los que dormían hasta ochenta personas en una habitación) porque carecía de los cuatro peniques que costaba el alquiler de un jergón. Desde luego lo que ocurrió a partir de ahí es especulación, posiblemente Polly fue abordada por un hombre con el objeto de mantener relaciones sexuales a cambio de dinero, como era habitual entonces –y como sigue siéndolo ahora- el cliente y la prostituta se trasladaron a un callejuela obscura para llevar a cabo el trato, en algún momento, y posiblemente mientras permanecía frente a su víctima en la posición usual del coito de pie, el asesino agarró a la mujer por el cuello empujándola luego contra el suelo con la cabeza hacia su izquierda rajándole a continuación la garganta empezando por el extremo opuesto para que la sangre no se encharcara, posteriormente le levantó la falda y le rajó igualmente el abdomen. Después, desapareció en la noche.

El asesino atacó por segunda vez apenas transcurridos ocho días. Annie Chapman, viuda de 47 años de edad se encontraba en una difícil situación económica y, al igual que Polly, se había entregado a la bebida y a la prostitución, en la madrugada del 8 de Septiembre Annie no estaba muy lejos de la muerte, además de desnutrida sufría una enfermedad crónica de las membranas de los pulmones y el cerebro. Hacia las seis de la mañana se encontró su cadáver aun caliente en un callejón de Hanbury Street. El tajo que le seccionó el cuello había sido tan profundo que la cabeza estaba casi separada del tronco. El criminal le extrajo al cadáver la matriz, los ovarios y un riñón. Al pie de una fuente cercana se halló un mandil de cuero, de los que usan los zapateros remendones y los matarifes, probablemente usado por el Destripador para evitar que le salpicara la sangre de su víctima.

La violencia era harto común en Whitechapel, la policía sólo se aventuraba a entrar allí en grupo, y no se atrevía a pisar siquiera la Carretera de Ratcliffe, a 1,5 km en dirección Este. Pero la brutalidad de aquellos crímenes y la carencia de pistas tenían atemorizado a todo Londres, Jack había dejado atónito a todo el mundo con sus floridas exhibiciones, no ocultaba sus transgresiones sino que las divulgaba, dejaba los cuerpos expuestos, con las entrañas esparcidas, rodeados de objetos que colocaba ritualmente y que solían pertenecer a la víctima: anillos, monedas, píldoras envueltas en papel, amen del ya mencionado mandil de cuero. Incluso en el elegante barrio del West End, donde el Destripador jamás operó, ninguna mujer se atrevía a salir ni a echar una carta al buzón después del crepúsculo. En el East End, las tabernas estaban desiertas y algunas tuvieron que cerrar.

La policía redobló la vigilancia en la zona, y los vecinos formaron una comisión de vigilancia de Whitechapel y ofrecieron recompensar cualquier informe que condujera al asesino. La propia Reina, atenta a la más leve inquietud que hubiera en su Imperio, comunicó a su primer ministro, lord Salisbury sus temores de que el departamento de detectives no fuera todo lo eficaz que debiera añadiendo que si la policía no descubría a aquel asesino, sentiría el peso de su justa cólera.

El 10 de septiembre, después de las investigaciones preliminares, el juez de primera instancia insinuó que “tanto Nichols como Chapman podían haber sido asesinadas a fin de obtener alguna muestra patológica del abdomen”, teoría abrazada fervientemente porque sugería un propósito, lo cual resultaba, hasta cierto punto, consolador. El Times en cambio manifestó la incomprensión general publicando que la policía se estaba “enfrentando a un asesino que no poseía las características habituales, que no actuaba por celos, venganza ni robo, sino por motivos no tan idóneos como muchos de los que todavía deshonran nuestra sociedad”.

Hacia finales de ese mismo mes el criminal adquirió un nombre. A las oficinas de la Central News Agency, servicio que proporcionaba información a los diarios de todo el Imperio británico, llegó una carta.

La carta, conocida como “Dear boss letter” decía lo siguiente

“Querido Jefe, desde hace días no dejo de oír que la policía me ha atrapado, pero en realidad todavía no me ha pillado. En mi próximo trabajo le cortaré la oreja a la dama y se la enviaré a la policía para divertirme. No soporto a cierto tipo de mujeres y no dejaré de destriparlas hasta que haya terminado con ellas. El último es un magnífico trabajo, a la dama en cuestión no le dio tiempo de gritar. Mi cuchillo está tan bien afilado que quiero ponerme manos a la obra ahora mismo. Me gusta mi trabajo y estoy ansioso de empezar de nuevo, pronto tendrá noticias mías y de mi gracioso jueguecito. Guardé un poco de preparado rojo en una botella de cerveza “Ginger” del último trabajo para utilizar el contenido escribiendo sobre el último trabajo, pero se secó y se transformo como en una gelatina y no lo pude usar. Creo que la tinta roja será suficiente, ja,ja. El próximo trabajo que realice cortaré los lóbulos de la dama y se los enviare a los jefes de la policía para divertirme. Retenga esta carta hasta que haga más trabajos, después puede darla a conocer. Mis cuchillos son tan lindos y filosos que quiero comenzar a trabajar ya, si es que tengo una oportunidad…Buena suerte. Sinceramente Jack el destripador”.

Por alguna razón he tenido muchas dificultades en conseguir una traducción completa de la carta, y no he encontrado ninguna de la post data que viene a continuación, no me atrevo a traducirla así que la reproduciré en inglés por si alguien nos hace ese favor.

“Dont mind me giving the trade name
PS Wasnt good enough to post this before I got all the red ink off my hands curse it No luck yet. They say I'm a doctor now. ha ha”

Como suele ser habitual en este tipo de circunstancias, las redacciones de los periódicos estaban llenas de cartas (se llegaron a contabilizar hasta 128) con falsas confesiones y otras chifladuras por el estilo de manera que en aquel momento nadie hizo mucho caso de aquella misiva en cuestión.

Para entonces, reinaba la confusión en Scotland Yard y en la desesperación se acudían a métodos muy poco ortodoxos, algunos agentes disfrazados de mujeres de vida alegre recorrían Whitechapel como señuelos, varios de ellos fueron atacados por los habitantes del distrito, seguros de que se trataba de mirones lúbricos o de algo peor. Grupos de estudiantes de Oxford y Cambridge que hacían labor social en el East End organizaron patrullas y se unieron a la caza del asesino. Nadie sin embargo halló pista alguna.

En un intento de proceder científicamente, la policía abrió los ojos del cadáver de Annie Chapman, de los que tomó fotografías con la esperanza de encontrar en las retinas la imagen de lo último que la víctima hubiera visto. Pero no se halló ninguna imagen. Se utilizaron en el caso dos enormes perros sabuesos, Burgho y Barnaby, pero los chuchos en un primer momento no hicieron otra cosa que ladrar y perseguir a inocentes transeúntes, posteriormente se perdieron en la niebla y tuvieron que ser rescatados. La búsqueda prosiguió sin ayuda de los perros.
Por fin en la madrugada del 30 de septiembre tuvo lugar la auténtica noche del cazador para mister Jack que golpeó en dos ocasiones. La primera víctima fue Elizabeth Stride, mujerzuela alta y flaca a quien apodaban “Long Liz”. Un buhonero descubrió el cadáver hacia la una de la madrugada, al entrar con su carro y su caballo en el patio trasero del Club Internacional para la Educación de los Obreros, en Berner Street. La víctima sangraba todavía por las heridas que le hizo el cuchillo del asesino.

Media hora después, el Destripador atacó de nuevo, en esta ocasión a Cahterine Eddowes. La pobre mujer había pasado parte de la noche bebiendo, y la policía la había conducido a la cárcel de Bishopsgate para que durmiera allí la borrachera. Aquella noche de sábado las celdas no tardaron en llenarse de beodos. Se recibieron instrucciones de poner en libertad a los que estuvieran menos ebrios, y Catherine se contaba entre ellos.

La mujer salió a la calle a la una de la mañana, y en su vacilante andar desde la comisaría de policía hasta Mitre Square se tropezó con el Diablo. A las dos menos cuarto de la madruga un agente que hacía su ronda halló el cadáver. La víctima tenía la cara horriblemente mutilada y la garganta abierta: el asesino le había sacado el riñón izquierdo y casi todas las demás entrañas, que se llevó consigo. En la autopsia se descubrió que la mujer llevaba entre sus vestidos todas sus pertenencias: un despuntado cuchillo de mesa, un pedacito de franela roja para sus alfileres y uñas, y dos cajitas, una para el azúcar y otra para el té. Al igual que las otras tres víctimas, Catherine tenía por único hogar sus propias ropas.

Antes de que trascendieran al público estos nuevos espantos, la Central News Agency recibió otra supuesta comunicación de Jack el Destripador el día 1 de Octubre.

A esta nueva misiva se la conoció como “The Saucy Jack postcard” y decía así:

“No bromeaba querido jefe cuando le di el chivatazo. Mañana tendrá noticias del «Bueno de Jack» (Saucy Jack). Esta vez, la cosa es doble; la primera chilló un poco y no pude rematarla, no me dio tiempo a quitarle la oreja para la policía, gracias por retener mi última carta hasta que volví al trabajo.
Jack el Destripador.”

Esta referencia a unos hechos que aún no eran conocidos así como el hecho de que el asesino hubiera, efectivamente, intentado cortar la oreja de una de sus víctimas convenció a las autoridades de que estas cartas eran obra del auténtico asesino.

La carnicería del 30 de septiembre provocó las protestas no sólo de los habitantes del East End de la metrópoli (incluidas cuatro mil mujeres que enviaron una petición a la Reina), sino también de otros muchos habitantes de Londres. Las terribles condiciones de vida de los pobres, sumadas al total fracaso de la policía, estuvieron a punto de causar la caída del gobierno. La soberana, iracunda, mandó una nota al ministro del Interior conminándole a actuar con energía so pena de ser destituido. Whitechapel hervía de agentes policíacos y voluntarios. En Scotland Yard se recibían millares de cartas firmadas por impostores que aseguraban ser Jack el Destripador. Pero el 16 de Octubre George Lusk, líder del Comité de Vigilancia de Whitechapel recibió la conocida como “From hell letter".

“Desde el infierno. Señor Lusk. Señor le adjunto la mitad de un riñón que tomé de una mujer y que he conservado para usted, la otra parte la freí y me la comí, estaba muy rica. Puedo enviarle el cuchillo ensangrentado con que se extrajo, si se espera usted un poco. Firmado, Atrápeme si puede Señor Lusk.

Jack el Destripador.”

En la misiva efectivamente venía la mitad de un riñón humano, conservado en alcohol de vino, que se supuso pertenecía a la difunta Catherine Eddowes pero esto nunca pudo ser comprobado.

Durante casi un mes, el criminal no dio señales de vida. Sin embargo, aún no estaba satisfecho. El día 9 de noviembre amaneció húmedo y nebuloso, cierto cobrador de alquileres llamó a las once menos cuarto de la mañana a la puerta de una miserable casa de huéspedes situada en el número 13 de Miller´s Court, donde habitaba Mary Jeannete Kelly, prostituta de veinticuatro años de edad. Como nadie contestó el cobrador, que conocía bien las estratagemas de los inquilinos, fue hasta una ventana que tenía un cristal roto, apartó una cortina y escudriñó el interior. Lo que allí vio le hizo correr, dando gritos, en busca de la policía.

El cuerpo de la mujer yacía en la cama, con la cabeza separada casi por completo del tronco y el rostro acuchillado, lo cual hacía que sus rasgos resultaran irreconocibles, un pecho se hallaba debajo de la cabeza y el otro junto al pie derecho, el hígado entre los pies, los intestinos a la derecha y el bazo a la izquierda del cuerpo, sobre una mesa había colgajos extraídos del abdomen y los muslos El asesino había colocado el corazón de su víctima encima de la alhomada, y había echado parte de las entrañas sobre el marco de un cuadro. Este fue el único de los crímenes que no se cometió en plena calle, es decir, el asesino, al encontrarse en un recinto aislado y cerrado, tuvo espacio y tiempo suficiente para mostrar un ensañamiento muy superior del que había hecho gala en los asesinatos previos donde era menester que se diera más prisa en terminar.

El de Mary Kelly fue el último asesinato atribuido a Jack el Destripador. Y el misterio de la identidad del brutal asesino comenzó a adquirir las proporciones que habrían de hacer del caso el mayor enigma criminológico de todos los tiempos.

Si exceptuamos las fechorías de algunos perturbados miembros de la nobleza europea, antes del otoño de 1888 se consideraba que los hombres mataban por una razón. A partir de ese momento poco a poco comenzó a traslucirse que el impulso sexual podía enlazarse y fundirse con la violencia, engendrando la amalgama familiar conocida hoy como “sexo y violencia”. En esencia la mutación consiste en que el asesino obtiene satisfacción sexual de la muerte que inflige, y la alienación social agudiza su sed de sangre. A pesar de que ninguna víctima fue agredida sexualmente la mutilación de los órganos sexuales no deja lugar a dudas a este respecto. Pareciera que la finalidad de los asaltos era subyugar y humillar el cuerpo femenino, abandonándolo en una postura de súplica ritual, con los miembros extendidos y destripado. De este modo la supremacía masculina queda de manifiesto más enérgicamente que en el coito.

Semejante salvajismo era una novedad, excedía ferozmente cualquier requisito para extinguir una vida. El hecho de que tanta violencia no fuese dirigida contra ningún individuo en particular representó un salto exponencial en el horror. Quizás fue esa incomprensión la que motivo que un asesino que cometió sus crímenes en el lapso de diez semanas (dos de ellos la misma noche) y en un espacio físico tan limitado no pudiera ser capturado pese al empeño de las fuerzas del orden y de la sociedad civil (incluida, como hemos visto, la Corona Británica).

Una de las características que hace que estos crímenes sean tan recordados más de cien años después es precisamente el hecho de ser un horror experimental que predecía una forma de matar que en el siglo venidero se haría incluso rutinaria. Aquí tenemos ya al individuo que mata a personas que no conoce pero que son una manifestación de sus obsesiones personales (por lo general una atroz misoginia y un marcado fetichismo), un individuo que además mata de forma serial, a un tipo de víctima con características especiales y de una forma parecida. Tenemos también el marcado carácter sexual de los crímenes (que como hemos comentado no tiene necesariamente que incluir relaciones sexuales), así como una complacencia en exhibir al mundo sus sangrientas hazañas lo que incluye una comunicación directa con la prensa.

Por si todo esto fuera poco hay que añadir el hecho de que la identidad del asesino permanece oculta, posiblemente para siempre, algo que permite que se multipliquen las más variopintas teorías que contribuyen a alimentar el misterio, tal y como ocurre siempre con los enigmas sin posible solución. El primer de los cuales sería ¿por qué el Destripador dejó de matar? Lo que no se sabía entonces y sí se sabe ahora es que un asesino en serie casi nunca se detiene, su impulso criminal le obliga incluso a reducir el intervalo entre sus crímenes hasta que finalmente comete un error (de forma incluso voluntaria en ocasiones) y es detenido. Resumiendo que es poco posible que alguien que ha actuado de esta manera se asuste y se retire, posiblemente el Destripador se marchó a otro lugar donde sus actos no tuvieran tanta repercusión pública, fue detenido o internado por otros delitos sin relación con el asunto de Whitechapel o simplemente falleciera de forma natural o accidental.

Pero desde luego el mayor misterio no es por qué mataba Jack el Destripador ni por qué dejó de hacerlo, el mayor misterio es quién se ocultaba detrás de ese macabro apodo. Como hemos dicho, con respecto a la identidad del asesino se ha avanzado poco, pero lo bastante para crear una industria: la Destripología. En un primer momento la policía apuntó a los artesanos del barrio, carniceros y matarifes, que conocían la zona y podían disponer de lugares donde ocultar sus ropas ensangrentadas, se llegó a interrogar a algún sospechoso, pero en el año 1888 la ciencia forense aún carecía de una función significativa, a menos que se atrapara al asesino con las manos en la masa era poco lo que se podía hacer.

Entrando ya en el campo de las puras especulaciones muchos victorianos eminentes fueron señalados más tarde o más temprano como si fueran el verdadero Jack el Destripador; se barajaron atractivas teorías de conspiraciones que abarcaban desde la Casa Real (se mencionó incluso el nombre de alguien que el futuro llegó a ocupar la Corona) al Gobierno y los francmasones, pasando por la policía política zarista enviada para poner en aprietos a Scotland Yard. Con respecto a la teoría real se especula que el carácter ilustre del asesino motivó que éste fuese puesto fuera de la circulación de alguna manera para evitar un escándalo mayúsculo y que tal es la explicación de la brusquedad con la que cesaron los crímenes. Uno de los sospechosos más extravagantes respondía al nombre de James Kenneth Stephen, primo de Virginia Woolf y amigo (o amante) del Duque de Clarence, nieto de la Reina Victoria.

Otro candidato muy popular ha sido siempre Walter Sickert, pintor impresionista e individuo que podría ser considerado como un modelo del tipo de excéntrico inglés del siglo XIX. Aunque se habló igualmente de sus relaciones con la Corte británica, parte de la teoría que hace mención a su nombre se sostiene más bien en algunos de los cuadros que nos dejó el artista británico y que fueron interpretados por algunos como una forma de auto delación.

En lo que se refiere a la conexión francmasónica se basa casi por completo en una sola palabra: “juwes”. Esta palabra formaba parte de la inscripción encontrada tras uno de los asesinatos de Goulston Street: “Los juwes son aquellos a quienes no se culpará de nada”. Independientemente de que estas palabras fueran garabateadas por el auténtico asesino, se dijo que el término “juwes” podía haber hecho referencia al nombre colectivo que se asigna a Jubela, Jubelo y Jubelum, los asesinos del maestro masón del templo de Salomón. Aunque también hay una interpretación mucho más obvia que sugiera que en realidad la palabra era un término vulgar para referirse a los judíos (jews en ingles) un colectivo que, como hemos visto a lo largo de la historia, suelen aparecer como cabezas de turco en cualquier situación con la que puedan ser relacionados.

Al margen ya de teorías conspiratorias, la lista de candidatos individuales es aún más larga y abarca innumerables nombres de criminales diversos que fueron ejecutados, murieron en prisión o se suicidaron, incluyendo uno llamado Neil Cream (médico envenenador de Chicago) cuyas últimas palabras (antes de que la soga le quitara el habla definitivamente) fueron “Soy Jack…”. Muchos de estos sospechosos tenían relación con el mundo de la prostitución, se habló incluso de algunos que ejecutaron alguna suerte de venganza por haber sido contagiados (ellos o alguno de sus familiares) de alguna enfermedad de transmisión sexual aunque personalmente creo que no hay nada de ello, el que las víctimas fueran prostitutas responde más bien al hecho de que se trataba de un grupo social que constituía un objetivo fácil, al que se podía conducir, con el señuelo de unas cuentas monedas, a algún lugar donde cometer el crimen impunemente.

La Destripología se ha visto alimentada por una sucesión de documentos que han sido revelados al público con cuentagotas a lo largo de estos cien años. En 1959 se descubrió el “Memorandum Macnahgten”, de 1894, donde se constatan las impresiones de los agentes adscritos al caso y se mencionaba el nombre de dos sospechosos (Druitt y Ostrog) aunque por desgracia dichos documentos no explicaron en qué se basaba dicha sospecha. En 1987 se descubrió el “Marginalia de Swanson” basado en las observaciones de otro policía encargado de la investigación y que revelaba la existencia de un tercer sospechoso (Kosminski) de origen judío y polaco. Las fotos de los cadáveres que ilustran esta entrada no fueron publicadas hasta 1972 y los macabros detalles del estado en el que se encontró a Mary Kelly no fue dado a conocer hasta 1987.

Lo cierto es que la combinación de la brutalidad de los crímenes y el misterio de la identidad del asesino han contribuido a mantener vivo el interés sin que este decreciera ni un ápice a pesar de todo el tiempo transcurrido. En general, es imaginado como un hombre astuto, taimado y aún muy vivo en cada nuevo asesino sexual al que se anuncia como un sucesor. Se han escrito más de cien libros acerca del Destripador, amén de varias óperas y diez filmes compuestos con el mismo tema.

Se considera a “The lodger”, escrito por Marie Belloc Lownes y publicada en 1913, como la obra de ficción que verdaderamente popularizó al Destripador, este libro ha alcanzado 31 ediciones, se ha traducido a 18 idiomas y ha dado lugar a cinco películas, la primera de ellas firmada por Alfred Hitchock. Recuerdo haber visto una de esas versiones (no la de Hitchcock sino otra posterior) que se apuntaba a la teoría de un individuo que actuaba por venganza contra las mujeres de mala nota que habían arruinado física y moralmente a un hermano.

Ya conté en cierta ocasión cómo mi primer acercamiento a la figura del Destripador (en lo que a imágenes en movimiento se refiere) vino por la película “Los pasajeros del tiempo” (Time after Time) en la que se jugaba con la idea de poner en relación a dos personajes de la época, el propio Jack y el escritor H.G. Wells.

Aparte de este recuerdo algunos otros títulos más en los que se hacía referencia directa a la figura del Destripador, uno era “Asesinato por decreto”. En esta ocasión era el mismísimo Sherlock Holmes (por cierto que Sir Arthur Conan Doyle metió baza en la época de los asesinatos insinuando que el asesino huía del escenario del crimen vestido de mujer) el encargado de investigar las masacres de Whitechapel. La película se adscribe a la teoría de la conspiración monárquica contando la historia de un miembro de la Casa Real que había mantenido relaciones con una prostituta llegando a engendrar a un bastardo, los asesinatos serían una forma de encubrir el desafortunado desliz.

Más o menos por el mismo camino transitaba la película “From hell”, el ejemplo más reciente de “cine del Destripador” y basada en un cómic homónimo de Alan Moore, una de esas obras del noveno arte (junto con otros títulos como “Maus” o “Watchmen”) que se supone que, incluso los que no frecuentamos el medio, deberíamos leer.

Ninguno de estas películas es demasiado mala, tampoco demasiado buena, son obras correctas con mayor o menos grado de interés. Quizás el motivo de que no se haya hecho nunca la película definitiva sobre el tema es el mismo por el que se puede decir que no existe el libro definitivo ni la teoría definitiva. Después de tantos años la historia del Destripador continua siendo una obra inacabada que sigue esperando que se ejecute el último movimiento, algo que será difícil que llegue porque, a pesar de todo lo escrito y especulado lo cierto es que seguimos sabiendo del Destripador ahora tanto como entonces, el secreto de lo sucedido entre el 31 de agosto y el 9 de noviembre de 1888 quedó para siempre encerrado en las neblinosas y húmedas calles de un skid row londinense donde sólo habitaban los miserables.

Smashing Pumkins

2011-10-31T11:50:00.000-07:00

En lugar de la prometida entrada de Halloween de El Abecedario del Crimen me gustaría proponer otra cosa mucho más fácil de componer. Al contrario que con otra fiesta casi tan popular como esta (de la que el mundo empezará a ocuparse el día 2 de noviembre aproximadamente), no abundan los cuentos de Halloween. No me refiero por supuesto a historias de terror, que las hay en una variedad inabarcable, sino historias que traten precisamente sobre esta fiesta. Hace algunos años mientras hacía zapping me encontré por casualidad con un bonito cuento animado que sí que trataba sobre este tema. Eran los tiempos anteriores a Internet, así que hasta que llegó el último gran avance en la comunicación humana había perdido la esperanza de volver a tropezarme con dicho cuento, pero en cuanto pude contar con el gran oráculo de Google no tarde mucho tiempo en averiguar todo lo necesario sobre "El árbol de Halloween".

Pude entonces no sólo saber que aquella aminación estaba basada en un cuento de Ray Bradbury, sino que además pude encontrar dicho cuento desmenuzado y subtitulado en el youtube. Así que no queda más que decirles que poniendo el título en cuestión en el buscador de ese programa podrán dar con él, y para los que ni siquiera quiern molestarse en hacer eso, aquí les pongo en bandeja los vídeos. Feliz día de muertos.

Sesion doble (una vez más)

2011-10-27T23:03:00.000-07:00

Un par de películas más antes de un nuevo capítulo del Abecedario del Crimen que espero coincida con la noche de difuntos.

1. La ciudad y los perros

He aquí algo que podríamos definir como un “drama financiero”, subgénero al que pertenecen filmes como “Wall Street” o “Boiler room” (llamada en España “El informador”) por nombrar los dos únicos títulos que me vienen ahora a la memoria. Es este un tipo de película con un desarrollo curioso dado que la mayor parte de las personas que acuden a verlas (incluyéndome a mí desde luego) se caracterizan por un casi total desconocimiento de los complicados tecnicismos que desgranan sus protagonistas. De hecho es fácil observar, como casi siempre que ocurre esto, los guionistas deslizan algún personaje cuya ignorancia representa la del espectador y al que se le encarga que pronuncie frases como “explícame esto de forma más sencilla, sabes que no entiendo de números” o “cuéntame lo que pase y exprésate como si estuvieras hablando con un niño”.

Quizás son detalles como este los que hacen que esta clase de películas resulte una visión tan agradable al espectador (hablo de la forma, no del tenebroso fondo), se trata por lo general de historias bien rodadas, con un ritmo y una duración adecuados, con un –como hemos visto- especial cuidado en que el espectador no se pierda en vericuetos lingüísticos para especialistas y generalmente bien interpretadas y sin sobreactuaciones (aquí hasta Jeremy Irons está bien que ya es decir mucho, aunque me quedo con el trabajo de Kevin Spacey). Además esta película resulta de plena actualidad ya que se trata de una dramatización sobre un acontecimiento real, el día en el que comenzó a venirse abajo la monstruosa tramoya financiera en la que estaba asentado nuestro ingenuo mundo. De hecho algunos aspectos de dicha dramatización podrían ser considerados como uno de los puntos débiles de “Margin Call”, me refiero a que la película está salpicada de numerosos subrayados en forma de momentos climáticos, declaraciones solemnes y en resumen todo suerte de recursos estilísticos que en cualquier otra producción podrían resultar afectados y redundantes pero que en este tipo de historias son casi una marca de fábrica. Además resulta inevitable echar mano de todos los trucos del oficio cinematográfico para conseguir mantener el interés en un argumento en el que resulta fácil perderse. De todos modos si alguien quiere un análisis más riguroso de lo ocurrido con la última crisis financiera puede echar un vistazo al documental “Inside job”.

2. This planet earth

Oí hablar de esta película por primera vez en el blog de Absence en el que se hacía un repaso a los títulos exhibidas en el festival de Sitges, hay que decir que el señor Ausente no mostró mucho entusiasmo por este filme aunque desde luego él mismo manifiesta su poco apego al género al que pertenece “Otra tierra”.

¿Y qué género es ese? Pues el cine “Indie”, o lo que es lo mismo “gente con gorros de lana caminando bajo un cielo umbrío”. Bueno es broma, no tengo nada contra este tipo de películas con tal de que sean buenas, aunque hay que reconocer que las que conocemos como películas independientes no son otra cosa que tratamientos más personales y menos afectados por la parafernalia de Hollywood de los temas de toda la vida. El de “Otra tierra” trata sobre la culpa y la redención, algo que ha dado lugar a toneladas de celuloide. Pero en este caso un argumento tan clásico está además trufado con una variante muy llamativa: la historia de cómo la protagonista de la película trata de conseguir el perdón de un hombre al que ha causado un daño indescriptible se entremezcla con un argumento próximo a la ciencia ficción en el que se narra el descubrimiento de un planeta idéntico a la tierra. No es la primera vez desde luego que se usa la ciencia ficción como metáfora para analizar aspectos más aparentemente profundos de la naturaleza humana, aunque la diferencia es que en este caso resulta bastante complicado (aunque tampoco es que le haya puesto mucho interés) adivinar de qué manera se emplea dicha forma metafórica en esta historia.

De todos modos al menos quedan un puñado de imágenes poderosas (como la que ilustra este comentario) y también un drama bastante solvente en el que destaca la interpretación de William Maphotter, el inolvidable Ethan de nuestra serie favorita.

Pero si lo que quieren es un auténtico ejercicio de armonía entre drama y ciencia ficción mejor véanse una de Tarkovski

Okerbideak ezpaitaki mintzaerarik, berdin tratatzen baitu erdalduna eta euskalduna.

2011-10-23T13:19:00.001-07:00

En este blog hemos hablado varias veces del terrorismo de ETA. Una de ellas fue el nueve de enero de 2007, poco después de que el atentado de la T4 pusiera fin a la tregua de 2006. Fue ese el momento que aproveché para analizar la relación entre la historia de la banda y mi propia biografía, así como a comentar las que, a mi entender igualmente, habían sido las características de aquél proceso negociador. Repasando aquella entrada encuentro que lo escrito en los cinco primeros párrafos de la misma sería de perfecta aplicación al momento que estamos viviendo.

Yo personalmente había gastado ya todas mis esperanzas en aquella tregua de hace cinco años por eso no me había sentido demasiado interesado por el creciente rumor de que el fin estaba cerca, ni tampoco por esa Conferencia de Paz que, a base de invitar a algunas personalidades con cierta experiencia en la resolución de conflictos (esos de los que González Pons dijo que no tenían ni puñetera idea de lo que pasaba en el País Vasco, algo con lo que podría estar de acuerdo para añadir acto seguido que el mismo González Pons posiblemente tampoco la tiene), trataba de dar cierto prestigio internacional al proceso. Posiblemente el anuncio del 20 de Octubre me hubiera causado el mismo efecto (¿Qué diferencia podía haber entre la “tregua indefinida” del 2006 y el “cese definitivo” de 2011?) de no ser por el apabullante tono de acontecimiento histórico con lo que todas las instituciones del país sin excepción (desde la Corona hasta Pep Guardiola) han dotado a dicho anuncio. Un ruido mediático al que desde luego ya no se puede quedar uno indiferente.

En primer lugar me sigue asombrando el irrefrenable optimismo con el que una vez más ha sido acogida esta declaración, es posible que haya fundamentos para ello (fundamentos que en el caso de que existan, y como suele ser habitual, no están al alcance del conocimiento público), pero ¿de verdad a nadie se le ocurre que es demasiado pronto para dar por muerta a la bicha? ¿nadie siente un cierto desasosiego cuando escucha a tantas personalidades declarar con esa alegría cosas como “mis hijos no conocerán lo que es convivir con atentados” o “ya nadie tendrá que mirar debajo del coche antes de ir a trabajar”? ¿de verdad resistiría este país una nueva decepción después de tanto jolgorio y zapateta zapaterista?

Sin embargo vamos a admitir que sí, que esta vez estamos ante el principio del fin y que el cese definitivo al que alude el comunicado es exactamente eso. Pero como digo esto no sería más que el principio, y teniendo en cuenta el largo y polvoriento camino que queda por recorrer tampoco hay que echar tanto las campanas al vuelo. No entro ya en cuestiones menores como la exigencia de que la banda declara de forma oficial y pública su disolución, de hecho en estos dos años sin tiros, atentados, extorsiones o secuestros hemos vivido bastante bien, no veo problemas en que dicha disolución siga siendo tácita en lugar de explícita. En cuanto a la entrega de las armas, en lo que a mí respecta pueden dejar enterradas donde quieran que las tengan las cuatro mierdas que le deben quedar, tampoco me parece relevante. Y por lo que se refiere a pedir perdón…bueno yo es que nunca he sido partidario del perdón, ni de pedirlo ni de exigirlo, si yo fuera una víctima directa o indirecta de un atentado que alguien me pidiera perdón me parecería un insulto y como persona no afectada directamente me parece una exigencia poco práctica y además innecesaria.

Pero repito que todo esto son cuestiones menores, aquí hay varios problemas que son los que van a suscitar los mayores quebraderos de cabeza de este proceso. En primer lugar está el tema de los presos, una cuestión muy peliaguda.

Descartada una amnistía general (la Constitución prohíbe expresamente el “indulto general” que viene a ser más o menos lo mismo, de hecho es posible que en el tenebroso proceso de elaboración de la Carta Magna se incluyera esa cláusula precisamente para evitar esa cuestión en un proceso como el que nos encontramos) lo que queda es un procedimiento bastante complicada. Admitida la separación de poderes que más o menos rige en nuestra democracia me resulta complicado pensar en alguna clase de directriz dirigida a facilitar la libertad condicional a según qué presos, supongo que en los casos de etarras sin delitos de sangre no habría tanto problema pero aquellos otros con elevadas condenas serían harina de otro costal ¿cómo justificar medidas de gracia a hombres condenados por delitos tan graves como los de Hipercor o las voladuras de casas cuartel? Recordemos además que existe la doctrina Parrot que establece que la reducción de pena no se aplica sobre el máximo de 30 años que establece la ley, sino sobre cada una de las condenas consideradas de forma individual, una forma de cadena perpetua encubierta que el poder judicial se sacó de la manga precisamente para evitar que el tal Parrot saliera a la calle con el mismo desparpajo con el que lo hizo el horrible De Juana Chaos.

Y eso sólo hablando de los presos que ya han sido juzgados y condenados, todavía falta hablar de los que están en espera de juicio o que incluso aun no están en manos de la justicia, es improbable pensar que estos hombres y mujeres no será enjuiciados como si el proceso de paz no hubiera sido puesto en marcha. Así pues y salvo que el gobierno próximo se entrega a una poco probable lujuria de indultos individuales a cada Consejo de Ministros me resulta muy complicado adivinar cómo se irá resolviendo esta cuestión.

La otra gran cuestión es la de la política. La ilegalización de Herri Batasuna pudo en su día haber sido contemplada con algo de inquietud por aquellos que lo consideraron una clara violación del espíritu de la libertad ideológica consagrada por la Constitución, pero qué duda cabe que ha contribuido a la derrota de la banda tanto o más que cualquiera de las espectaculares actuaciones policiales que hemos presenciado. A medida que aumentaba la sensación de que la lucha armada (kale borroka incluida) estaba llegando a un callejón sin salida, el hecho de carecer igualmente de una voz política y legalizada estaba dejando al mundo abertzale completamente fuera de cualquier clase de influencia en la sociedad vasca. Desde que se produjo esa convicción, el tema de la vuelta al escenario público de la izquierda radical se convirtió en una cuestión igual de importante o incluso más importante que el eterno tema de la liberación de los presos. Desde que aquella ilegalización se produjo, todos los intentos por volver a los parlamentos, diputaciones y casas consistoriales habían sido torpedeados por la justicia. Incluso el hecho de que la última de estas formaciones (Bildu) fuera finalmente avalada por el Tribunal Constitucional se interpretó como parte de un pacto previo que tuvo como contrapartida la declaración del 20 de Octubre. En tiempos no muy lejanos se producirá igualmente un pronunciamiento de dicho Tribunal con respecto a Sortu, pronunciamiento que, de inclinarse asimismo por la legalización, podría ser igualmente interpretado como otra contrapartida de ese hipotético pacto (te legalizo la mitad ahora y la otra mitad después). Como todavía mantengo la ilusión de que el más alto tribunal del país es una institución independiente de cualquier influencia política, no me queda más remedio que deducir que la legalización de Sortu sería una buena noticia y que el efecto de su no legalización dejaría al menos a Bildu en el espectro político. Además qué diablos ¿de verdad alguien es capaz de establecer diferencias entre una y otra formación?

El último asunto peliagudo sería el que hace referencia a las víctimas y sus familiares. Este colectivo ha experimentado una curiosa evolución en lo que se refiere a su papel en la sociedad, del ninguneo más extremo (una actitud que ni siquiera podía considerarse algo premeditado) a adoptar una forma de organización que incluso puede influenciar políticamente el desarrollo tanto de este proceso de paz, como de la próxima campaña electoral. Las victimas del terrorismo (hablando siempre en relación a los términos en los que suelen expresarse sus representantes oficiales) siempre han visto con recelo cualquier tipo de negociación, tregua o declaración de intenciones pacíficas de la banda. Es posible que esta actitud responda a una legítima desconfianza (que yo mismo comparto como he dicho) ante un proceso tantas veces fracasado pero puede ser también que estemos ante un proceso más difícil de entender.

Cuando has tenido que enterrar a un hijo cortado en cuatro pedazos o cuando necesitas cada día tres cuartos de hora para conseguir usar el servicio es difícil ser un adalid de la paz. La muerte violenta y la mutilación son traumas duros de aceptar, todo el que ha pasado por ello necesita tener la certeza de que su ordalía tiene algún sentido, que ha servido para algo. Las víctimas del terrorismo jamás aceptaran (yo desde luego no lo haría) una salida al conflicto que no incluya todos los puntos anteriormente mencionados (el anuncio de la disolución, la entrega de las armas, la petición de perdón) y que omita específicamente cualquier medida de gracia colectiva o individual para presos condenados por asesinato. Es justo y legítimo que su actitud sea esa y nadie puede reprocharles lo contario pero mucho me temo que su próximo papel en esta historia será el de incomodo obstáculo para la resolución definitiva. Por mucho que estemos ante una derrota total de la banda no es posible que esto termine sin algún tipo de contrapartida penitenciaria. Es algo que hemos podido comprobar en muchos otros procesos de paz, hemos visto hace poco como casi un millar de presos palestinos (muchos de ellos terroristas con sangre en las manos) eran liberados en una negociación pública y notoria entre Hamas e Israel (un estado muy poco sospechoso de ser “blando” con el terrorismo). Hace también poco tiempo vimos como en Irlanda del Norte criminales que habían cometido actos terribles fueron liberados como parte de los acuerdos de paz. Por mucho que cueste creerlo el individuo protagonista del siguiente vídeo tan solo pasó doce años en la cárcel.

En resumen es posible que las víctimas tiendan a sentirse cada vez más insatisfechas a medida que el proceso avance porque en todo proceso paz de paz negociado tienen que ser inevitablemente dejadas al margen

Es posible que tras la impresionante declaración del día 20 (o mejor dicho tras la impresionante reacción a dichas declaraciones) el asunto se paralice hasta que se forme el nuevo gobierno. No creo que el hecho de que posiblemente sea el Partido Popular el que forme dicho gobierno constituya un obstáculo para la negociación, sobre todo porque estoy convencido de que las condiciones de dicha negociación han sido previamente pactadas también con el Partido Popular. Por de pronto Mariano Rajoy ha hecho una declaración muy mesurada a este respecto, así como el resto de su equipo sin que haya habido más notas discordantes que las de los zombies Aznar y Mayor Oreja. La caverna mediática ha reaccionado también con virulencia, bien por legítima ideología bélica, bien por temor a que este asunto pueda hacer que la derrota socialista sea menos aplastante (temor infundado de todos modos, al PSOE no lo salva ni el descubrimiento de El Dorado). En la anterior tregua Rajoy mostró también su apoyo inicial para luego dar un paso atrás influenciado por el ala más derechista de su partido y por el susodicho entorno mediático. Sin embargo el líder de la oposición descubrió que su servilismo al ala más desagradable de la derecha española contribuyó en gran medida a su derrota en las elecciones de 2008, y es de esperar que en esta ocasión se deje guiar por el sentido común.

Hasta que llegue el momento de que se concrete en hechos la ya célebre declaración del pasado viernes sólo queda decir que existe una gran posibilidad de que la guerra (porque esto ha sido una guerra por más que muchos se empeñen en decir que no) haya terminado, y que en ese caso dicha guerra la habremos ganado nosotros, por lo que hora sería ya de ir pensando también en destruir nuestras propias armas (ley de partidos políticos, doctrina Parrot y tal) y reducir el conflicto vasco a lo que nunca debió dejar de ser: una simple cuestión de reparto de poder y de bailes regionales. No resulta demasiado alentador pero la idea de encender la radio a las 06.30 de la mañana y no volver a escuchar la noticia de ningún otro atentado será suficiente consuelo. Suponiendo que tal cosa finalmente llegue a suceder.

Sesion doble (otra vez)

2011-10-17T13:51:00.001-07:00

1. PERDIDA Y RECUPERACIÓN DEL PELO

No creo que hubiera ido a ver esta película de no haberme convencido una crítica elogiosa de “El País”.

En dicha crítica Javier Ocaña decía que este filme no podía adscribirse al género de la comedia romántica, y tiene razón, aunque tampoco podríamos decir que se trata de un drama romántico. Un drama es por ejemplo “Carta de una desconocida” que es también una película muy triste pero “One day” no es una película triste, es una película deprimente. Algo triste es que se te muera un hermano, algo deprimente es trabajar de 9 a 5 en el Mercadona de Zafra, esa clase de sensación es la que deja esta película.

La estructura de “One day” es la de analizar la relación entre dos ex compañeros de Universidad (interpretados por Anne Hathaway y Jim Sturgess en la variante de chico guapa y chica fea pero pizpireta) a lo largo de 17 años, para ello se escenifica siempre lo que sucede el mismo día (15 de julio). Esta forma de narrar tiene sus ventajas y sus inconvenientes, entre los últimos está el que la transformación física de los actores resulte demasiado artificial, en el caso de la Hathaway no hay problema, tiene el clásico rostro atemporal del que te pueden decir que tiene veinte o cuarenta años sin que tengas problemas para creerlo. Con Jim Sturgess en cambio sí que se tuvo que trabajar duro, cortándole y dejándole crecer el pelo luego y poniéndole y quitándole ojeras, el resultado de todos modos ha sido bastante satisfactorio. La ventaja está en que es un tipo de estructura que en teoría permite una cierta agilidad al subdividir el argumento en segmentos, ninguno de los cuales dura más de diez minutos, pero al final esto no es exactamente así porque la película sí que se resiente de una cierta lentitud y reiteración, sobre todo en su parte final que se alarga de forma, creo yo, innecesaria.

Pero bueno con todo lo peor es, repito, ese tono doliente y lastimero con el que está contada la historia, incluso los momentos en teoría “alegres” en los que se describe la relación están filmados en un tono sombrío y lánguido, los personajes principales no están felices ni juntos ni separados, el mundo está jodido, nadie consigue lo que quiere y la vida es una amarga decepción tras otra hasta que acabas deseando que se muera Mourinho. Más que triste, tristón, como si al salir del Mercadona de Zafra además estuviera lloviendo. No encuentro demasiado atractivo en argumentos de este tipo. Aparte de esto bien la Hathaway (las críticas extranjeras dicen que su acento inglés apesta pero ahí yo ya no entro) y bien el tal Sturgess aunque su único trabajo aquí es estar guapo.

2. EL HOMBRE QUE SIEMPRE ESTUVO ALLÍ

El director Jaume Balagueró inició su carrera con una serie de películas algo toscas pero cada vez más interesantes (“Los sin nombre”, “Darkness” y “Frágiles”, dejemos a un lado “Operación Triunfo” por más que algunos la consideren como la más terrorífica de su carrera), y una primera incursión –televisiva- en el subgénero conocido como “terror inmobiliario”, hablamos de “Para entrar a vivir”.

Acto seguido el realizador español dio en el clavo de lleno, y sin abandonar dicho subgénero, con REC, una gran película de terror por méritos propios y sin duda merecedora de entrar de lleno en la lista de las diez mejores que de este género se han filmado en nuestro país (para ser justos tampoco es que la competencia sea muy dura). De hecho la impresión que dejó este filme fue tan buena que no era muy difícil perdonar que se hiciera una secuela notoriamente inferior en aras de mostrar apoyo a la, que yo sepa, primera saga de cine de terror patrio. Y sí, ya sé que estas dos películas fueron filmadas conjuntamente por Jaume Balagueró y Paco Plaza pero que quieren que les diga, en el caso de estos dúos cinematográficos es inevitable tener la sensación de que uno de los nombres tiene más peso en el resultado final que el otro, y de todos modos si Plaza puede defender la serie en solitario es algo que ya comprobaremos en el próximo estreno de REC 3. De momento el trailer resulta por lo menos sugerente.

El estreno de “Mientras duermes” posiblemente suponga un salto cualitativo en la carrera de Balagueró, que pasa del terror puro a otros géneros con límites y normas menos definidos. Nadie espera de “Darkness” o “REC” un argumento demasiado consistente, son películas hechas para dar miedo y basta. Pero una historia como la de “Mientras duermes” necesita algo más de cuidado y Balagueró demuestra ser mejor mecánico que ingeniero.

En los primeros cincuenta segundos de esta película se revelan sus puntos débiles y sus puntos fuertes, en esos instantes iniciales se presenta al personaje de Cesar (Luis Tosar) con una suerte de monólogo interior que funciona como presentación del protagonista de esta historia, a esta escena le sigue una en la que vemos como el individuo se despierta tras una macabra noche en compañía de una involuntaria compañera de cama (Marta Etura). La mecánica (el cúmulo de inquietantes sensaciones que trasmite el despertar del maníaco) funciona perfectamente, la ingeniería (la torpe auto confesión del individuo) es defectuosa.

Esta opinión se confirma a lo largo del resto del metraje en el que Balaguero describe con maestría las morbosas maniobras de Cesar para destruir la vida de Clara pero fracasa cuando trata de dotar de explicación o al menos de contenido a esa obsesión, para lo cual tiene que acudir no ya al mencionado monólogo sino también a algún otro recurso poco afortunado como los diálogos que el portero establece con su madre impedida. Hay algunas otras cosas que tampoco terminan de funcionar como ocurre con alguno de los personajes secundarios (el novio de Clara pero eso es culpa de Alberto San Juan y la niña vecina cuyo papel simplemente es molesto además de innecesario) y sobre todo un final efectista y poco satisfactorio. A esto hay que añadir que los largos ciento ocho minutos de metraje no le sirven al director para establecer un ritmo adecuado para el desarrollo de la historia.

Pero repito que cuanto menos el buen hacer de Balagueró en la elaboración de escenas compensa un poco el mal sabor de boca, hay una en especial que constituye una pieza maestra de montaje, ritmo y manejo de espacios, y además adornada de un suspense casi insoportable. En resumen parece que al director catalán no le sientan bien las historias que necesitan algo más que fuegos artificiales para salir adelante. A pesar de ello me ha parecido un producto bastante recomendable, excepto para los que tengan fobia a los blatodeos naturalmente.

Sesión doble.

2011-10-11T07:55:00.001-07:00

En primer lugar decir que el resultado de la encuesta planteada en la entrada anterior es un empate entre las tres propuestas con lo cual queda el voto de calidad de mi menda. Y puestos a elegir, y teniendo la información de que algunas personas se sienten molestas por el fondo negro, he decidido cambiar finalmente a blanco. Eso sí el cambio tendrá lugar a partir del 1 de noviembre, día de difuntos, no encuentro mejor momento para despedir el tono oscuro del blog y que además coincidirá con la última entrada del Abecedario del Crimen. Ahora vamos con el tema del día.

Dos películas en teoría de estreno en nuestro país (lo digo porque la primera de ellas es del año 2010), la primera con algo de spoilers (tampoco muchos pero yo no leería esto si no la hubiese visto), la segunda no. La segunda admite un visionado en la versión doblada si no queda más remedio, la primera bajo ningún concepto debe verse en otra versión que no sea la original. Quizás debiera haber añadido “Somewhere” de Sophia Coppola, otra película del año pasado que se ha estrenado ahora pero sinceramente no sé qué decir de ella. Vamos con el tomate.

Hay una escena emblemática del argumento de esta película que tampoco creo que podamos calificar como de “comedia negra”. Los cuatro leones a los que alude el título se dirigen al martirio mientras escuchan por la radio uno de esos temas de música árabe revolucionaria que suelen ambientar los vídeos de atentados de Al-Quaeda. En un cambio de plano vemos como ahora los terroristas están escuchando con mucho más entusiasmo la animosa “Dancing in the moonlight”.

Que un pastor de cabras afgano se convierta en terrorista es algo que se puede achacar a multitud de factores religiosos y ambientales, pero que individuos de origen islámico, pero educados íntegramente en una sociedad occidental, se conviertan en suicidas es algo mucho más complejo, desde luego esta película ni siquiera intenta explicarlo, se limita a narrar las contradicciones de un grupo de hombres que viviendo en medio de una de las sociedades más avanzadas del mundo elije voluntariamente la barbarie.

No se trata de una película redonda, el comienzo opta por un humor excesivamente grueso y más propio de un programa televisivo de sketches para públicos no demasiado exigentes, muestra de ello es toda la parte en la que Omar y Waj (el payaso listo y el payaso tonto) acuden al campamento para terroristas en Pakistan. El hecho de que algunas anécdotas reales atribuidas a muyhaidines pudieran ser incluidas con justicia entre los gags de la película (como la de ese terrorista que estuvo durante dos horas buscando ropa que no le hiciera parecer gordo en el vídeo que iba a filmar antes de inmolarse) no contradice el hecho de que el tratamiento humorístico sea en ocasiones demasiado grosero.

Sin abandonar nunca el tono sarcástico la película se asienta un poco más en cuanto abandona el simple encadenamiento de chistes y se focaliza en una auténtica trama, esto es el atentado suicida durante la Marathon, momento en el que tiene lugar una grandiosa escena que justifica por sí sola el visionado del filme. En ella se combina el humor, la tragedia y la reflexión y sobre todo queda perfectamente diáfano la increíble estupidez que trae consigo el propio concepto del acto de inmolación con lo que, incluso aunque no fuera esa la intención con la que se hizo la película, “Four lions” resulta un filme de lo más didáctico. De todos modos independientemente de lo buena o mala que sea la película resulta una iniciativa que cuenta con todos mis respetos, ojala más gente siguiera esa senda.

Después del formidable golpe de fortuna que supuso que su corto “Esposados” fuera nominado a los Oscars, Juan Carlos Fresnadillo ha hecho tres películas incluyendo la que hoy nos ocupa, ninguna de ellas es totalmente satisfactoria, aunque a nivel personal sí lo es el hecho de que un paisano ande por el mundo haciendo películas con Clive Owen y gente por el estilo.

En el caso de “Intruders” presiento que nos encontramos ante la clásica producción cinematográfica que surge a partir de una idea argumental –más o menos brillante u original- que funciona como núcleo, se construye toda una historia que gira y se pone al servicio de dicha idea. Bueno, quizás estoy describiendo el proceso de construcción del 90% de las películas comerciales, pero digamos que en algunas este procedimiento se nota más que en otras, y en el filme de Fresnadillo se nota bastante. Efectivamente el espectador se enfrenta a un desfile de imágenes y situaciones poco comprensibles pero al mismo tiempo con la insinuación de que todo encajará cuando llegue el desenlace de la historia, y sí la verdad es que eso es exactamente lo que ocurre al final, el rompecabezas queda perfectamente explicado y de un modo además bastante satisfactorio, incluso brillante.

Desde luego es un final que mejora bastante un producto filmado en ocasiones de manera descuidada, y en el que Fresnadillo sigue confundiendo insinuación con confusión (tal y como le ocurría con la poco recomendable “28 semanas después”). Algunos han objetado el hecho de que muchas de las escenas y situaciones están alegremente fusiladas de otros títulos anteriores, pero es una acusación ridícula en el año veinte después de Tarantino, el hombre que convirtió el plagio en homenaje (por cierto que entre los “homenajes” de la película está incluido uno muy simpático a la histórica “El exorcista”, aunque más que homenaje habría que hablar de parodia).

En fin, la carrera de Fresnadillo prosigue entre títulos correctos pero no demasiado memorables, pero eso sí, que un canario triunfe en el extranjero es siempre motivo de orgullo, sinceramente lo digo.

Primera y última encuesta

2011-10-06T04:46:00.000-07:00

En una reciente entrada en el blog de Vargtimen algunos de sus lectores (y de los míos) se quejaban de que los blogs con fondo negro les jodían la vista, recuerdo que hace bastante tiempo alguien hizo un comentario en ese mismo sentido en mi propio blog, dado que el efecto que quiero causar en la gente no es la ceguera me gustaría hacer un sondeo sobre si les gustaría que cambiara el fondo (me refiero al color no al fondo-fondo tú sabes) del blog por el mismo color blanco que ha colocado en el suyo el susodicho Vargtimen. Las respuestas deberán ser

1. Sí, quiero que cambie el color
2. No, déjalo como está.
3. Me importa una higa

Las urnas se cerraran cuando entre la siguiente actualización. El color está en sus manos.

No rest for the wicked

2011-09-30T10:01:00.001-07:00

En el año 2002 Enrique Urbizu firmó “La caja 507”, una película que resultó ser un más que digno (si exceptuamos algunas filigranas de guión poco justificables) intento de hacer un cine de género negro en España, años antes el propio Urbizu ya había hecho sus pinitos en ese campo con “Todo por la pasta”. Un empeño que tiene ahora su prolongación en “No habrá paz para los malvados”, estreno que, como suele ser habitual, ha contado con una eficaz campaña de publicidad y con el molesto tono crítico-amistoso con el que los profesionales del medio suelen referirse a los productos del cine patrios.

De todos modos a mí, más que a los otros títulos de Urbizu, “No habrá paz para los malvados me ha recordado más bien a un éxito reciente de nuestro cine: “Celda 211”. Y no me refiero a un parecido genérico, me refiero más bien al hecho de que se trata de dos películas organizadas en torno a la construcción de un personaje de carácter, interpretado por un conocido actor, una interpretación enarbolada como estandarte de la película y a la que van dirigidas la mayor parte de las alabanzas que se le dirigen. En aquél caso se trató del “Malamadre” de Luis Tosar, aquí del Santos Trinidad (por cierto una elección pésima en el nombre, pareciera que estuviéramos hablando del protagonista de un spaghetti western de cuarta categoría) de José Coronado.

Efectivamente, la gente hablará en el futuro de esta película (suponiendo que esta película tenga futuro) a propósito de lo bien qué estaba Coronado y del marcado carácter de su personaje. Y tendrán razón porque sin duda Santos Trinidad y sus tribulaciones son lo mejor de este filme, su personaje carece del desagradable tono del malditismo prefabricado y ofrece una visión veraz (cinematográficamente hablando por supuesto) de un individuo en decadencia física y moral, merced a esas imágenes del inspector corrupto, borracho y visceral, pero a la vez capaz de mostrar una fría determinación a la hora de tratar de arreglar el terrible estropicio que causa en la primera escena.

Es una lastima que el resto del argumento no esté a la misma altura que la mera escenificación de las desventuras de Santos, no ocurre así al principio cuando la historia discurre por los derroteros del más puro cine negro al describir el drama con el mismo tono fatalista de las grandes historias del género, ese que muestra a miserables seres humanos atrapados por una ineludible tela de araña que se va enredando cada vez más sin que nada de lo que hagan sirva para otra cosa que para enredar más la madeja (nombres como “Detour” de Edgard Ullmer o “Ascensor para el cadalso” de Louis Malle me vinieron a la cabeza mientras veía esta película, aunque cualquier espectador podría invocar muchos otros títulos). También me pareció estimable esa parte de la trama en la que Santos hace su propia, torpe, violenta y desesperada indagación paralelamente (y sin embargo siempre un paso por delante) a la fría y formal que hacen las autoridades oficiales.

Humildemente creo que con todo esto había bastante como para sacar una buena película, pero los autores decidieron hacer una variante extraña y poco afortunada que deshace el efecto de verosimilitud conseguido y devuelve la película a ese territorio poco convincente en el que se suele desarrollar el escaso cine de género que se hace en nuestro país. Por añadidura esta derivación del argumento está dominada por actores y personajes mucho menos atractivos que el binomio Santos-Coronado, tal es el caso de Juanjo Artero cuya incorporación al elenco artístico de la película me parece un error de casting, no porque lo haga mal ni mucho menos, sino por que el bueno de Juanjo ya se había pasado toda la década anterior haciendo de policía. En cuanto a lo de Helena Miquel…su participación en esta película me parece una broma que no debió durar más de diez segundos.

En fin que la conclusión de “No habrá paz para los malvados” me deja las mismas sensaciones que ya me dejó en su día la anteriormente reseñada “Celda 211”, tanto que no puedo evitar repetir lo que dije entonces cambiando el nombre de la película.

Pero repito que en el fondo todo esto carece de importancia porque lo que en realidad fuimos todos a ver es a José Coronado en su papel del broncas Santos Trinidad y a ese respecto no creo que nadie saliera decepcionado.

Una búsqueda y una invocación

2011-09-21T16:01:00.000-07:00

Fui a ver “La delgada línea roja” al cine. La sala estaba bastante concurrida, supongo que por el hecho de que era (o parecía ser) una película bélica, de hecho el estreno del tercer largometraje de Terence Malick coincidió en el tiempo con el de “Salvar al soldado Ryan”.

Uno de los personajes de la película de Malick, el interpretado por Ben Chaplin, mantiene durante casi todo el metraje su propio monólogo interior (de hecho creo recordar que el actor no mantenía ningún tipo de diálogo verbalizado en toda la película) mediante una serie de cartas mentales dirigidas a su esposa, evocada continuamente por medio de una serie de bucólicas imágenes entre las que destacaba la de la mujer meciéndose lánguidamente en un columpio. Cuando casi al final de la película Chaplin leía una misiva remitida por su esposa comunicándole que le dejaba plantado para irse con otro, una estruendosa carcajada recorrió la, hasta ese momento, silenciosa y confundida platea.

A lo largo de muchos años de compartir información con otros aficionados al cine me he dado cuenta de que generalmente las reacciones de los espectadores (entendiendo como tales el público que asiste a la exhibición de una película comercial en una sala comercial) suelen ser semejantes cuando se encuentran ante el mismo estímulo, estoy convencido pues de que en casi todos los pases de “La delgada línea roja” ocurrió lo mismo.

A pesar de contener buenas escenas a mí la película me dio la impresión de estar bastante mal hecha, sobre todo en el aspecto del montaje que me pareció tremendamente chapucero (e incluso tramposo, recuérdese como se permitió que en el susodicho montaje se mantuviera una escena de cinco segundos en la que aparecía George Clooney por mero interés propagandístico supongo). Pero aparte de eso creo que Malick fracasaba en el intento de contar una historia de hombres en guerra empleando un tono trascendente e incluso pedante en ocasiones. Costaba mucho trabajo creer que unos soldados sobre todo preocupados por que no les mataran y por encontrar un lugar tranquilo donde echar una carta fueran capaces de entregarse a tal hondura filosófica. Digamos que la historia no se prestaba a tal esfuerzo. Y el público reaccionó en consonancia.

No vi “Malas Tierras” en el cine y en la proyección de “El nuevo mundo” sólo estábamos tres personas, dos de las cuales esperaron al menos hasta el final de la proyección para manifestar su disconformidad. En la sesión de ayer (si exceptuamos a un extranjero perturbado con un aspecto semejante a un Wally de 65 años) tampoco se produjo ningún altercado, quizás porque un martes a las 17.00 horas tiene uno la certeza de que sólo estarán allí personas que han escogido de forma consciente ver esta película en particular.

A la vista de lo que muestra esta mezcla de ruego y advertencia (no había visto nada igual desde que un cartel a la entrada del cine advertía de que el principio de “Dancer in the dark” no indicaba que el aparato de proyección se hubiese estropeado) parece que en otras sesiones no ha ocurrido lo mismo.

A mí el hecho de que una exhibición cinematográfica produzca estos arrebatos de ira es algo que me complace, en primer lugar porque creo que ninguna clase de arte puede sobrevivir sin crear de vez en cuando algún tipo de emoción extrema, aunque sea radicalmente opuesta a la que buscaban sus autores. En segundo lugar quizás este sea un pequeño paso adelante en la gigantesca tarea de conseguir que la gente transforme el acto de “ir al cine” (en este caso “ir a ver una de Brad Pitt”) por el acto de “ir a ver una película”, o lo que es más o menos lo mismo, que al menos esa gente tenga una ligera idea de qué clase de espectáculo es el que va a presenciar. De verdad es sorprendente cómo personas que por lo general tienen tantos escrúpulos a la hora de hacer gastos mucho menores está dispuesto a pagar siete euros por algo de lo que no tienen la más mínima información previa.

Pero bueno, dejando al margen cuestiones extracinematográficas podríamos empezar a hablar de “El árbol de la vida”. No es que yo supiera demasiado a priori sobre cuál era el argumento del filme, pero habiendo visto casi toda la filmografía previa de Malick (algo que tampoco resulta una gran hazaña teniendo en cuenta lo escaso de la misma) más o menos me hacía una idea algo más extensa de lo que por lo visto tenían algunos.

“El árbol de la vida” comienza con una plegaria y una invocación, la eterna pregunta dirigida a un Dios impasible que se plantea siempre que se produce alguna brusca y absurda tragedia. Lo que Ingmar Bergman (auténtico catedrático en lo que al silencio de Dios se refiere) liquida con un monólogo del apesadumbrado padre Töre en “El manantial de la doncella”, en la obra de Malick da paso a un largo prólogo que aborda sin ninguna clase de complejo nada menos que la creación del Universo y del planeta Tierra en un despliegue de música e imágenes que remiten de forma inevitable al viaje a las estrellas de “2001 una odisea del espacio” (de hecho el responsable de los efectos especiales de la película de Kubrick ha colaborado también en “El árbol de la vida”). Una profusión de estímulos visuales y sonoros que evolucionan hasta extremos sorprendentes y difícilmente defendibles y que supongo que es la principal culpable de que algunos espectadores hayan salido corriendo de la proyección en medio de insultos a la intelectualidad y vivas a la muerte.

La película tarda un buen rato en abandonar el espacio y bajar a la tierra, para ocuparse acto seguido de una larga evocación de la infancia del protagonista en un suburbio de esos que se podría calificar como los típicos de los años cincuenta en los Estados Unidos. Es sorprendente y también fascinador asistir a casi una hora y media de metraje en el que se escenifica la creación, evolución y -en parte- la destrucción de una familia, y todo eso sin una línea argumental que podamos calificar como tal, multiplicando los puntos de vista y alternando el estilo naturalista (la recurrente crueldad de la infancia) con el bucólico (especialmente en el tratamiento de la figura maternal).

Podría parecer que estamos ante una representación del clásico enfrentamiento entre la naturaleza paterna y materna, un enfrentamiento que se suele mostrar como un preámbulo a la elección (efectuada por los hijos, habituales espectadores y narradores de este tipo de dramas) entre las diversas formas que tiene el hombre de enfrentarse a la vida. Pero aquí dicha figura paterna no sólo se muestra estricta y en ocasiones violenta sino también cariñosa y preocupada por el bienestar de su familia, en cambio el carácter de la madre parece tener una dimensión, repetimos, más bucólico que real y esta tratado de una forma tan bella y etérea que hace que la mujer se asemeje más a una figura mitológica que a un ser humano.

Si consiguiéramos despreocuparnos del significado último de “El árbol de la vida”, y la película girara en su integridad en torno a esta larga y emotiva remembranza podríamos estar delante de una obra maestra, es comprensible que esta forma de narrar una historia pueda resultar demasiado heterodoxa, aburrida (o más bien agotadora) e incluso puede que ridícula, pero a nivel particular podría estar cuatro horas contemplando imágenes de la familia O´Brien. Claro que Malick juega con las cartas marcadas, el 99% de los espectadores de esta película (al menos los que siguen en ella hasta el final) procede de un entorno familiar ¿Y cuantos de entre ese porcentaje no se han criado en una casa en la que habitaba un padre riguroso y castigador y una madre cómplice y comprensiva?, a mi personalmente me resultó relativamente fácil implicarme en esa parte del argumento y entrar de lleno en el juego propuesto por el director.

Pero repito que las intenciones de Malick no giraban en torno a una simple evocación de la América de su infancia, ni tampoco en hacer un estudio psicoanalítico de las relaciones paterno-filiales. Y por mucho que quisiera dejar al margen el que debe ser el sentido final de la película no me parece honesto hacerlo. Aunque bien poco podría decir porque reconozco que se me escapa por completo dicho sentido, presiento que tiene que ver con el largo prólogo de la película del que antes hemos hablado, y decididamente también con el epílogo ambientado en el tiempo presente y protagonizado por Sean Penn, ninguno de estos dos segmentos me parece tan bueno como el que ocupa la parte central del filme, el primero al menos está filmado de un modo brillante y es una pequeña obra de arte para apreciar en sí misma, el último me parece un fracaso y una muestra de hasta qué punto Malick parece siempre tener problemas con el montaje de sus películas, problema que resuelve en algunas de ellas (“El nuevo mundo”) mejor que en otras (“La delgada línea roja”). Cuentan que esta parte final de la obra fue abucheada durante el pase en Cannes y no es para menos porque en esta ocasión sí que se roza descaradamente el ridículo con un planteamiento burdamente simbolista, una desagradable estética “new age” y un Sean Penn dando una imagen francamente penosa (algo con lo que por lo visto él mismo está de acuerdo).

La forma en la que estos tres fragmentos deben cohesionarse para ofrecer un conjunto global es algo que se me escapa, simplemente no he conseguido comprenderlo. En algunos análisis a posteriori que he leído sobre la película sí que se establece esa relación, incluso en referencia a una de las escenas más chocantes del ya célebre prólogo. Pero no sería honrado atribuirme un análisis que yo no fui capaz de establecer mientras veía la película, por muy de acuerdo que pudiera estar a posteriori con algunas de las cosas que se han dicho.

En resumen creo que “El árbol de la vida” es a pesar de todo una gran experiencia cinematográfica –e incluso una experiencia social- que no se deberían perder, de hecho tengo intención de volver a pasar por esa experiencia (aunque creo que dejaré pasar un poco el tiempo, tampoco hay que exagerar) y por mi parte sólo puedo desea que persista la forma de hacer cine Malick (le perdonamos incluso sus truquitos de marketing para atraer financiación y espectadores) y que tanto él como otros de su ralea sigan cabreando al personal todo lo que puedan.

Poupee de chiffon

2011-09-17T10:34:00.000-07:00

A la espera de poder ver lo último de Malick me he encontrado con esta tontería con la que no puedo dejar de reirme.

The day The Earth stood still

2011-09-12T12:34:00.000-07:00

Ayer se cumplió el décimo aniversario de los atentados del 11 de septiembre de 2001 y todo eso. Intenté escribir algo sobre lo que estaba haciendo yo aquél día pero descubrí que, como suele ser habitual en estos casos, no estaba haciendo nada interesante. Luego intenté reflexionar sobre los efectos que causó sobre la sociedad global aquel acontecimiento pero encontré que era una tarea demasiado ardua y posiblemente fuera de mis capacidades como analista.

También quise hacer una recomendación para discernir, de entre el aluvión de documentales que han tratado el tema durante estos diez años (algunos con temas tan específicos como el de por qué cayó el edificio número siete), cuál era el que más valía la pena ver según mi criterio, al menos esta parte de la crónica se puede reducir a mencionar una lista de títulos que en este caso se reducirían a dos: El documental de los hermanos Naudet (que se encontraban por casualidad haciendo un reportaje sobre los bomberos de Nueva York y grabaron en primera línea todo lo que sucedió, lo que incluye la única filmación del primer impacto), y el documental llamado “102 minutos que cambiaron América” (y que registra en tiempo real todo tipo de grabaciones públicas y privadas que tuvieron lugar desde precisamente en los 102 minutos que transcurrieron desde aquel primer impacto hasta el derrumbe de la segunda torre). Si a esto añadimos el visionado de la películas “United 73” tendríamos una muestra de cómo yo entiendo que se tiene que abordar una historia como esta. Por cierto que estas tres producciones se encuentran totalmente gratis en el youtube.

Por último me hubiera gustado también hacer algún tipo de comentario sobre cómo el desastre de hace diez años ha influido en prácticamente todos los aspectos de la cultura de la primera década del siglo XXI, empezando por aquel trailer de “Spiderman” que fue censurado pocos días despúes del atentado (por que en él salía una imagen en la que el hombre araña usaba las torres para tejer una gigantesca tela con la que atrapar un helicóptero) hasta el vídeo con el que finaliza esta anti-crónica de un aniversario.

Los ojos sin una cara

2011-09-08T09:26:00.001-07:00

Pedro Almodóvar afirmó que el origen de “Los abrazos rotos” fue la imagen de una pareja inmortalizada por casualidad cuando el cineasta sacaba fotos de una playa de Lanzarote.

Mi interés por “Les yeux sans visage” vino a raíz de una foto de la película que ilustraba una biografía de Georges Franju en mi enciclopedia favorita. Durante años estuve obsesionado con esa foto, tanto que cuando por fin se pasó la película por la segunda cadena (mucho antes de que Internet permitiera el acceso a títulos con los que antes sólo podíamos soñar) no perdí ocasión de verla.

Está película francesa rodada en 1960 ha sido señalada entre otras muchas como una de las referencias de Almodóvar a la hora de llevar a la pantalla su nueva historia. Reconozco que es difícil no rememorarla contemplando la primera hora de metraje de “La piel que habito”, una rememoración más argumental que estética puesto que, a pesar del tenebroso lirismo de sus minutos finales, la película de Franju está caracterizada por una puesta en escena concisa, desnuda y seca. Almodóvar en cambio se sirve de todos los trucos visuales, artísticos y sonoros que atesora en su larga y exitosa carrera de tal modo que, durante la citada primera hora de la película, pareciera que la trama de la misma fuera un mero pretexto para ese talentoso despliegue de estilismo. Algo que no suele ser habitual en el cine del director español siempre caracterizado bien por la predominancia del argumento sobre la forma bien por una armoniosa coexistencia de ambas.

Sin embargo es en el momento en el que llega el clímax de la película (ese que se supone que no debemos conocer antes de que verla, algo difícil de evitar cuando ese giro argumental ya era de sobra conocido antes incluso de que comenzara el rodaje) cuando todo esa cuidada ambientación se pone al servicio de un guión que podíamos resumir como insostenible e indefendible.

Efectivamente todo el artificio y el talento de Almodóvar se despliega con el fin de (como se ha señalado de modo muy explícito hasta en las críticas más elogiosas) transformar lo ridículo en sublime, de dar con éxito un salto al vacío. Casi todos señalan precisamente ese fino equilibrio que la película mantiene entre lo audaz y lo grotesco, y siendo ese equilibrio tan delicado no debería extrañar a nadie que algunos espectadores (entre los que me incluyo) opinen que el funambulista ha caído del lado malo. Yo personalmente así lo creo, el leivmotiv de “La piel que habito” es demasiado extravagante como para que pueda ser asumido, es cierto que el cine, y el talento de los cineastas, en ocasiones nos ha hecho tragar con cosas igual o más bizarras que esta, y es precisamente Almodóvar uno de esos magos capaces de todo…o de casi todo. En ocasiones la tan señalada “suspensión de la incredulidad”, imprescindible para ejercer el disfrute de toda manifestación artística, tiene sus límites y yo creo que aquí se han rebasado. En cierto modo tienen razón los que aducen que el director ha vuelto a sus orígenes, el desarrollo de “La piel que habito” podría equipararse al de los bizarros argumentos de sus primeros filmes pero hace demasiado tiempo de eso, lo que entonces podía ser admisible ahora no lo es, al menos no para mí.

Pero repito que todo lo demás está muy bien, las interpretaciones lo están (incluso la del habitualmente nefasto Banderas aunque hay que destacar sobre todo el impresionante trabajo de Elena Anaya), la fotografía, la banda sonora, la dirección artística, los escenarios (desde luego ese cigarral toledano es una auténtica monada), etc... pero todo eso siempre al servicio de una historia que, repito, sólo se puede calificar de insostenible.

Y esto es todo lo que tengo que decir de “La piel que habito” sin desvelar demasiado de su argumento, los spoilers en la sección de comentarios

Beat my guest

2011-08-29T08:04:00.001-07:00

Según el programa de mano el origen de "El perfecto anfitrión" es un cortometraje rodado por el mismo director (que por añadidura es practicamente un novato)hace diez años. Cuando alguien convierte un cortometraje de una duración esntandar de unos 15 minutos en un largo de 94 muchas veces lo que se consigue es un corto alargado artificialmente. Y un corto alargado artificialmente es como un hombre delgado con panza cervecera: aunque el original sea hermoso el añadido puede arrojar un resultado descompensado y extraño a la vista.

Efectivamente el nucleo duro de "El perfecto anfitrion" es el antagonismo entre sus dos protagonistas principales, dos individuos de origenes y carácter muy diverso que se verán abocados a un enfrentamiento casi metafísico. No es desde luego un argumento novedoso, en muchas críticas y comentarios se hace mención a "La huella" como el referente más claro de esta película, es posible que así sea, aunque también podríamos hablar de otros títulos como "Hard Candy", "Los amantes criminales", "Psicosis" e incluso "¿Qué fue de Baby Jane?".

Es cuando el director juega en el terreno de la comedia negra (el mismo que algunos de los títulos reseñados) cuando mejor se conduce la película, y es cuando lo abandona (bien sea por el uso reiterado de flashbacks, por el desarrollo de una acción paralela a la principal o finalmente cuando decide dar por terminado el juego a dos manos)el momento en el que el producto fracasa por la incompetencia de su realizador y guionista.. Cuanto más grotesco es el espectáculo más valor tiene y cuanto más veraz quiere ser menos interesa. Y eso teniendo en cuenta que toda la valoración del filme (sobre todo en los fragmentos que hemos designado como "los buenos") depende de forma casi exclusiva de la percepción que el espectador tenga del trabajo realizado por el actor David Hyde Pierce, a quien sin duda muchos recordarán sobre todo por dar vida a Nails Crane, el atildado hermano de Frasier, y al que por fortuna no dobla el mismo jambo que tergiversó su interpretación en dicha serie.

Sobre los fofos hombros de este profesional recae todo el peso de la película, si su labor convence la historia tiene salvación, si su multidisciplinar y esforzado recital cae en saco roto no hay nada que hacer. Así pues podríamos resumir "El perfecto anfitrión" como un banquete con algunos platos que se pueden paladear por separado, pero que en su conjunto resulta cocinado por unos profesionales poco cuidadosos con su trabajo. En todo caso mejor considerarlo como una curiosa bagatela a la espera del segundo (y posiblemente último) gran estreno del verano.

The song remains the same

2011-08-27T07:33:00.000-07:00

"Y ENTONCES, DE PRONTO, terminó el verano.

Lo supo mientras caminaba calles (sic) abajo. Tom lo tomó por el codo y apuntó ahogando un grito al escaparate de la tienda. Se quedaron asi un rato, sin poder moverse. En el escaparate veían aquellas cosas de otro mundo, dispuestas tan ordenamente, tan inocentemente, tan terriblemente.

-¡Lápices, Doug, diez mil lápices!
-¡Oh, Dios mío!
-Libretas, anotadores, borradores, acuarelas, reglas, compases, ¡cien mil de ellos!
-No mires. Quizás sea sólo un espejismo.
-No -gimió Tom, desesperado- La escuela. ¡La escuela ante nosotros! ¿Cómo, cómo las tiendas exhiben estas cosas antes que haya terminado el verano? ¡Nos arruinan la mitad de las vacaciones!

Dandelion Wine, relato publicado por Ray Bradbury en 1957 y ambientado en 1928

Letting go

2011-08-21T10:10:00.001-07:00

Se habla de Súper 8 con spoilers.

Creo que “Súper 8” es una película perjudicada por las expectativas que una poco adecuada publicidad previa ha creado sobre ella. No me refiero a un perjuicio en el aspecto económico evidentemente, sino más bien en la percepción actual que se tiene ahora y el recuerdo futuro que se tendrá de ella, si es que tal cosa preocupa a alguno de sus autores.

A pesar de lo mucho que se ha hablado de esta producción en los meses previos al estreno de la misma he intentado no demasiadas de muchas cosas (algo que siempre procuro hacer cuando ya he tomado la decisión de ir a ver una película), aunque al final terminé por enterarme de algunas. Sobre todo se destacaba el hecho de que el filme estuviese producido por Steven Spielberg y dirigido por J.J. Abrams (uno de los máximos responsables de “Lost” posiblemente la serie de televisión más importante en lo que llevamos de siglo). Parecía como si el cineasta que cambió la industria del séptimo arte en los setenta y ochenta fuera a traspasar la antorcha de la sabiduría a la generación que (según su nota biográfica Abrams nació en 1966) había crecido viendo su cine, además estaba la circunstancia de que la acción de “Súper 8” tenía lugar precisamente en los años dorados del rey Midas de Hollywood y de que la trama tenía algo que ver con el tema de los alienígenas. Todo esto hizo que abundaran comentarios del tipo “vuelta al gran cine popular de los ochenta” o “el E.T. del siglo XXI”.

Una vez visionado el filme hay que decir que no se trata de nada de eso. Para empezar “Súper 8” es una película que se podría haber hecho perfectamente incluso si no hubieran existido “E.T.” o “Encuentros en la tercera fase”, y tampoco es una vuelta al cine de los ochenta, primero porque tal cosa no es posible, no se puede filmar una película de 2011 como si estuviera hecha en 1982, sólo se puede intentar hacer una recreación y ni siquiera se puede decir que tal cosa se haya logrado puesto que no hay nada que nos indique tal cosa, demonios técnicamente NI SIQUIERA la acción de la película se desarrolla en la década pegajosa, ya que tiene lugar en el verano del 80 (algo que sólo averiguamos cuando nos fijamos en la lápida de la tumba materna).

Así pues si lo que se pretendía era algo de eso (lo que ya es mucho suponer) el resultado es desde luego un fracaso. De hecho incluso el propio título de la película es engañoso puesto que la importancia que en la acción tiene lugar la película filmada en 8 milímetros que los niños están rodando es nimia y lo que en teoría tendría que ser el punto culminante del argumento (esto es la visión de lo que ha rodado la cámara durante el accidente ferroviario) resulta sorprendentemente anticlimático.

¿Qué es entonces Súper 8? Pues desde luego nada de lo que muchos esperaban que fuera, es simplemente un filme de aventuras con niños, ambientado en uno de esos pequeños pueblos norteamericanos que tan familiares se han hecho a los espectadores del resto del mundo, con una trama de suspense (que, como suele ser habitual, funciona mejor cuanto menos se sabe y decae en cuanto el argumento pone las cartas sobre la mesa), con una estructura de guión en la que es mejor no pararse a pensar demasiado, con multitud de referencias (además de las ya señaladas habría que añadir otras como “La cosa” o “Cloverfield” en lo referido al aspecto de la progresiva revelación de la naturaleza del monstruo por más que esta última pueda ser tomada como anti-referencia para mostrar de qué modo se puede reescribir un argumento clásico bajo una óptica novedosa), con un mensaje indescifrable (que sólo se revela en parte al final y que de todos modos resulta demasiado endeble para ser tenido en cuenta) y que sólo funciona en tanto en cuanto se abandonen las expectativas previas y se entra en alguna clase de empatía con los jóvenes protagonistas de la historia (algo a lo que no ayuda precisamente el lamentable doblaje del que suelen ser objeto los niños actores en nuestro país). Quizás por ello son todas las escenas que tienen que ver con la pandilla las que despiertan alguna clase de reacción entre la audiencia y es ese corto que funciona como epílogo de la sesión el único momento que se puede calificar como memorable de esta película.

Y eso es todo lo que tengo que decir del gran estreno del verano de 2011.

Elegancias

2011-08-17T12:54:00.001-07:00

Pleno verano. No parece el momento más propicio para hablar de temas elevados (suponiendo que tal momento exista) así que nos limitaremos a comentar alguna tontería como la de este blog en el que se exponen algunos de los supuestos insultos que las estrellas del rock se han dedicado a lo largo de la historia, un tema con el que uno siempre se puede reír un rato.

Hemos comentado en algunas ocasiones las diferencias entre la sociedad española y la sociedad británica (y por extensión la norteamericana), y, por más que la nuestra sale ganando en algunas ocasiones, hay que decir que en el tema que hoy nos ocupa no tenemos nada que hacer. Las opiniones que los músicos nacionales tienen de los miembros de su propia profesión oscilan entre el halago insincero y nauseabundo y el insulto cainita y casposo. Hay excepciones claro, quizás la más notoria sea la de Alaska y toda su pandilla siempre caracterizada por su increíblemente enorme hocico a la hora de expresar opiniones no pedidas (y a menudo ingeniosamente despectivas) sobre sus colegas de profesión.

Pero volviendo al mundo anglosajón me gustaría destacar las siguientes perlas recolectadas en el susodicho blog.

David Lee Roth sobre Elvis Costello: A los periodistas musicales les gusta Elvis Costello porque los periodistas musicales se parecen a Elvis Costello.

Magnifico ejemplo de lengua viperina ejerciendo el arte del sarcasmo fino, algo sorprendente teniendo en cuenta que viene de alguien al que muchos consideran un cabrón imbecil.

Algunas otras invectivas en cambio, viniendo de gente aparentemente más intelectual que DLR, tienen un tono algo más barriobajero sin que deje de resultar gracioso como vemos en el caso siguiente.

Nick Cave sobre Red Hot Chili Peppers: Siempre que estoy cerca de un altavoz diciendo “¿Qué coño es esta mierda?”, la respuesta es siempre “Red Hot Chili Peppers”.

Otras en cambio son directamente vulgares sin más excusas, por más que sigo envidiando una sociedad donde un famoso puede decir estas cosas de otro sin que tampoco se levante demasiada polvareda.

Dave Grohl sobre Courtney Love: Ella es una puta fea de mierda.

Algunos de estos comentarios son indescifrables, al menos para alguien que, como yo, no está excesivamente familiarizado con el mundo musical ni con los juegos de palabras de la lengua inglesa. He aquí una muestra.

Richey Edwards (guitarrista de Maniac Street Preachers) sobre The Levellers: Podrías ir a cualquier concierto de Levellers, ponerte en el medio y decir “¡Jeremy!” y el 75% del público se giraría.

Ni idea de a qué se refiere ¿verdad? Y ni siquiera una foto de los tales Levellers contribuye a aclarar el misterio

Pero ¿a qué da la sensación de que lo que ha dicho este individuo debe ser la monda? Sobre todo viniendo del componente de un grupo célebre por meter la pata sin cesar con sus escandalosas declaraciones, como cuando uno de ellos dijo literalmente “Lo único que me gusta de Estados Unidos es que mataron a John Lennon”. En el blog hay otra observación de uno de los miembros de los MSP que se complace igualmente en el exceso.

Richey Edwards (guitarrista de Maniac Street Preachers) sobre Slowdice: Odiamos Slowdice más de lo que odiamos a Hitler.

De la larga lista de citas venenosas destaca el elevado número de ellas que han salido de la calenturienta mente de Noel Gallagher, un bocazas inveterado al que no parece que la edad le haya hecho disminuir facultades (al menos en lo que a este aspecto de su vida se refiere, porque si hablamos de música lleva aproximadamente quince años haciendo mierda). De todos modos y a pesar de la abundancia no he detectado ningún comentario excesivamente ingenioso si exceptuamos uno que se hace a propósito de Jack White y que por más que no deje de ser una tontería no deja de tener salero.

Noel Gallagher sobre Jack White (líder de The White Stripes): Es como el Zorro viciado a los donuts.

Aunque la verdad es que cuando habla de su cejudo hermano el cerebro de Oasis suele estar algo más sembrado.

Noel Gallagher sobre su hermano Liam: Es un grosero, prepotente, intimidatorio y un perezoso. Es el hombre más enfadado que jamás hayáis visto. Es como un hombre con un tenedor en un mundo de sopa.

Una de las “víctimas” predilectas de todas estas declaraciones suele ser Morrisey, y dado el difícil carácter del que siempre ha hecho gala el de Manchester es lógico que así sea. Sin embargo todas las puyas lanzadas contra él palidecen ante los demoledores recursos de Mozza para apalear a sus adversarios.

Morrissey sobre Brett Anderson (cantante de Suede): él nunca perdonará a Dios por no hacer que fuese Angie Bowie (mujer de David Bowie).

Un caso simpático es el de Elton John, un hombre muy conocido por su mala leche de la que volvió a hacer exhibición en este comentario que no por hiperbólico deja de tener su lado razonable.

Elton John sobre Madonna: Cualquier persona que hace playback en el escenario cuando pagas 75 libras para verla, debería ser fusilada

Pero claro cuando alguna otra locaza saca sus armas la pólvora del hombre cohete se vuelve filfa.

Boy George sobre Elton John: Con todo ese dinero, y todavía tiene el pelo como una puta cocinera.

Los Beatles tienen su hueco en la lista y no solamente en boca del a menudo desagradable John Lennon.

Paul McCartney sobre Ringo Starr, tras la pregunta “¿Es Ringo Starr el mejor batería del mundo?”: Ni siquiera es el mejor batería entre los Beatles.

Por último una despedida revelando el que sin duda es el mensaje más salvaje en un mundo pletórico de salvajismo verbal. Vean si no.

Anton Newcombe (The Brian Jonestown Massacre) sobre Eric Clapton: La gente habla sobre Eric Clapton. ¿Qué ha hecho en su vida aparte de tirar a su hijo sobre un puto acantilado y escribir una canción sobre ello?

Si sirve de excusa estamos hablando de un músico (el tal Anton) que posiblemente sea también un perturbado mental.

Y con esta última burrada damos por concluida esta bagatela de verano.

Don´t mug yourself

2011-08-11T13:31:00.001-07:00

Unas breves palabras acerca de los incidentes que han tenido lugar en Londres y en otras ciudades británicas.

Naturalmente dichas palabras no supondran ninguna clase de análisis político o sociológico, algo que no me corresponde hacer pues no tengo conocimientos teóricos ni prácticos para ello. Sólo señalar que estos estallidos de rabia suelen desarrollarse más o menos del mismo modo que se desarrollaron los disturbios del barrio angelino de Watts en 1965 (que podríamos calificar de primigenios), esto es, un marco espacial formado por un distrito urbano habitado por una mayoría de individuos jóvenes con escasa formación y elevada tasa de desempleo y que por añadidura suelen pertenecer a alguna clase de minoría racial. Dado que muchas ciudades del primer mundo tienen una estructura urbana similar es lógico que cuando suceden cosas como esta sucedan de semejante manera: un incidente, por lo general relacionado con alguna actuación de Policía que ni siquiera tiene que ser especialmente grave, sirve como desencadenante de un estallido de violencia caótico que no persigue otro fin que el del saqueo y el incendio. Dicho estallido suele durar el tiempo que las autoridades tardan en salir de su estupor y reaccionar de forma masiva, este tiempo oscila entre unos pocos días y una semana. Después de eso se recoge la basura, se manda a algún desgraciado a la cárcel y durante algún tiempo todo el mundo se hará las mismas preguntas que se hacen siempre y que siempre se harán (otros en cambio, incluido algún Primer Ministro, optará por la muy respetable postura de sacar a pasar la testosterona). En resumen estos incidentes son cómo los terremotos: se sabe más o menos cómo y por qué se producen pero nadie es capaz de adivinar dónde y cuando tendrán lugar.

De todos modos repito que estos disturbios en particular tienen algunas características que me parece interesante comentar:

1. A pesar de algunos detalles desagradables (como las judías para desayunar, las matanzas coloniales y el grupo Bucks Fizz) soy un gran admirador del carácter inglés, y me ha resultado especialmente encantador el detalle de que la Policía haya tenido que pedir permiso para usar balas de goma y se haya planteado como un recurso extremo el empleo de gases lacrimógenos o cañones de agua. Alguien podría interpretar dichos detalles como un signo de debilidad (¿alguien se imagina a la Policia española pidiendo permiso para pegar pelotazos?), pero a mí más bien me resultan reveladores de una filosofía que establece un cuidadoso protocolo ético a la hora de emplear la violencia, al menos contra sus propios ciudadanos, ya demostraron en el pasado no tener tantos escrúpulos con los de otras naciones.

2. Es inevitable hacer alguna clase de comparación entre los indignados patrios y los cabreados británicos. Viendo lo que ha ocurrido en Londres (y también hace poco en Grecia) resulta difícil no congratularse de que el mayor problema que han causado los protestantes españoles haya sido el que cuatro mercachifles del centro de Madrid hayan tenido que estar un par de días sin poder estafar turistas. Digamos que estamos en un estimable termino medio entre la situación ideal como la que ha tenido lugar en Israel (donde una protesta masiva y pacífica ha obligado al Gobierno a plantear cambios en su política económica) y lo que ha sucedido en el Reino Unido.

3. Por último me gustaría que vieran este vídeo que sin duda muchos de ustedes conocen.

Me parece una perfecta ilustración del carácter contradictorio del hombre en general y de los maleantes en particular. Las posturas extremadamente liberales (que están siendo preocupantemente escasas en estos días) tienden a considerar a los alborotadores víctimas de la sociedad así como individuos más susceptibles de reinserción que de castigo. Por otro lado los sectores más conservadores hablan de estos individuos como si se tratara de orcos sin alma a los que hay que apalear y encarcelar de por vida. Creo que la escena que muestra el video pone un punto medio entre estas dos posturas, quiero decir que yo personalmente opino que no hay conflicto entre la primera actitud del hombre negro con el chico caído y lo que ocurre posteriormente, señal de que se puede ser un buen tipo y un hijoputa en el lapso de 30 segundos.

You finally made a monkey out of me

2011-08-08T12:50:00.000-07:00

El estreno en el año 1968 de “El planeta de los simios” supuso uno de los hitos del cine fantástico de la segunda mita del siglo XX, por más que buena parte de esa fama se deba al que es sin duda uno de los finales más impactantes de la historia del séptimo arte.

Tras la original vinieron cuatro secuelas (excelentes las tercera y la cuarta y bastante flojas la segunda y la quinta), una serie de televisión (que como bien dijo el crítico Javier Ocaña nos alegró la infancia pero no resistiría una visión madura) y un remake lamentable perpetrado por Tim Burton del que sólo se comentó en su día su enredoso epílogo. Ahora llega esta precu-secuela -dirigida por un desconocido- que podríamos definir como un intento de hacer un remake de la cuarta película de la vieja saga saltándose antes la segunda y la tercera. Intentemos explicarnos.

En la primera secuela, “Regreso al plantea de los simios”, rodada allá por 1970 (y repito que no demasiado estimable por más que contenga la escena más terrorífica de toda la colección), otro astronauta llegaba al mundo futuro en busca de Taylor (Charlton Heston) y tras múltiples peripecias este último terminaba por provocar una hecatombe nuclear. En la siguiente película (“Huída del planeta de los simios”) se invertía el viaje en el tiempo y eran los simios Cornelius, Zira y Milo los que viajaban al pasado (cuando la Tierra estaba aún dominada por los hombres) huyendo del cataclismo. Cuando los recién llegados revelaban cuál era el futuro de la humanidad eran perseguidos y exterminados con la única excepción del hijo recién nacido de Zira y Cornelius: el pequeño Cesar.

En la cuarta película, “La rebelión de los simios”, vemos cómo Cesar es criado en un circo donde se mantiene en secreto su condición de mono pensante y hablante. Mientras tanto la humanidad ha perdido a todos sus animales domésticos a causa de un virus, para reemplazarlos ha decidido acudir a los simios a los que se educa en las tareas más diversas. Cesar decide cambiar las cosas y encabeza una rebelión que termine con los primates dominando el mundo.

Con esta continuidad la saga de los simios lograba una estructura circular donde quedaba suficientemente explicado el origen y las consecuencias de toda la acción. Pero en esta nueva producción estrenada el pasado viernes se opta por un camino más corto y abrupto (por más que la película siga más o menso las pautas de “La rebelión de los simios”) y se decide acudir a la siempre disponible excusa argumental de la manipulación genética. En esta ocasión Cesar es el hijo de una hembra a la que se le ha inoculado una droga experimental con la que se pretende curar el Alzheimer, cuando el experimento fracasa la dirección del laboratorio ordena exterminar a todos los simios salvándose únicamente el recién nacido en el que la droga ejerce unos efectos sorprendentes.

La cinta entra al trapo sin demasiados rodeos, con una capacidad de síntesis digna de un telefilme de 50 minutos y prescindiendo de las tortuosas implicaciones filosóficas y políticas de las películas de los años sesenta y setenta, aquí despachan todos esos asuntos con algunas tibias referencias a la ya reseñada manipulación genética y a la avaricia de las grandes corporaciones. “El origen del planeta de los simios” es básicamente un filme de acción con un único protagonista reseñable (Cesar naturalmente), el resto de personajes son un conjunto de arquetipos que están al servicio del carácter creado al alimón por las nuevas tecnologías de animación y el trabajo de Andy Serkis, un hombre que ha logrado el sueño de todo actor: trabajar en grandes películas cobrando una pasta sin que nadie tenga ni puta idea de quién eres cuando te estas tomando un batido en el drugstore de la esquina.

Son las bondades de este personaje y su interprete (sin dejar de señalar que tenía muchísimo más mérito el trabajo de los actores que, en las viejas películas de la serie, tenían que actuar bajo una hierática máscara sin todos los juguetitos de los que el cine dispone ahora) lo mejor de la primera parte de la película, todo lo demás son situaciones tópicas, personajes acartonados y sonrojantes chapuzas argumentales que tratan de tapar los muchos agujeros el guión.

En la última parte de su metraje (cuyo comienzo podríamos señalar en el único momento que se puede calificar de brillante por más que también sea en parte heredero de la película original) el filme se convierte ya plenamente en una película de acción filmada de un modo eficaz y cuya visión resulta notablemente entretenida, algo que podríamos extender al resto de esta producción si uno abandona definitivamente cualquier expectativa que pudiera tener al entrar en la sala, algo que le resultará mucho más fácil al espectador que empezó a oír hablar de “El planeta de los simios” en un capítulo de “Los Simpson”.

Summer of David (y 2)

2011-08-05T10:17:00.000-07:00

Mi gozo en un pozo. Lo que esperaba que fuera un largo y placentero verano de lecturas “fantásticas” ha terminado cuando apenas empieza el mes de Agosto. Como se decía en la primera entrada de esta miniserie, si eliminamos de la lista de Pringle las novelas de espada y brujería y aquellas que no figuran en los fondos de la Biblioteca del pueblo, al final me he quedado con siete títulos de los cuales tres ya fueron comentados en dicha entrada. Vamos con ellos

“La desagradable profesión de Jonathan Hoag” de Robert A. Heinlen.

Sin duda uno de los descubrimientos de esta antología. Es la historia de un individuo atildado (el tal Jonathan Hoag) y un tanto misántropo que a pesar de todo lleva una vida que considera satisfactoria, con una inquietante excepción: el hombre no tiene ni idea de a qué dedica las mañanas y por lo tanto tampoco sabe cómo se gana la vida, sus recuerdos comienzan justo al terminar la jornada laboral y la única pista de la que dispone es una misteriosa sustancia que queda adherida a sus uñas al final de cada día. Dispuesto a desvelar el misterio Hoag decide contratar a una pareja de detectives, el matrimonio formado por Teddy y Cynthia Randall. Los enamoradísimos y audaces investigadores (su descripción me recordó a la también pareja de detectives Nick y Nora Charles de la serie de películas de “The thin man”) toman a su nuevo cliente por un bromista o un maníaco pero deciden aceptar el caso.

Partiendo de una trama bastante clásica en la literatura negra, la narración se transforma progresivamente (a medida que el matrimonio entra en contacto con misterios inexplicables) en un cuento de terror de dimensiones cósmicas y en una metáfora sobre las eternas cuestiones filosóficas que atormentan al hombre, pero sobre todo es también un relato sobre la pérdida de la inocencia y de cómo el pequeño oasis de felicidad construido por Teddy y Cynthia apenas podrá resistir la confrontación de la pareja con una revelación aterradora sobre la condición humana.

Por último contar como anécdota que, en su comentario sobre la pequeña novela, Pringle afirma su sospecha de que Heinlein escribió este relato pensando en el cine si no fuese por el final probablemente imposible de filmar. Pues hete aquí que existe un proyecto para llevar esta historia a la gran pantalla, el responsable sería Alex Proyas conocido sobre todo por ser el director de Dark City, espero que si tal hecho finalmente se lleva a cabo pueda servir para que esta extraordinaria narración tenga el reconocimiento que merece.

“La subasta del lote 49” de Thomas Pynchon.

Bueno, no todo iban a ser flores. Entre tanto título brillante tenía que colarse alguna castaña y aquí tenemos la primera. El principal problema de este relato es que resulta muy difícil adivinar sobre qué trata, esto podría no ser una gran objeción (la finalidad de muchas de las narraciones de tono fantástico resultan a menudo difíciles de determinar y otras simplemente carecen de finalidad) si al menos la historia estuviera contada con talento, o al menos con algo de encanto, pero no hay tal. Para colmo la novela fue escrita en el año 1966 y, por más que se retrate esa convulsa época de forma paródica, no puede evitar impregnarse de un tono que se ha quedado más anticuado que una de esas películas de cine barrio con jóvenes ye-yes.

De todos modos para los que quieran tener algún avance del argumento les diré que trata sobre una joven ama de casa norteamericana (que por añadidura y durante buena parte del libro se me reveló como uno de los personajes más odiosos con los que me he encontrado nunca) que, de la noche a la mañana, se convierte en la albacea del testamento de un excéntrico millonario que había sido su amante en el pasado.

En medio de, como se ha dicho, una especie de retrato histórico sobre la locura de los sesenta en la cosa oeste, la trama se torna de un modo que no soy capaz de explicar en la descripción de un oscuro sistema postal alternativo de ochocientos años de antigüedad cuyas huellas se encuentran de un modo críptico en los lugares más insospechados (incluidos los servicios de un bar de hippies colgados). En fin, una trama inexplicable sin principio, continuidad ni fin y, lo que es peor y a pesar de sus aparentes intenciones, sin la más puñetera gracia. Me ha costado horrores terminar este relato, algo que prometí que nunca volvería a hacer (me refiero a empeñarme en terminar un libro cuya lectura me causa un profundo desagrado). En su comentario David Pringle nos cuenta que de las novelas de Pynchon esta es “la más asequible”. Estremece pensar como serán las menos asequibles, no creo que me ponga a averiguarlo

“El tercer policía” de Flann O´brien.

Después de la experiencia anterior quizás no estaba en el mejor de los ánimos para afrontar esta complicada obra literaria que, a pesar de que su lectura me resultó igualmente trabajosa, al final terminé por apreciar mucho más de lo que lo hice con la de Thomas Pynchon.

“El tercer policía” podría ser considerada una ficción en la más pura tradición del “nonsense” británico (aunque la acción se desarrolle en la irlanda de los años treinta), de hecho podría ser vista como una nueva versión de “Alicia en el país de las maravillas”, solo que en esta caso el protagonista no es una inocente niña de diez años que persigue a un conejo blanco, sino un perturbado en los linderos de la oligofrenia que pasa al otro lado del espejo cuando se dispone a recoger el botín producto de un violento robo con homicidio.

El mundo en el que despierta bruscamente el bandido parece ser el mismo verde y húmedo paisaje irlandés pero con notables diferencias, la primera de ellas es que el asesino se encuentra en presencia de su víctima vivita y coleando y transformada en un filosofo que ha encontrado la sabiduría en responder “no” a cualquier cosa que se le pregunte.

A partir de ahí nuestro antihéroe iniciará un desasosegante recorrido por un mundo de edificios bidimensionales y catacumbas fantásticas en las que todos los deseos se convierten en realidad donde terminará, siempre sin dejar de buscar la caja negra donde se esconde el dinero del robo, cayendo en manos de dos extraños policías con una obsesión monomaníaca (que incluso abarca lo sexual) por las bicicletas. El narrador y protagonista de la historia se verá atrapado en este mundo absurdo sin más consuelo ni compañía que una voz interior que dice ser su propia alma. Aunque en teoría se trata de un relato satírico-humorístico, lo cierto es que “El tercer policía” no deja de ser un cuento de horror como también lo es en el fondo “Alicia en el país de las maravillas” y como lo es cualquier otra narración en la que la trama se desarrolla fuera de los límites de la lógica y la geometría euclidiana.

No es una obra redonda, como he dicho en ocasiones resulta bastante complicada de leer, y la historia se ve de continuo entorpecida por las continuas referencias a un sabio ficticio, por el que el viajero siente veneración, llamado De Selby y sus absurdas teorías explicadas en continuas notas al pie (que en ocasiones ocupan varias páginas) y que personalmente me resultaron monótonas y aburridas. Pero lo cierto es que el desenlace del argumento (y la explicación de todo lo que hemos presenciado hasta ese momento) y la conclusión final consiguen causar una profunda impresión en el lector y consigue que la narración adopte el tono de las grandes obras literarias, o al menos de una que merece más reconocimiento del que ha disfrutado hasta ahora.

“Instrucciones para un descenso al infierno” de Doris Lessing.

A pesar de su prometedor título y de ser una obra firmada por una premio Nobel, “Instrucciones para un descenso al infierno” ha sido mi única fracaso en este pequeña autoselección de relatos. Después de la fatigosa experiencia de leer las dos novelas anteriores, ha sido demasiado trabajo enfrentarse a este complejo relato escrito en prosa poética (que por añadidura supongo que perderá bastante de su supuesto poder original con la traducción) y con un relato que gira en torno a un naufrago que se hace amigo de dos marsopas que hablan…

Lo siento Doris, será en otra ocasión.

“Volver a empezar” (Replay) de Ken Grinwood

Pringle habla en términos elogiosos de esta novela pero critica un poco su estilo “best seller”. Tengo que decir que después de tanta escritura farragosa yo particularmente me alegré mucho de encontrar un relato con principio, nudo y desenlace y escrito en un tono razonablemente ortodoxo, vamos que fue un placer leerlo (lo que debería ser siempre digo yo).

Además, como creo que me he hartado de repetir todos estos años, un relato que gire en torno a cualquier clase de viaje en el tiempo cuenta a priori con mis simpatías. Por añadidura la novela de Grinwood materializa una fantasía recurrente que creo que todo el mundo ha tenido alguna vez y que ha sido muy representada en ficciones de diverso carácter.

Jeff Winston, un frustrado ejecutivo de 42 años, muere repentinamente de un ataque al corazón. Pero tras su muerte no se encuentra con el cielo ni el infierno, ni siquiera con la nada, se encuentra a sí mismo en el año 1963. Ha regresado a sus 18 años pero recordando todo lo que ha vivido (tanto en el aspecto personal como en el histórico) en los 24 años que seguirán, como digo, un anhelo que todo el mundo ha experimentado alguna vez. La vida aparece ahora llena de posibilidades para Jeff, puede hacerse millonario apostando en partidos y carreras cuyo resultado sabe de antemano e invirtiendo el dinero en empresas cuyo desarrollo posterior es desconocido para el resto de la humanidad, puede enmendar los errores que le han llevado a ser un fracasado en su vida profesional y matrimonial, e incluso puede tratar de ejercer ese irresistible tentación de todo viajero en el tiempo como es la de de influir en el devenir histórico del mundo. Pero como ya saben de sobra los aficionados a este subgénero fantástico todos estos buenos deseos no suelen acabar muy bien.

Partiendo de esta premisa argumental, la historia adopta una estructura circular que no cae nunca en la monotonía porque Grinwood tiene la habilidad de evitarlo introduciendo variaciones en cada bucle, sobre todo una que predice con claridad el desenlace de la aventura espacio-temporal. El relato se desarrolla además en un entorno que trata de ser también un descripción de la turbulenta historia norteamericana de los años sesenta, setenta y ochenta, pero en un tono mucho más didáctico (y menos lisérgico) que en la anteriormente comentada obra de Thomas Pynchon. Es “Replay” también un cuento moral narrado en un cierto tono “new age” bienintencionado y un tanto folletinesco, un hecho que supongo sería el centro de la única critica que Pringle hace de la novela, pero que a mí personalmente no me molestó demasiado, repito que en cambio me pareció un libro cuya lectura me resultó muy agradable y que también parece pensado (como todo buen best seller) para ser llevado alguna vez al cine, algo que me sorprende que no haya sucedido aun pese a que han habido varios intentos, de hecho incluso se habló de una adaptación protagonizada por Brad Pitt y Julia Roberts. A ver si tal cosa ocurre (aunque yo la verdad preferiría otros protagonistas).

La acción del libro comienzo en 1988, año de su publicación y cuando Grinwood tenía exactamente la misma edad que el protagonista de su historia, de hecho las similitudes entre personaje y escritor parecen bastante evidentes. Grinwood falleció a la edad de 59 años de un ataque al corazón precisamente cuando preparaba la secuela de su exitosa obra. A los fans de la novela les gusta decir que quizás Ken está viviendo su propio “replay” en estos momentos

En fin, aquí termina este breve reseña de algunos libros que me eran completamente desconocidos, espero que alguno de ellos haya llamado su atención, si así fuera espero también que me lo hagan saber y así veremos si este tierno verano de bibliotecas públicas con aire acondicionado le ha servido a alguien aparte de a mí mismo.

Dating

2011-08-01T10:23:00.000-07:00

Les presumo enterados de la convocatoria adelantada de Elecciones Generales para el domingo 20 de Noviembre del año en curso. No vamos a hablar de la enésima vez que Zapatero se ha contradicho, no dudo de que su intención sincera fuera la de agotar la legislatura pero está claro que desde que se anunció su decisión de no presentarse a las Elecciones no es que fuera un pato cojo, (figura con la que se identifica al Presidente de los E.E.U.U. en su segundo y último mandato) sino que era directamente un pato tetrapléjico.

Posiblemente el empeño de la oposición y sus afines mediáticos (en la misma actitud histérica que les ha mantenido alejados del poder durante los últimos ocho años) tiene poco que ver con esta decisión, me figuro que ha tenido más peso la presión de su propio partido y sobre todo los quebraderos de cabeza que el actual gobierno padecería para lograr sacar adelante los presupuestos del ejercicio 2012, un patata caliente que tendrá que afrontar la próxima administración.

Pero tampoco quería detenerme en esto. A mí lo que me interesaba comentar es el hecho del día y el mes elegidos para la celebración de los comicios. Sí, el 20 de Noviembre nada menos, una fecha que sólo algún incauto habrá tenido que mirar en la Wikipedia para enterarse del aniversario que representa.

Estoy convencido de que Zapatero podría explicar tal elección en base a sólidos argumentos de calendario político, y ni siquiera creo que dicha elección tenga la más mínima influencia para un electorado incapaz de retrotaer su memoria colectiva a lo que tal fecha significa. Yo prefiero pensar que en ese Consejo de Ministros donde se tomó la decisión a todos les hizo mucha gracia la coincidencia e hicieron lo imposible para que tal coincidencia se produjera. Esto es una broma, o al menos el postrero corte de mangas que el odiado Presidente les ofrece a todos los que le han hecho la vida imposible (a veces con razón y a veces sin ella) durante sus dos mandatos. Al menos así me gusta imaginarlo.

Army of me

2011-07-25T10:49:00.000-07:00

¿Recuerda la película “Demolition man”? fue estrenada en 1993 y, aparte de ser un notable ejemplo del buen cine de acción de la época, tenía una trama bastante curiosa. Si lo recuerdan la acción giraba en torno a un criminal que despertaba en un bucólico mundo del futuro en el que la sociedad no sólo no practica la violencia sino que no puede concebir su existencia. En un entorno como este (el que además, y según sus propias palabras, “la policía se ha vuelto gilipollas”) el asesino parece haber encontrado el paraíso.

Cuando se revelaron las circunstancias del asesinato del Primer Ministro Olof Palme en 1986 el mundo entero quedó asombrado (incluyendo la ensangrentada España de entonces). El político sueco había sido tiroteado cuando salía del cine en compañía de su mujer sin más escolta que sus propias sombra, algo impensable en prácticamente el resto de sociedades del mundo….con una o dos excepciones.

Noruega era evidentemente una de ellas, y no parece que el haber visto pelar las barbas de su vecino (y en ocasiones históricas también enemigo) le haya afectado mucho pues de otro modo no se entiende la facilidad con la que alguien puede colarse con un camión lleno de explosivos en el centro político de la capital del país y hacerlo volar por los aires, como tampoco se entiende (aunque en un grado menor) cómo se puede celebrar un evento como el de la isla de Utoya (convertida ya para siempre en un punto de referencia en la geografía del horror, me pregunto qué harán con ella las autoridades) sin que al parecer hubiera un mínimo de seguridad. Como decíamos antes, un paraíso de los chicos malos.

Otro aspecto destacable de lo sucedido el pasado viernes tiene que ver con la confusión que tiene lugar en los momentos posteriores a este tipo de atentados, es una confusión lógica y por lo visto inevitable: cuando oía el metrónomo, el perro de Pavlov se ponía a salivar, cuando estalla una bomba todo el mundo piensa en el terrorismo islámico. Y esto suele ocurrir casi siempre, excepto en España durante los atentados del 11-M en los que todo el mundo, yo incluido pensó en E.T.A. (aunque yo y el resto de personas no perteneciente a la extrema derecha sólo pensó eso durante como mucho el primer día).

De hecho lo sucedido en Oslo tiene grandes semejanzas con otro espectacular atentado que tuvo lugar hace quince años, la bomba de Oklahoma, un suceso que, tal y como ha ocurrido ahora, fue achacado al terrorismo yihadista hasta que poco tiempo después se desveló que el autentico culpable fue un fanático que actuó por su cuenta.

Y esto nos conduce a otro asunto de extremo interés en este caso. Efectivamente, en cuando se difundió el apincelado aspecto del presunto responsable de las masacres en Oslo quedó bastante claro que era el individuo con menos pinta de terrorista islámico que se pueda imaginar. Pronto se supo que en realidad se trataba de un noruego de pura raza que se autocalificaba como cristiano y anti musulmán (pese a lo cual es dudoso que nadie se refiera a él en el futuro como “terrorista cristiano” y eso estará muy bien porque es un término tan erróneo como el otro). Pero quizás lo que más perturbador resulta es la certeza de que Anders Behring Breivik, al igual que en su día Timothy McVeigh, actuó prácticamente en solitario.

El hecho de que tras un acto de terrorismo como este se encuentre alguna gran organización terrorista a la que acusar, perseguir y desarticular parece resultar una suerte de alivio a la tragedia, ya que supone igualmente alguna clase de restitución del ideal de justicia del que la sociedad se ve incapaz de prescindir. Algunas de esas sociedades van incluso más allá en su deseo de globalizar la respuesta al terror y no se sienten satisfechas hasta que un ejercito ha sido derrotado, un país invadido y un pendón ha sido plantado en las filas enemigas.

Pero el que un solo hombre haya conseguido organizar una masacre de estas proporciones resulta una amenaza mucho más letal por ser casi imposible de controlar. Es esta una figura que en realidad ha existido siempre pero que ahora se conoce como el “terrorista solitario”, un sociópata que efectivamente actúa por sí mismo porque le resulta imposible adaptarse a ninguna organización por marginal o bizarra que sea, un individuo que no busca adscribirse a una confesión en particular sino que construye su propia confesión en base a un batiburrillo de ideologías extremistas y paranoias personales. El daño que puede causar cada uno de estos ejércitos de un solo hombre es proporcional al grado de fertilizante químico con el que puedan hacerse.

En el caso de Breivik además se produce un hecho aun más particular, no contento con la voladura del centro político de su ciudad el asesino se trasladó hasta un lugar en el que pudo llevar a cabo una matanza mucho menos impersonal que la que produce un coche bomba. El hecho de elegir para su venganza particular a un grupo social tan alejado de lo que en teoría debería ser el objetivo de un fanático anti islamista ofrece un cuadro aun más sórdido de la personalidad del criminal y le retrata aun más como un verdadero psicópata y quién sabe si como un pederasta. Lo cierto es que al margen de esto lo sucedido no formara parte de la crónica de sucesos sino de la crónica política. Y Breivik pasará a la historia por ser posiblemente el hombre que haya batido una marca personal en cuanto al asesinato en masa se refiere por más que disparar contra civiles desarmados (adolescentes y noruegos por añadidura) durante una hora y media larga en el interior de un islote un poco más grande que un campo de fútbol no necesita de habilidades especiales para el crimen.

En fin el resultado de todo esto es que ha caído uno de los pocos mitos que quedaban en lo que a paraísos terrenales se refiere. Noruega, ese país pequeño, prospero y socialdemócrata, siempre a la cabeza de todos los ratios de bienestar, sanidad, paridad sexual y días de permiso por maternidad. Una sociedad que incluso (tal y como se señalaba en un reciente artículo en El País) había logrado sobrevivir al hallazgo de grandes yacimientos de petróleo, una circunstancia que ha hundido a otras naciones en la corrupción. Un país además epítome de la seguridad en el que prácticamente no había sucedido nada hasta hoy (si exceptuamos las chifladuras del Inner Circle hace algunos años). Sí, es cierto que una muchedumbre de novelistas pelmazos de la tendencia denominada “novela negra nórdica” había tratado de convencernos de lo contrario pero sinceramente nunca terminábamos de creérnoslo. Ahora todo se ha ido al garete, podemos tachar a Noruega de la lista de espejos deformantes en el que mirarnos aquí en el sur de Europa. A ellos los días extraños también les han alcanzado.

Summer of David

2011-07-21T11:00:00.001-07:00

Es verano la programación de los cines es escasa y, o bien se trata de películas que no me interesan, o de otras que prefiero no ver dobladas. De hecho el único estreno que espero con expectación es el de “Súper 8” que no tendrá lugar hasta bien entrado el mes de Agosto.

La vida política en cambio se revela en este mes de Julio sorprendentemente activa pero ¿de verdad tenemos que hablar del vestuario de Camps? Y en cuanto a los deportes…ya hablaremos próximamente en la página de fútbol del rumbo que está tomando este verano del eterno retorno.

Así pues no hay mucho de qué hablar y por consiguiente el blog está también bajo mínimos, de manera que no hay más remedio que buscare algo con lo que alimentar a esta bestia que consume tantas horas de mi tiempo desde hace ya más de cinco años.

Yo por mi parte estoy pasando muchas de mis horas libres del verano vagabundeando por la Biblioteca local (y sí, soy consciente de lo patética que resulta esta actividad) y entre otros títulos que no creo que sean de su interés y otros ya de sobra conocidos, encontré una pequeña antología denominada “Literatura fantástica: las cien mejores novelas” escrita por un tal David Pringle y que por lo visto se trata de una extensión del “éxito” que tuvo otra antología de estructura similar llamada “Ciencia ficción: las cien mejores novelas”. De hecho en el mismo prólogo de su obra Pringle establece, o trata de establecer, cuales son las diferencias entre lo que se conoce como ciencia ficción y la literatura fantástica (o “modern fantasy” como reza en el título original). Tengo que decir que después de leer dicho prólogo no me queda clara tal diferencia aunque la verdad no es un asunto que me preocupe demasiado. A mí lo que verdaderamente me interesa es que siempre que uno se mete en este tipo de misceláneas se tropieza con descubrimientos apasionantes, aunque la sensación es más bien agridulce puesto que me ha sucedido igual que con otros textos del mismo estilo como “El horror en la literatura” de H.P. Lovecraft o “La Danza Macabra” de Stephen King: uno tiene la sensación de que jamás podrá ponerle las manos encima a muchos de los títulos que se glosan.

Pero bueno, pasando directamente al tema de este post, a lo largo del verano (y salvo que surja algún tema de actualidad que merezca nuestra atención) mataré el tiempo recomendándoles algunos de los relatos reseñados que sí he podido encontrar en el mismo sitio en el que me tropecé con la lista de Pringle. Tengo que añadir antes de empezar que he pasado de largo deliberadamente sobre títulos que desgranan las aventuras de señores de anillos, “titus groanes”, hechiceras, magos, reinos elficos y demás temática tradicional de la literatura de “espada y brujería”, género soportable en cine y televisión pero que trasladado a los libros me producen un tedio de muerte.

Siguiendo la lista elaborada por el editor, el primer título que me llamó la atención fue “El cuerno de caza” (The sound of his Horn), escrito por Sarban, seudónimo del escritor John William Wall, nombre que supongo les será tan desconocido como a mí (y es que al fin y al cabo de eso se trata). “El cuerno de caza” es un relato publicado en 1952 con un comienzo no por clásico menos prometedor: frente al calor de la chimenea de una hacienda en plena campiña inglesa, un aristócrata veterano de la Segunda Guerra Mundial (al que podemos imaginar en chaqueta de tweed haciendo una pausa de vez en cuando para dar una chupada a su pipa) le cuenta a un antiguo camarada la extraordinaria aventura de la que fue protagonista durante la guerra, cuando al escapar del campo de concentración en el que estaba prisionero experimentó un viaje en el tiempo hacia un futuro en el que los nazis ha conquistado el mundo.

El viajero se encuentra en un territorio en el que se produce una escalofriante fusión entre la arquitectura humana y la vegetal, un territorio propiedad de un noble prusiano que lleva su afición por la caza hasta extremos difícilmente imaginables. Mezcla de ucronía política, ciencia ficción genética y fantasía sadomasoquista “El cuerno de caza” es un terrorífico relato del que no les será fácil olvidarse.

El siguiente título de la lista que logró interesarme (y que igualmente pude conseguir en la propia Biblioteca) fue “El vino del estío” (Dandelion wine) de un autor que seguramente les sonará más que el anterior, Ray Bradbury. “El vino del estío” no es un cuento de verano más, es (o lo será para mí en el futuro y hasta que sea sustituido por otro) el cuento de verano por excelencia. En un principio podría parecer que estuviéramos hablando simplemente de una narración costumbrista, la descripción de un verano en un pequeño pueblo de Illinois, y aunque sólo se tratara de eso ya sería un entrañable, pero hay mucho más detrás de eso, por más que no ocurra nada verdaderamente sobrenatural todo el cuento está lleno de elementos mágicos pero a la vez reales: un niño de 12 años (el protagonista de la historia) que descubre a la vez que está vivo y que algún día morirá, una máquina del tiempo humana, una echadora de cartas mecánica víctima de un encantamiento, una mujer que encuentra la sabiduría tras deshacerse de su memoria con la ayuda de unos pequeños gamberros, un mañoso pueblerino que consigue inventar una máquina de la felicidad e incluso un misterioso asesino fantasma. Todo esto (lo real y lo extraordinariamente real) teñido siempre de un suave tono de melancolía por un estilo de vida ya desaparecido y que quizás nunca existiera verdaderamente.

El tercer y último relato que he leído hasta ahora lleva el nombre de “Martín el náufrago” (Pincher Martin) escrito por otro nombre ilustre William Golding, autor que ya era bastante conocido entre los aficionados al género pero que saltó a la fama mundial (es un decir) tras obtener el Premio Nobel de Literatura en 1983. Su obra más conocida es “El señor de las moscas”, un título que figura con honores en esa lista de “esto-ya-tendrías-que-haberlo-leído-muchacho”, de hecho creo que incluso es lectura obligada en algunos colegios. Para el que prefiera hacer caso al viejo proverbio chino hay una par de adaptaciones cinematográficas bastante majas.

“Martin el naufrago” es un relato a la vez diferente y similar al de la gran obra de Golding, tiene lugar también en una isla que funciona igualmente como metáfora de la condición humana, pero en este caso el entorno se encuentra reducido a la mínima expresión de una roca en mitad del océano a la que es arrojado Martin, un oficial de la marina británica cuyo buque ha sido torpedeado y que se verá en el trance de sobrevivir en algo que no es más que un promontorio habitado por moluscos y algas de los que el naufrago tendrá que alimentarse.

A partir de esta premisa el relato se divide en dos vertientes, una de ellas detalla la lucha por la supervivencia de Martin, una lucha feroz y llena de detalles sórdidos, carente de cualquier rastro de heroísmo, las actividades del marinero para buscar comida y refugio en la roca bien podrían haber sido las de un cangrejo. Al mismo tiempo la soledad, las pésimas condiciones de vida y la desesperación por la cada vez más reducida posibilidad de rescate convierten a Martin en un individuo atormentado por todo tipo de evocaciones del pasado y alucinaciones del presente. Al tiempo que la existencia física se ve vuelve minimalista la existencia espiritual se ensancha hasta invadir la realidad y apoderarse de ella lo que conduce al relato hacia un final delirante y hacia un epílogo de los que se clavan en la memoria por mucho tiempo.

Por añadidura este relato contiene un pequeño fragmento que supone un excelente resumen de la opinión que Golding tenía sobre la especie a la que perteneció, con el nos despedimos.

“Había un arco de ondas junto a las tres rocas. El las miraba intencionadamente. Entonces apareció junto a las rocas una cabeza marrón, otra y otra. Una de las cabezas tenía un cuchillo de plata atravesado en la boca. El cuchillo se inclinó, se agitó y él vio que la hoja era un pez. La foca se alzó sobre la roca, mientras las otras se sumergían, dejando en el agua hoyos y círculos. La foca comió tranquilamente al sol, dejó la cabeza y la cola y se quedó quieta.

-Me pregunto si saben algo de los hombres".

Se levantó lentamente y la foca volvió la cabeza hacia él de modo que él se halló retrocediendo ante una mirada implacable. Levantó las manos de pronto en un gesto de hombre que apunta con una pistola. La foca dio la vuelta en la roca y se sumergió. Sabía de los hombres.”

El share del terror

2011-07-13T14:28:00.000-07:00

El pasado lunes me senté a ver el segundo y último episodio de la miniserie que comentábamos hace una semana. Pero en lugar de eso me encontré con que la cadena amiga había programado la habitual catarata de episodios de CSI con los que lleva rellenando la parrilla nocturna del día de la luna desde tiempos inmemoriales.

Ya se habló en la anterior entrada de que las audiencias de 11-M no habían sido demasiado buenas, y esa es la razón sin duda de que la conclusión de la serie haya sido relegada a ese cementerio para elefantes que son las páginas webs de las diferentes cadenas, lugar al que he tenido que acudir para terminar el expediente. Un triste final para una producción de la que sigo diciendo que era como mínima digna, y sobre todo que su visión resultaba un ejercicio mucho más interesante que pasarse la noche viendo al jodido Horatio quitándose y poniéndose las gafas de sol.

De todos modos sólo comentar que los derroteros de este segundo capítulo iban en la misma dirección que los del primero, esto es, una escrupulosa y sobria escenificación de los hechos probados, una deliberada elipsis sobre las teorías conspiratorias y la dimensión política del suceso (con alguna que otra excepción en forma de imagen subliminal como un cartel de Mariano Rajoy que aparece flotando en medio de una escena no sé bien a santo de qué) y un intento de incluir una trama subsidiaria que involucraba la historia personal de algunas de las víctimas. En relación a este último aspecto decir que, a pesar de todo, sí que se termina por echar de menos algo más de sustancia en este parte del drama, algo que se hubiera conseguido si en lugar de una mera nota al margen se hubiera optado por una estructura más paralela a la trama terrorista, sobre todo porque al final alguna de estas fortuitas interacciones entre víctimas y verdugos terminan por convertirse en los momentos más impactantes de la serie (escalofriante el breve diálogo con el que termina todo, una pequeña muestra más sobre el incuestionable hecho de que vivir o morir es una simple cuestión de casualidad).

Pero bueno, al fin y al cabo lo mejor que se puede decir de esta serie (por más que no la haya visto casi nadie) es que supone un grano de arena más en el loable empeño de las fuerzas aliadas con el raciocinio a la hora de poner aquellos trágicos sucesos en el lugar que les corresponde, sobre todo en relación al hecho de que más que una conjura de Al Quaeda (poco verosímil) o de la mismísima E.T.A. (qué locura) o del socialismo ladino que planeaba así hacerse con el poder (teoría que sólo puede sostener gente que dice “Buenor días” cuando llega cada mañana al trabajo) lo ocurrido fue el resultado de que a unos criminales de poca monta les entró un fatal ataque de trascendencia.

El tren del terror

2011-07-06T11:22:00.000-07:00

Seamos sinceros: las teleseries de factura nacional que surgieron a partir del momento en el que nació la nueva televisión (que podríamos identificar con aquel año en el que nacieron las privadas) oscilan entre lo horrible y lo miserable (y eso incluyendo a la otrora prestigiosa Televisión Pública).

Tampoco se puede decir que con las producciones basadas de hechos reales, tan comunes en otros países, hayamos tenido mucha suerte. La mayoría han sido dramatizaciones -en el sentido más peyorativo de la palabra- de crímenes mediáticos filmadas en el habitual estilo chirriante y que sólo admiten una visión con ánimo jocoso.

El pasado lunes Tele cinco estreno la primera parte de una miniserie dedicada al atentado del 11 de Marzo de 2004, el mayor atentado de la historia de España (y de Europa) y sin duda uno de los acontecimientos más importantes de nuestra época, algo que por sí solo no ha garantizado en el pasado una masiva ni adecuada adaptación a la pequeña o a la gran pantalla en nuestro país, no hace mucho comentábamos cómo el intento de golpe de estado del 23 de febrero de 1981 tardó tres décadas en ser recreado. Pero bueno, en esta ocasión no ha habido que esperar tanto tiempo, apenas siete años.

Generalmente no suelo ver este tipo de producciones y cuando las veo no me suelen gustar, aunque desde luego estoy totalmente a favor de que se hagan, pero en este caso sí que tenía curiosidad por ver el resultado, aunque sólo fuera por una cierta expectación que se había creado en torno a esta mini serie aunque, según las audiencias, dicha expectación haya sido en buena parte ficticia.

Y la verdad es que tengo que decir lo visto (hablando sólo de la primera de dos partes) me ha dejado razonablemente satisfecho, no es desde luego una obra maestra de la recreación de hechos reales pero al menos no da vergüenza ajena, algo que, recordando los antecedentes que hemos mencionado, es todo un logro.

Para el que no lo haya visto la acción comienza con el asalto de la Policía al piso de Leganes en el que se habían refugiado los terroristas, un suceso que puso el violento broche final al drama. Todo hace pensar que la serie comienza precisamente por el final y que no se pretende llegar más allá de los hechos probados por la Audiencia Nacional (tal y como se explica en el prólogo), con lo cual se deja deliberadamente al margen todo lo sucedido en la superficie y en las cloacas de la política entre el 11 y el 14 de marzo, unos acontecimientos menos dramáticos pero puede que más apasionantes que los propios atentados, una lastima pero quizás es demasiado pedir.

A partir del comienzo antes reseñado la serie adopta la forma de un largo flashback en el que se escenifica la historia de la gestación del atentado. El tono con el que se cuenta el largo y, a menudo rocambolesco, desarrollo de la conjura me ha resultado interesante, aparentemente bien documentado y sorprendentemente contenido, quizás sea porque esta parte de la historia está interpretada por actores desconocidos (algunos de ellos incluso noveles) y que por ello puede que no padezcan de los vicios que aquejan a muchos de los rostros nacionales más conocidos de la pequeña pantalla y que podríamos resumir en un exceso de teatralidad. Es cierto que en ocasiones, sobre todo al principio, resulta difícil discernir quien es quien pero a medida que avanza la historia consiguen destacarse algunos caracteres interesantes como los del demiurgo Serhane Ben Abdelmajid (El Tunecino), el delincuente reconvertido en mártir Jamal Ahmidan (El Chino) y el grotesco fiestero-islamista Rafa Zouhuier. Sí, estoy de acuerdo en que el personaje del confidente Trashorras resulta un poco destemplado, pero hay que reconocer que no es nada en comparación con la autentica figura del minero esquizoide que proporcionó la materia prima para la masacre.

Me gustaría destacar también el acierto que constituye caracterizar a los terroristas evitando tópicos y explicaciones demasiado farragosas sobre las razones que les llevaron a cometer el atentado, posiblemente porque no existan y porque si existieran tampoco las comprenderíamos.

Menos acierto tiene la serie cuando intenta contar la historia de algunas de las futuras victimas de las explosiones, me refiero a que dichos fragmentos tienen la apariencia de un ejercicio de contemporización que resulta extraño al tono general de la trama, como si se tratara de un artificio impuesto algo que posiblemente sea y es este uno de los aspectos más llamativos de la producción de Tele Cinco, el hecho de que haya sido filmada tras conseguir el visto bueno de las diferentes asociaciones de víctimas relacionadas con el atentado, que han manifestado públicamente su satisfacción porque se haya omitido cualquier imagen que represente de modo explicito las consecuencias de la matanza. Podría considerar dicha decisión una iniciativa loable de no ser porque sospecho que ha sido impuesta por esa filosofía de la autocensura que se ha ido extendiendo de forma imparable desde hace años, y que de haber existido en épocas anteriores de la historia nos hubiese hurtado de algunas imágenes que componen nuestra memoria colectiva.

Durante años las víctimas y las familias de las víctimas de cualquier clase de delito han sido ignoradas de forma dolorosa, ahora en cambio nos encontramos con la asombrosa (y perturbadora) certeza de que hay que contar con su permiso para recrear algunos de los hechos que les arrojaron a su condición. ¡Demonios! Digo yo que entre ambas posturas debe haber un término medio.

Pero en fin, lo importante es reiterar que “11-M para que nadie lo olvide” es una producción digna que puede que no entusiasme a la mayoría pero que tampoco hará que nadie se lleve las manos a la cabeza (si exceptuamos a los friki-conspiranóicos profesionales y aficionados a los que cada día se escucha menos afortunadamente) y que es posible que contribuya al empeño por romper el tabú que existe en la comunidad artística de este país a la hora de escenificar acontecimientos recientes de nuestra historia. Y que esto no sea siempre en tono solemne, de hecho queda ya muy poco para que llegue el largamente añorado momento en el que se haga una comedia sobre E.T.A., he aquí el camino.

La frase de la semana.

2011-07-01T04:59:00.000-07:00

¡Que echen a todos los extranjeros de España y dejen sólo a los chinos!

(Escuchado en el trabajo)

If six was three

2011-06-23T10:04:00.001-07:00

El día en el que nació la tarifa plana se produjo posiblemente uno de los momentos culminantes de la historia del entretenimiento occidental: aquel en el que millones de personas en todo el mundo pasaron a decidir qué era lo que querían ver en su casa en lugar de tragarse lo que alguien decidía que tenían que ver.

El arco de posibilidades era infinito: uno podía acomodarse a contemplar desde el último estreno de la temporada -mucho antes de que llegara a las salas comerciales- hasta la película más extravagante que no sería posible conseguir de ninguna otra manera (recuerdo que una de las primeras que “compré” en la red fue la japonesa “Onibaba”). Y para qué hablar de las series, me estremece pensar cuantas maravillas de las que ha disfrutado el resto del mundo nos hubiéramos perdido en España de no ser por que algunos teníamos la posibilidad de estar al acecho de las novedades más prestigiosas.

Y ante este lujurioso panorama ¿qué fue de las televisiones generalistas? Pues poca cosa, telediarios, partidos de fútbol y poco más. Y ni siquiera tenía uno la sensación de estar perdiéndose ningún acontecimiento televisivo de interés, en lo que se refiere a los realities, ya que el advenimiento de nuevas maravillas como “Youtube” le permitía a uno estar al tanto de dichos acontecimientos servidos en breves descargas de pocos minutos de duración sin tener que pasarse horas esperando a que llegara el tomate.

La llegada de la TDT contribuyó a animar un poco el cotarro televisivo convencional aunque, al menos en lo que a mí se refiere, de un modo distinto al que sin duda pretendían sus creadores. En efecto la hemorragia de nuevos canales y sobre todo la subdivisión de las grandes cadenas tradicionales creó muchas horas nuevas de programación y poco contenido novedoso para rellenarlas ¿consecuencias?: reposiciones y más reposiciones de series y películas antiguas y más recientes. De las bondades de esta nueva forma de entretenimiento televisivo ya nos contó algo Ra en su casa pero yo más bien quería particularizar en uno de estos canales recién nacidos.

Creo que fue a mediados de 1991 cuando las televisiones privadas llegaron a España, hasta ese momento el concepto que teníamos de una caja tonta multicanal se reducía a lo que habíamos visto con envidia durante años en las teleseries americanas, donde invariablemente aparecía algún personaje que oprimía con gesto cansino el mando a distancia contemplando con apenas unos segundos de intervalo una innumerable sucesión de canales, es decir haciendo eso que entonces no sabíamos que se llamaba “zapping”. Y eso es lo que queríamos todos y lo que yo pensaba que iba a suceder, al final la cosa no fue para tanto y se quedó simplemente en Tele 5 y Antena 3. Y ojo, no es que me queje de las programaciones pioneras de estas dos empresas, todo lo contrario, en comparación con lo que dan hoy no podemos recordar aquellos años con otro cosa que no sea simpatía.

Pero vamos que esto no era lo que tenía uno en la cabeza cuando soñaba con la Televisión Privada. Más adelante se añadieron otras novedades, Canal Cuatro, la Sexta y las diferentes televisiones autonómicas. Pero vamos repito que a esas alturas mi reino ya no era de ese mundo. Pero hete aquí que ahora, veinte años después del nacimiento (o la parida) de las privadas por fin tenemos algo parecido a lo que habíamos esperado, algo tan genialmente simple como un jodido canal donde sólo ponen películas ¿tan poco era tan difícil verdad?. Bueno ya sé que no sólo ponen películas, de hecho la programación peliculera no empieza hasta las 15.30 pero eso sí, luego se encadenan hasta cinco películas seguidas. Pero la cuestión no es la cantidad sino la calidad.

Si alguien me pidiera una definición de La Sexta 3 contestaría que se trata de un canal donde pasan películas que ya has visto antes pero que no te importa volver a ver. Saliendo de casa a las 6.30 de la mañana y regresando a las 16.00 de la tarde uno tiene el tiempo más bien medido a la hora de ver las muchas horas de cine y televisión que tiene almacenadas después de muchos meses de “compras”, en ocasiones tienes el tiempo justo para ver una película de 90 minutos, o el capítulo de una serie de 50 minutos o un episodio de una sitcom de 20 minutos. Y en ocasiones uno está demasiado cansado para ver nada de eso y simplemente se acuesta en la cama y enciende la tele para ver algo antes de dormir, y es ahí donde entra la función social de La Sexta 3: sabes que casi siempre (si exceptuamos la noche de los miércoles dedicada al cine de artes marciales) encontraras una buena película (o al menos una película de recuerdo agradable) que te acompañará en la duermevela y que no te importará perderte (o verla doblada) porque seguro que ya la has visto antes o bien tampoco te interesa tanto como para permanecer despierto. Además la variedad (dentro repito de unos límites de calidad bastante sobresaliente) es tan amplia que se pueden conseguir unas sesiones dobles y triples de lo más interesantes, fíjense por ejemplo en la sesión de noche de hoy: a las 22.00 “Tombstone” (un gran western que espero que algún día reciba el reconocimiento que merece) y Luego “La conversación” de Francis Ford Coppola, mañana “¿Qué tal Pussycat”, luego “Los amigos de Peter” y al final “El dormilón” y el sábado “El desafío de las águilas”, “Pulp Fiction” y luego “Rabia (una secuela de “Carrie”). ¿No les parece una programación maravillosa?

En fin que bienvenido sea este canal cuyo éxito (por lo visto ha alcanzado picos de audiencia con el pase de “Showgirls”, toma ya) augura una larga vida (yo me conformo con que dure todo el verano) y cuyo ejemplo espero que sea adoptado por las demás cadenas, ya veremos.

No significa cuánto.

2011-06-16T10:26:00.001-07:00

En primer lugar me gustaría que leyeran este artículo.

La intervención del escritor Javier Marías en el affaire Dominique Strauss Khan resulta bastante insólita incluso viniendo de un literato que, al menos en su faceta como columnista de El País Semanal, parece querer alimentarse únicamente de esa extraña raza que conforman los lectores indignados de la sección de cartas.

Analicemos el texto por partes. Lo primero que llama la atención es que Marías califique lo sucedido como un hecho “incomprensible y absurdo”, una afirmación que parece provenir de alguien que ha pasado demasiado tiempo imbuido en las ficciones que pueblan sus libros, ficciones (las de sus libros y las de todos en general) que se caracterizan precisamente por ser un territorio donde todo resulta mucho más comprensible y lógico que la realidad, que no está sujeta a ninguna regla literaria que la haga asimilable.

Ya en el segundo párrafo el escritor prosigue agitando la bandera de la inverosimilitud preguntándose cómo una camarera de pisos puede entrar en una habitación ocupada (supongo que algo tendrá que ver la sobrecarga de trabajo que suelen tener estas profesionales independientemente de la categoría del hotel en el que trabajen), o cómo un hombre sale desnudo de la ducha sin llevar un albornoz o al menos una toalla (manías personales, yo me estuve duchando con la ropa interior puesta hasta los 13 años por lo menos), pero estas objeciones se quedan en nada ante la sorpresa del columnista por el hecho de que uno de los hombres más poderosos del mundo dedique parte de su valioso tiempo y se juegue además su carrera política en estas correrías de hotel.

Ay mi querido Marías ¿cómo es posible que algo así te parezca tan extraño? ¿No ha sido el sexo la perdición de los hombres desde el principio de los tiempos? ¿Por qué fueron expulsados Adán y Eva del paraíso? ¿Por qué si no se hizo el rey David acreedor del desprecio de Dios cuando decidió correr detrás de Betsabé? ¿Acaso los por mucho tiempo inmaculados Kennedy no eran unos maniacos sexuales? ¿No hubiera preferido Clinton machacársela con un ladrillo antes de pasar a la historia por sus becariadas? ¿No hay en estos momentos millones de hombres sentados sobre su culo preguntándose cómo diablos echaron toda su vida a rodar por un minuto de calentura?

Sin embargo la cosa se pone peor a partir del tercer párrafo cuando Marías empieza una sórdida disquisición sobre el carácter de las presuntas agresiones sufridas por la camarera, se habla de penetración bucal y anal por más que en todo lo que he leído sobre el caso es la primera noticia que tengo de que tal cosa pudo habar sucedido. Pero lo verdaderamente inquietante es la clase magistral que J.M. sobre la imposibilidad de agredir a una mujer por alguna de estas dos vías, como si él fuera una autoridad en la cuestión (supongo que no se trata de eso) y si la, por desgracia, larga y multivariada casuística del tenebroso mundo de las agresiones sexuales no fuera otro de los muchos territorios en los que no rigen las leyes de la lógica a las que tan adicto parece Marías. Recuerdo en cierta ocasión como un jurista experto en el tema describía un caso de violación que comenzaba con la víctima declarando que “había sido subida con violencia a una motocicleta”, el letrado manifestaba que por mucho que resultara insólito que alguien fuera subido con violencia a una moto el hecho fundamental es que la víctima no había consentido, todo comentario que obvie esta cuestión no son más que digresiones que entendíamos como más propias de otros hombres públicos célebres por su rijosidad.

El artículo de Marías prosigue en el siguiente y último párrafo donde estalla en un brillante final en el que asegura que quizás lo que pudo haber pasado es que el viejo verde le ofreciera dinero a la camarera por echar un aquí te pillo aquí te mato, y que todo el jaleo posterior vendría a cuento de una discrepancia en torno al pago o al carácter de los servicios contratados, vamos, que se retoma aquel viejo adagio de “señora es usted una puta, lo único que falta por determinar es el precio”. En fin repito que aquí caben dos explicaciones, o al bueno de Marías se le ha ido la olla y ha terminado por desconectarse completamente de la realidad o ha escrito el artículo pensando en la reacción del respetable que se manifestará (o no) en la sección de cartas al director de dentro de dos semanas. Ya se verá.

La escena: The beach bitch

2011-06-12T04:47:00.000-07:00

Todavía no es 21 de junio así que faltan días para que empiece oficialmente la canícula, pero en este blog no rige el cambio oficial de estaciones, aquí son los refranes los que controlan el tiempo y dado que ya hemos pasado con creces el 40 de mayo declaro el inicio del verano.

Y para ello nada mejor que recordar la película que todo ser humano tiene en mente cuando se mete en el agua salada. En concreto homenajearemos la escena que con el tiempo se revela como la más escalofriante de todas.

The beach bitch por Perfado

Last night i watched myself sleep

2011-06-06T11:49:00.001-07:00

Se habla de “Insidious” y una advertencia sobre “spoilers” sólo tendría sentido para un extraterrestre o para alguien que jamás haya visto una película de terror. Y no creo que exista nadie que cumpla alguna de esas dos condiciones.

Con “Insidious” pretendía prestar un servicio semejante al que quise hacer con el comentario sobre “Romanzo Criminale”, es decir hablar sobre algo que pensaba que no iba a tener la difusión que merecía debido a su vocación de producción marginal. Pero he aquí que resulta que la película se estrena este viernes, no esperaba que tal cosa sucediera, de hecho la había “comprado” porque tenía la sensación de que no podría verla de ninguna otra manera (de todos modos quizás lo hubiera hecho también en caso de saberlo porque detesto ver películas de terror en el cine). Y no solo eso sino que además “Insidious” aparenta ser la sensación de la temporada en lo que se refiere al cine de terror, tal y como en su día lo fueron “El proyecto de la bruja de Blair” o “Paranormal Activity”.

Como suele ser habitual, y como se adelantó en la introducción, sólo alguien muy poco familiarizado con el cine de terror puede evitar ver esta película sin notar similitudes a multitud de filmes pertenecientes a este género, desde los más ilustres hasta los más recónditas, quizás la referencia más clara sea la de “Poltergeist” en lo referido a que se trata básicamente de la historia de una familia afectada por una serie de fenómenos fuera de lo común. Sin embargo el estilo de “Insidious” se aparta de forma deliberada de la enfática ambientación de la película de Tobe Hopper (enfática incluso cuando se produce la irrupción de lo paranormal) y adopta en cambio uno mucho más naturalista y cotidiano, casi documental, lo que hace que su visión resulta por lo tanto más perturbadora, algo a lo que ayuda el tono neutro con el que la película está fotografiada y la presencia de actores no demasiado conocidos, Rose Bryne y Patrick Wilson, dos de esos nombres que no dicen nada a no ser que vaya acompañados de las correspondientes fotografías (también aparece por ahí Bárbara Hershey pero seremos tan caballeros de hacer como si no nos hubiéramos dado cuenta)

Estas características hacen de “Insidious” un título más próximo al cine de terror independiente (al que pertenecen algunos de los títulos anteriormente citados), y es precisamente en ese ámbito de textura tan malsana en el que la película ofrece sus mejores armas, con unos primeros 45 minutos plenos de tensión y sustos tan cuidadosamente colocados y tan efectivos que no me avergüenza reconocer que durante buena parte del metraje al que corresponde este segmento de la película tuve que verla con el volumen bajado.

Sin embargo con posterioridad la película abandona el tono discreto y elegante de los primeros tres cuartos de hora y entra de lleno en otro dominado por un indescifrable tono de homenaje o parodia (imposible al menos para mi determinar con cual de estas dos intenciones se aborda esta parte del argumento) a la ya citada “Poltergeist”, desde la introducción en la trama de un grupo de investigadores freaks (comandados por una médium mucho más bizarra que Zelda Rubinstein y no lo digo por su aspecto físico) hasta llegar a una irrupción en un mundo paralelo que se nos presenta dominado por una grotesca estética que sólo puedo comparar con la de un célebre vídeo de “Soundgarden”.

En resumen resulta bastante difícil hacerse una idea de conjunto sobre qué es “Insidious” y con qué finalidad se ha hecho, repetimos que posiblemente el ruido mediático proporcionado por la publicidad oficial y extraoficial la convertirá en una de esas películas de miedo de temporada “que hay que ir a ver” y de donde los espectadores saldrán inevitablemente decepcionados. Puede que después de todo la primera mitad de la película no sea más que una engrasada máquina de fabricar sustos y que la segunda no deje de ser un ejercicio de barroquismo granguiñolesco y que al final, una vez más, no haya nada nuevo que contar pero bueno, quizás debamos quedarnos con el concepto de que “Insidious” puede que no sea una gran película de terror pero sí una película que da miedo ¿y no es esto al fin y al cabo lo más importante de todo?

IO STAVO CON LIBANESE!!!!!!!!!

2011-06-01T10:15:00.000-07:00

No suelo hablar de las series de televisión que veo, viviendo como vivímos en la epoca dorada de la caja tonta (en cuanto a series de ficción no española se refiere) me parece redundante comentar cosas que tienen su adecuada semblanza en muchos blogs más especializados (algunos de los cuales se pueden encontrar en la sección de links situada a la derecha por más que mi amiga Mer siga malgastanto su espacio en la incansable lucha por encontrar algo de talento en la ficción televisiva nacional).

Sí es cierto que hace más o menos un año tuvimos que hacer referencia al final de "Lost", pero -algunos- convendrán conmigo en que aquello fue una experiencia que iba más allá de lo meramente televisivo.

El que hoy sí haya decidido mencionarles la existencia de una teleserie responde al hecho de que me da en la naríz que estamos ante una producción que posiblemente va a pasar desaparecibida para el gran público (entendiendo por tal el colectivo de espectadores entusiastas seguidores de estos productos por vías no generalistas), y eso por varias razones. En primer lugar porque se trata de una serie italiana, algo que ya de por sí espanta a los espectadores más prejuiciosos ya que el género televisivo del país de la bota salvo honrosas excepciones (como el celebradísimo "La mejor juventud" que espero ver de una puñetera vez un día de estos) se suele asimilar a alguna horterada berlusconiana emitida al ritmo de la música de "Ricchi e Poveri" o algo aún peor.

Pero incluso sin esos prejuicios (perfectamente lógicos por otro lado) resulta bastante dificíl acceder a una producción que es un pecado ver doblada y de la que debe ser bastante trabajoso halla subtítulos. Yo mismo dudo mucho que la hubiera visto de no haber estado abonado a ese salvavidas llamado Digital +. Por cierto ya sería hora de decir que estamos hablando de "Romanzo Criminale" (llamada en España "Roma Criminal")

El argumento (basado en un libro que dió origen asimismo a una película estrenada en el año 2005) sigue la clásica estructura de las historias criminales estilo "rise and fall", centrada en esta ocasión en un grupo de delincuentes comunes romanos que deciden aliarse para lograr lo que nadie ha conseguido antes: instaurar el crimen organizado en la rebelde y caótica capital de Italia. Al frente de todo el tinglado (y de una banda de esbirros algunos con apodos tan encantadores como "Treinta denarios") la habitual figura del líder carismático que en esta ocasión es un monstruo tricefalo: el Freddo, el Dandi y el Libanes que representan respectivamente la cabeza, el corazón y los cojones de la pandilla.

Pero esto va un poco más allá de la mera crónica de gangsters, el drama comienza a finales de los setenta y concluye a mediados de los ochenta, una etapa especialmente convulsa en la historia italiana del siglo XX y que fue conocida como "los años del plomo". Como reflejo de ello La Banda de la Magliana aparece en medio de una multitud de acontecimientos reales (como fueron el secuestro de Aldo Moro, el gran atentado de la estación de Bolonia, el escándalo del Banco Ambrosiano e incluso la victoria de la Squadra Azzurra en el Mundial de 1982) y relacionada con terroristas de extrema derecha, miembros de la Mafia, la Camorra y la 'Ndrangheta, así como una serie de mefistofélicos esbirros de las más sórdidas alcantarillas del estado italiano. Una autentica "piovra" como la de aquella serie homónima, también italiana, que pasaron por la tele hace unos veinte años, de hecho sostengo que uno de los personajes de "Romanzo Criminale" (el esforzado Scialoja) es un homenaje a Corrado Cattani, aquel Comisario que trataba inutilmente de luchar contra el gran pulpo de la Mafia siciliana.

La serie podría compararse con otras sagas criminales del estilo de "Los Soprano" o "The Wire" pero con un enfoque menos intelectual (sí, las dos series norteamericanas tienen ese enfoque por más que sus personajes sean escoria) y más próximo a un tono folletinesco mezcla de culebrón y drama shakesperiano (que no obstante está basado, aunque de forma muy libre, en hechos y personas reales) que lo hace más entrañable y por así decirlo más "latino". En fin una serie que me ha gustado, espero que estas palabras sirvan para difundir un poco este pequeño vicio medianamente confesable.

No time like the past

2011-05-28T04:39:00.001-07:00

Se habla de “Medianoche en Paris” y se recomiendo no leer si se ha tomado ya la decisión de verla.

Después de firmar su última obra maestra con “Delitos y faltas” en 1989, la carrera de Allen prosiguió con notables altibajos hasta que, ocho años más tarde, presentó lo que podría considerarse como el testimonio final de su vida con “Desmontando a Harry”, una especie de auto análisis de su carrera y su figura como artista y hombre público. Podría haber sido un momento perfecto para retirarse, pero el cineasta tomó la muy respetable decisión de que aquello no le salía de sus amplías narices. Según sus propias palabras seguiría presentando al menos una película al año hasta el día en que se muriera porque no tenía otra cosa mejor que hacer.

Desde entonces las cosas han ido mal y bien, pero asistir al estreno anual de una película de Woody Allen se convirtió en una cita cinéfila casi ineludible. Sin embargo, y a nivel personal, a partir de la nefasta “Vicky Cristina Barcelona”, decidí tomar la decisión de acudir a dicha cita únicamente cuando la opinión general acordara que valía la pena hacerlo. Ese acuerdo no se produjo en el caso de “Si la cosa funciona” o “Conocerás al hombre de tus sueños” pero sí que se ha manifestado en el de la película que nos ocupa hoy.

Y lo cierto es que me uno a la opinión mayoritaria declarando de entrada que “Medianoche en París” es un filme que vale la pena ver. Hay que advertir de entrada que no estamos tampoco ante una recuperación del gran cineasta de los setenta y ochenta, algo que por otro lado no sería justo exigir. La diferencia entre el Allen de 2011 y el de 1985 es la misma que la que hay entre esta película y “La rosa púrpura del Cairo”.

No es una referencia casual pues estos dos títulos tienen muchísimo en común. En ambos se narra la historia de unos seres que llevan vidas insatisfactorias (el hecho de que uno de dichos seres sea una pobre camarera casada con un bestia y el otro un guionista de éxito con una economía desahogada es irrelevante) y que encuentran algún consuelo en un deseo ilusorio que se transforma en realidad de manera sobrenatural. Podría parecer que estos argumentos son una suerte de apología del escapismo pero no creo que esto responda a la verdad, en mi opinión la película no hace sino materializar algunas de las fantasías más comunes del ser humano entre las que se encuentran, como es el caso del argumento de “Medianoche en París”, el poder viajar a épocas del pasado (de las que inevitablemente pensamos que se vivía mejor que en el presente) y conocer a los personajes históricos que vivieron en ellas.

Sin embargo creo que Allen es capaz de desarrollar dicha fantasía sin perder del todo el contacto con la realidad o al menos sin olvidar incluir un contraste, a menudo doloroso, con dicha realidad. En “La rosa púrpura…” a Tom Baxter, el héroe del cine que atraviesa la pantalla, le resulta imposible desenvolverse en el mundo exterior, donde los coches no arrancan simplemente con poner las manos en el volante y donde no hay fundidos en negro cuando los amantes se besan. Y por otro lado Gil Shepherd, el actor que da vida a Baxter, resulta ser un botarate que se comporta de una manera indigna con tal de no perjudicar su carrera. En el fondo la fantasía resulta ser tan decepcionante como la realidad. Del mismo modo en “Medianoche…” Gil Pender viaja a un Paris de ensueño en el que habitan todos sus héroes, sólo para descubrir que a ellos también les hubiera gustado nacer en otra época.

Pero seguimos repitiendo que existen diferencias entre estas dos películas, una es la obra maestra de un director en su mejor época y otra es un agradable filme de un cineasta en sus últimos momentos. El Allen de 1985 hubiera filmado con mucho más brío y/o sentimiento escenas como las de la despedida de Pender y Adriana o la de la renuncia definitiva de Pender a la vida que había llevado antes de su experiencia de viaje al pasado. Sin embargo sí que me ha resultado interesante la que parece se la moraleja del filme: en “La rosa púrpura…” Cecilia, a pesar de su desengañada experiencia, no consigue sustraerse al hechizo de la gran pantalla y al final de la película se queda extasiada contemplando el número “Cheek to cheek” de la película “Sombrero de copa” en una imagen poética pero irremediablemente triste. En “Medianoche…” Gil Pender comprende que la nostalgia por los tiempos no vividos es una experiencia común a todas las generaciones, mientras que Adriana parece satisfecha con su propia regresión, el protagonista de esta historia parece renunciar a perderse en sus fantasías y pasarse la eternidad recorriendo las calles del Paris de los años veinte, pobladas de los fantasmas de sus ídolos personales, y volver para recuperar su vida ya en el presente. En definitiva: no te pases la vida añorando no haber vivido en otros tiempos porque resulta que tus jodidos tiempos son ahora mismo. Una observación que parece dedicado a todos esos comentaristas youtuberos de vídeos de los ochenta que lamentan no haber crecido en la década pegajosa, como si los que la vivimos por mera casualidad nos hubiéramos pasado la juventud dando saltitos en calentadores al ritmo de las canciones de Cyndi Lauper.

Dejando a un lado estas cuestiones añadir que no me resultará posible juzgar otros aspectos del filme hasta que no consiga verlo en versión original (algo que no pude hacer porque no encontré subtítulos en la red), hasta ese momento me basta con apreciar, una vez más, el buen gusto de Allen a la hora de hacer desfilar por la pantalla toda una caterva de bellezones de ambos lados del Atlántico (primeras damas incluidas).

Ellos sí le hubieran votado a usted.

2011-05-23T10:58:00.000-07:00

Las elecciones municipales y autonómicas suelen ser una lata pero estas hay que analizarlas un poco, veamos qué parece que ha pasado.

Hacía tiempo que se auguraba una derrota del PSOE pero al final el batacazo ha sido mucho mayor de lo que hubiera esperado nadie. No es posible achacar una derrota tan contundente desde la perspectiva del mal hacer de los diferentes candidatos locales, esto ha sido un voto de castigo transversal que abarca desde la Comunidad Autónoma más populosa hasta la pedanía más quintocarajera (¿Quién habrá ganado en Fago?).
Este tipo de jornadas electorales siempre suelen ser unas maniobras con fuego real para los comicios generales y tal vez por eso Zapatero decidió anunciar su retirada para comprobar el efecto que dicha maniobra tendría entre los votantes, y desde luego no se puede decir que dicho efecto haya sido positivo. Quizás ahora los estrategas socialistas se lamentan de no haber dejado que la figura del futuro ex-presidente terminara de quemarse en la hoguera pública puesto que queda claro que el problema va más allá de nombres particulares. Lo que les queda ahora es decidir quién será el nuevo candidato y hacer lo posible para paliar en lo que se pueda el nuevo desastre del año que viene.

Las alternativas parecen claras: tendrán que elegir entre Alfredo Pérez Rubalcaba y Carme Chacón y eso será tras unas primarias que se adivinan bastante moviditas. Rubalcaba puede considerarse la opción preferida del aparato tradicional del partido, que por otro lado debe estar que trina ante la masiva pérdida de los feudos tradicionales del socialismo, lo cierto es que se trata de uno de los políticos de más talla que tenemos en el país (lo que tampoco es que sea decir mucho), buen parlamentario y además un individuo que transmite cierta seguridad y aplomo lo que no es poco en un panorama dominado por los balbuceos, la histeria y la depresión. Tiene en su contra su bajo perfil público, posiblemente sea lo más opuesto a lo que en política moderna se considera como un candidato atractivo electoralmente hablando, aunque eso no parece que sea un gran problema en una España que en los últimos años no ha tenido inconveniente en votar masivamente a pazguatos. También está el tema del caso Faisán con el que la prensa derechista le torturará sin compasión en caso de salir elegido, puede que esto termine por no ser un gran hándicap siempre y cuando ETA se mantenga tan inactiva como en los últimos años, pero como a los chicos del norte les de por tirar aunque sea un petardo Rubalcaba estará acabado.

Chacón se puede considerar como la alternativa rompedora que el partido (especialmente sus bases) puede reclamar para intentar dar un giro a la situación, quizás sea una opción demasiado radical y eso traiga consecuencias funestas en lo que al aparato interno se refiere (recuérdese lo que pasó con el desgraciado experimento de las primarias que ganó Borrell).

Una solución intermedia podría ser el dejar que Rubalcaba preste el último gran servicio a su partido dejándose inmolar en marzo de 2012 para que su compañera de partido pueda empezar de cero tras la esperada debacle de las generales. Ya veremos que pasa.

Mariano Rajoy está viviendo el sueño de todo candidato: no tener que decir nada ni hacer nada para convertirse en el próximo Presidente del Gobierno, como consecuencia de ello RJ no va a hacer nada ni va a decir nada (algo que, según dicen, encaja perfectamente con el carácter de este hombre). De todos modos por mucho que se lo hayan puesto fácil hay que reconocer que Rajoy ha demostrado un aguante encomiable, sobre todo después de su segunda derrota ante Zapatero, cuando la facción más cerril de su partido exigía su defenestración apoyada por la prensa conservadora que se ensañó con la triste figura del caído con un encarnizamiento que ni el propio ZP había sufrido. Pero Mariano aguantó y el premio será convertirse por fin en Presidente doce años después de ser proclamado candidato. Lo que hará después me temo que seguirá siendo una incógnita.

Por lo demás el pasado domingo han sucedido otras cosas dignas de mención.

El único nubarrón que se cierne en torno al brillante mediodía del que disfruta el equipo de Rajoy ha sido el triunfo de Francisco Álvarez Cascos en su Asturias patria querida. Cascos es uno de los últimos recuerdos que quedan en la política activa de la etapa aznarista (con la excepción del propio Aznar que parece que seguirá dando el coñazo bastante tiempo) y su espectacular vuelta al ruedo puede ser algo más que una incomodidad. Es posible que el éxito del que fuera calificado como el doberman de la política española pueda ser aprovechado por otros miembros de la rama más dura de los populares para reivindicar su lugar junto a la directiva actual (que siempre ha sido calificada como demasiado blanda) so pena de montar dos, tres, muchos FACs (nombre del partido que Cascos se sacó de l manga) allá donde puedan ejercer su influencia. Posiblemente el conocido afán contemporizador de Mariano volverá a aparecer para intentar dejar contento a todo el mundo (una seña de identidad histórica de su partido que, contra viento y marea, ha sido siempre capaz de mantener unidas bajo las mismas siglas a todo el arco social de la derecha española).

No creo que hubiera nadie que pensara que la habilitación a contra reloj de Bildu tuviera un efecto tan potente en Euskadi. La irrupción de este partido (creado con la explícita voluntad de integrar en una nuevo partido a los votantes de Herri Batasuna que habían deambulado como náufragos desde que se ilegalizara a su coalición) en la política vasca puede ser vista desde múltiples puntos de vista, habrá quién sostenga (y de hecho lo hace) que se ha vuelto a introducir en el juego democrático a los etarras, otros piensan que se trata de una oportunidad de oro para que la izquierda abertzale más radical decida poner fin a su ambigüedad en torno al terrorismo, y que tal decisión sirva de punto de partida para que la propia banda decida disolverse de una puta vez. Ojala que suceda lo segundo.

Como se ha comentado ya, resulta bastante difícil analizar en términos cuantitativos el efecto que ha tenido el movimiento del 15 de marzo en las pasadas elecciones porque dicho movimiento ni se presentaba a las citadas elecciones ni solicitó el voto para ningún partido, una actitud que debería revisarse si realmente se desea ejercer alguna influencia en la sociedad (ya que no existe otro modo de hacerlo).

Pero al margen de esto qué duda cabe de que lo sucedido entre el 15 y el 22 del presente mes supone el único motivo de esperanza para un panorama bastante negro, no porque el PSOE se haya ido a freír espárragos (cosa lógica e incluso añadiría que justa) sino porque la alternativa resulta desalentadora. No sé en qué terminará todo esto y si el movimiento se acabará disolviendo de forma tan acelerada como se creó, pero sólo por ver el ataque de histeria colectiva del que fue víctima toda la derecha política, social y mediática española (todavía bajo el trauma de lo sucedido en los tres días que siguieron a los atentados de Madrid del 11 de marzo de 2004) hubiera merecido la pena. Veremos si se consigue algo más.

Canciones para una revuelta.

2011-05-22T03:59:00.000-07:00

Algo esta pasando aquí.
Que no es del todo claro.
Hay un hombre con una pistola por allí
Diciéndome que tenga cuidado.
Creo que es hora que paremos.
Chicos, ¿Qué es ese sonido?
Todos saben lo que esta pasando.
Están siendo trazadas las líneas de batalla.
Nadie tiene la razón si todos están equivocados.
Gente hablando con sus mentes
Logrando demasiada resistencia de atrás.
Creo que es hora que paremos.
Hey, ¿Qué es ese sonido?
Todos saben lo que esta pasando.
Que festival de fin de curso para el fuego.
Un millón de personas en la calle,
Cantando canciones y llevando pancartas.
La mayoría dice, Hurra por nuestro bando.
Es hora que paremos.
Hey, ¿Qué es ese sonido?
Todos saben lo que esta pasando
La paranoia golpea fuerte.
Se arrastra dentro de tu vida
Empieza cuando tienes miedo, siempre
Te sales de la línea, viene el hombre y te lleva.
Mejor paren.
Hey, ¿Qué es ese sonido?
Todos saben lo que esta pasando
Mejor para
Hey, ¿Qué es ese sonido?
Todos saben lo que esta pasando
Mejor para.
Ahora, ¿Qué es ese sonido?
Todos saben lo que esta pasando
Mejor para
Chicos, ¿Qué es ese sonido?
Todos saben lo que esta pasando

Canciones para una revuelta.

2011-05-21T00:50:00.000-07:00

SEAN RAZONABLES, PIDAN LO POSIBLE

Más actualidad

2011-05-17T13:00:00.000-07:00

NIHILISMO, CINISMO, SARCASMO Y ORGASMO.

Con esta cara de “la cagaste Burt Lancaster” la presunción de inocencia (que de todos modos haremos un esfuerzo por respetar) se puede ir a freír chuchangas. No creo que nadie en Estados Unidos supiese quién era Dominique Strauss-Kahn cinco segundos antes de que –presuntamente- emergiera de la ducha como un chimpancé en celo (tal y como le han calificado otra –presunta- víctima de su calaveradas), pero ahora sí que saben quién es, y entre las muchísimas cosas que no les gustan por aquellas tierras es que venga un extranjero (francés por añadidura) y trate de ponerle las zarpas a una señora, al viejo código de honor de la frontera se une la larga lista de convenciones del nuevo orden de la corrección política instaurado en la era Clinton. Resumiendo Dominique, estas jodido.

NO WORK AND NO PLAY MAKES JACK AN ANGRY BOY

Algo bueno tiene este movimiento popular surgido de ninguna parte y que posiblemente se dirige hacia ningún sitio. En la situación económica por la que pasamos es prácticamente imposible que no se produzca algún estallido social de alguna clase, incluso para el español políticamente castrado la situación se está volviendo insostenible. Si estas algaradas relativamente inocuas (al menos en el aspecto de orden público, ya veremos si también lo es en el aspecto político) son una válvula de escape para el descontento general me parecen de lo más saludables.

Juego de patriotas

2011-05-12T09:35:00.000-07:00

Si exceptuamos algunas minorías intelectuales o ultra religiosas (en el buen sentido de la palabra), nadie en los Estados Unidos ha expresado el más mínimo escrúpulo por la operación militar que ha terminado con la vida de Osama Bin Laden. Es posible que las más altas instancias hayan manifestado, por mero pudor político, algún tipo de pesar por no haber podido capturar a Moby Dick con vida pero dichas manifestaciones no son algo que se pueda tomar en serio.

En primer lugar porque, tal y como nos han descrito la operación hasta ahora y eso que hemos escuchado y escucharemos para siempre únicamente su versión de los hechos, no parece que los hombres que atacaron la residencia de Bin Laden hubieran tenido el más mínimo problema para atraparle vivo pero ¿era eso lo que en realidad quería el Gobierno estadounidense?.

Bien es cierto que se contaba con el antecedente de Saddam Hussein: su captura, enjuiciamiento y posterior ejecución fueron actos públicos y notorios y todo aquello no se puede decir que produjera ningún efecto contraproducente a largo plazo. Pero no estamos ahora en el mismo caso, Hussein fue juzgado y ahorcado en Irak y (al menos en el aspecto aparente) por sus propios paisanos por crímenes cometidos en dicho país. Bin Laden estaba en Pakistán lugar donde no había cometido ningún acto de terrorismo notorio que se le pudiera atribuir de forma directa. La solución de deportarle a países donde tal cosa sí hubiese ocurrido (Tanzania y Kenia) no parecía muy práctica ya que E.E.U.U. podría no tener tantas facilidades para controlar el desarrollo posterior del proceso como sí pudo hacer en Irak, dejar la cuestión en manos de las Naciones Unidas hubiera sido considerado un insulto para el ciudadano americano que siempre ha sentido una innata antipatía por esta institución. Quedaba pues la salida de extraditarle a los Estados Unidos lo cual tenía todo el aspecto de acabar convirtiéndose en una pesadilla mediática con un juicio que podría prolongarse durante meses y que hubiera sido imposible evitar que se convirtiera en un circo.

En resumen, la solución mejor para todos era simplemente matarle, y es lo que hicieron, Osama Bin Laden fue asesinado. Posiblemente hace algunos años el crimen se hubiese disfrazado de alguna manera, en lugar de matarle directamente se hubiese encargado el trabajo sucio a algún sicario oficial o extraoficial, y de haberse producido de forma directa muchos de los defensores del imperio hubieran negado que estábamos ante un homicidio legal, digamos que de algún modo se hubiesen intentado guardar las apariencias pero hoy en día ya nada de eso tiene importancia.

Veamos, a mí naturalmente Bin Laden me importa un carajo, si se hubiese atragantado con un trozo de pan de pita me hubiera dado igual porque sinceramente ni siquiera creo que él fuera un gran problema después de todo (suponiendo que realmente exista Al Quaeda tal y como nos la han presentado es dudoso que una organización como esa pudiera ser dirigida por un solo hombre y que la desaparición de dicho hombre tuviera alguna importancia estratégica en la guerra contra el terror). Tampoco me siento demasiado impresionado por el espectáculo de toda esa muchedumbre bailando la conga por las calles de las ciudades norteamericanas, por lo que sabemos de cómo se toman este tipo de cosas por allí, esto resulta algo de lo más normal. Ni siquiera encuentro especialmente repelente (una cuestión de tolerancia al veneno supongo) la manera en la que prensa ultraderechista española ha jaleado una operación con la misma pluma con la que hace no mucho denunciaba los crímenes de Estado de la primera etapa socialista.

A mí lo que verdaderamente me estremece es cómo el mundo civilizado, entendiendo como tal los gobiernos de los países democráticos, ha asimilado como una buena noticia el hecho de que un Estado igualmente democrático asesine a un ciudadano particular tras un proceso de busca y captura que posiblemente haya incluido la tortura de otros ciudadanos particulares, y todo eso de forma pública y desprejuiciada.

A este respecto resulta llamativo cómo el único detalle humano que se aprecia en la imagen que ilustra este comentario (y que, a falta de otras más explicitas que posiblemente nunca veremos, ya se ha convertido en la emblemática de este acontecimiento histórico), esto es el de la Secretaria de Estado Hillary Clinton haciendo un gesto de conmoción ante el vídeo del asalto, haya sido explicado por ésta como el resultado de una reacción alérgica. En este mundo donde han caída las caretas, el exterminio de un insecto no puede provocar ninguna clase de desazón.

JP por Perfado

Los desnudos y los muertos

2011-05-08T07:54:00.000-07:00

“Rubber Soul” fue el sexto álbum de “Los Beatles”. No soy ningún beatlelofilo, ni siquiera un beatleamaniaco (si exceptuamos una época de mi vida que se caracterizó por una obsesiva y continua escucha de “Sargent Peppers”, único álbum de los fabs que conozco de memoria), pero creo que no estoy metiendo la pata si afirmo que “Rubber Soul” está considerado como un disco de transición entre la boy band para adolescentes que todavía seguían siendo (aunque ya menos) en “Help” y el grupo de músicos adultos y en constante experimentación que ya habían empezado decididamente a ser en “Revolver”. Incluso en la portada del disco se apreciaba ya cierto estilo nuevo, muy diferente de la imagen mimetizada y sonriente de sus anteriores trabajos (por más que la sonrisa de John Lennon siempre tuvo algo de inquietante incluso durante su etapa más edulcorada).

“Rubber Soul” nunca me gustó demasiado, siempre me causó la impresión de adoptar un tono semejante al que transmitía la mencionada portada del disco, una sensación otoñal, tristona, melancólica, pero no de una melancolía dulce sino de una melancolía chunga, como de estar sentado una tarde lluviosa al borde una charca llena de plantas podridas.

No sé por qué el escritor japonés Haruki Murakami decidió poner a su conocida novela el nombre de “Norwegian wood” (tampoco sé por qué la editora española decidió cambiar dicho título por el de Tokio Blues, quizás porque simplemente le salió del jojoy), viendo la película no se adivina qué tiene que ver la letra de esa canción (la historia de un fugaz encuentro de Lennon con una chica que vive en una casa donde sólo hay vino y una cama) con el complejo argumento que se narra en la pantalla. Quizás leyendo el libro se desvelaría el misterio pero eso es algo que no tengo pensado hacer ni ahora ni en mucho tiempo, y a ese respecto me resultó jocoso el hecho de que fuera uno de los personajes de la película el explicara un motivo que yo asumo como propio (“no pierdas tu tiempo leyendo libros que no han sido bautizados por el tiempo”).

De todos modos lo que está claro es que sí se trata de un libro que ha leído muchísima gente y siempre que una novela tan popular se lleva a la pantalla volvemos a caer en el mismo círculo vicioso. Los lectores del libro acuden bien por simple curiosidad de ver las situaciones y caracteres que conocen convertidos en imágenes, o bien con el afán (invariablemente frustrado) de contemplar la película que ellos mismos se habían imaginado en su cabeza cuando leían el original. Los no lectores del libro en cambio atribuyen las incoherencias y lagunas del guión, así como los personajes y tramas aparentemente superfluas, a un intento de conciliar las inevitables renuncias de una adaptación cinematográfica con el deseo de incluir la mayor cantidad de elementos literarios que resulten familiares al espectador-lector (y cuya ausencia sería por añadidura denunciada por algunos de ellos con enojo, recuérdese la paliza que en su día dieron los frikis de “El Señor de los Anillos” porque en la trilogía dirigida por Peter Jackson se dejó fuera a un tal Tom Bombadil), un intento que, paradójicamente, suele tener un resultado notoriamente anticinematográfico. El problema es que los lectores jamás podrán apreciar las cualidades artísticas de una adaptación porque han adquirido conocimientos adicionales que le permiten dotar de sentido a lo que ven y no pueden ponerse en la piel de un no-lector que no dispone de dichos conocimientos.

Yo por ejemplo, que soy un no-lector, tengo la sensación de que el contexto sociopolítico en el que tiene lugar el relato (el Japón de finales de los años sesenta) debe tener un peso importante en la novela, tanto que no puede dejar de aparecer en la adaptación por más que en dicha adaptación puede parecer un elemento perfectamente prescindible.

El significado real de lo que se narra “Norwegian wood” es, además de todo esto, algo que resulta muy difícil de desentrañar para el espectador no iniciado, y que sólo se desvela en la última frase de la película (que yo entiendo como un epílogo-resumen de todo lo visto anteriormente) en la que Watanabe, el protagonista y narrador de la historia, decide abandonar la ambigua postura que le ha llevado a merodear entre las dos opciones vitales que se le ofrecen en la película, sumergiéndose conscientemente en una y abandonando para siempre la otra.

Esta ambivalencia, repito, se revela en ese epílogo por lo que resulta sencillo el ejercicio de, a partir de ese momento, rememorar y dar sentido a la extraña relación de Watanabe con Naoko, la novia de su mejor amigo que se suicidó cuando los tres eran adolescentes. Esta tragedia arroja a Naoko a un estado de desequilibrio mental permanente del que Watanabe intenta infructuosamente sacarla. Al mismo tiempo el muchacho inicia relaciones con Midori, una compañera de clase que resulta una alternativa sentimental mucho menos compleja que la que ofrece Naoko. En otra de las historias paralelas a la original, y en la que Watanabe es un mero espectador, se contempla también dicha dicotomía entre Nagasawa, un joven dominado por una fría y calculada lujuria, y su novia Hatsumi que permanece apegada a él a pesar de las múltiples infidelidades de las que es objeto.

Con estas trazas podríamos estar ante un melodrama clásico, quizás con un toque algo más existencial que de costumbre, sin embargo me ha llamado la atención la importancia que tiene el sexo (más en un sentido oral que visual pues no hay ni una sola escena de desnudo en toda la película) en una historia que no parecía el escenario propicio para ello. En “Norwegian wood” el sexo es un elemento liberador y opresivo al mismo tiempo y la relación que los personajes establecen con él parece marcar la diferencia en cuanto a su situación en el mundo, de este modo la trastornada Naoko confiesa como a pesar de estar profundamente enamorada de su novio suicida fue incapaz de tener relaciones sexuales con él debido a su frigidez, mientras que el superficial Nagasawa considera el sexo con parejas habituales perfectamente compatible con la relación que mantiene con su novia aunque esta se lo toma desde luego bastante peor.

Pero repito que todas estas conclusiones vienen de una reflexión a posteriori porque con toda sinceridad me pasé gran parte del metraje preguntándome de qué carajo iba la historia. Esto suele ser un problema para casi todas las películas, pero al menos a esta la salvan en parte cosas como el aspecto estilístico (cualidad por la que su director, Anh Hung Tran, es bien conocido), que en ocasiones llega a rozar el preciosismo y el trabajo de sus actores, por más que, como suele sucederme cuando veo películas asiáticas, resulte en ocasiones difícil distinguir quién es quién.

El arte más íntimo.

2011-05-01T10:47:00.001-07:00

De la no muy larga lista de obras firmadas por el director navarro Montxo Armendariz no he visto ninguna de las que más prestigio le han proporcionado, ni su ópera prima “Tasio” ni la muy premiada y nominada “Secretos del corazón”. El resto de su filmografía no resultó ser tan prestigioso y además tampoco he tenido ocasión de verlo si exceptuamos dos títulos: uno fue “Obaba”, desangelada adaptación literaria que por lo visto supuso un intento (ignoro si exitoso o fallido) de crear una suerte de territorio fantástico (al estilo de Comala, Macondo o el impronunciable condado sureño en el que se desarrollaron muchas de las obras de William Faulkner) en el País Vasco. La otra película de Armendariz que también he visto fue “Historias del Kronen”, un título que confieso que en su día sí me sorprendió, quizás porque para entonces no abundaban tanto como hoy los argumentos sobre juventud sin esperanza, no creo que la película soportara hoy un segundo visionado que de todos modos no se producirá.

Seis años después de “Obaba” llega “No tengas miedo”, una cinta que, según el propio director, surgió de una conversación casual con profesionales de la enseñanza y la medicina, seguida de una investigación más pormenorizada que concluyó con la revelación de que los abusos sexuales en la infancia son un problema mucho más extendido de lo que se pueda pensar, tanto que decidió llevar al cine un argumento no demasiado habitual en nuestra cinematografía (al contrario que en otras como la norteamericana donde de hecho constituye un subgénero dentro de los telefilmes de sobremesa)

En mi opinión el problema de “No tengas miedo” podría residir paradójicamente en ese cuidadoso trabajo de investigación previo que convierte el filme más en un documental dramatizado que en una película de cine. En efecto toda la progresión del drama de Silvia (Michelle Jenner) durante su niñez, adolescencia y juventud parecen una mera escenificación de las diferentes etapas por las que pasa una víctima de abusos sexuales: la confusión, el miedo, el aislamiento, la adicción (en este caso la ludopatía) como forma de combatir el stress provocado por el trauma, las tendencias suicidas, el comportamiento errático y antisocial de la abusada, la negación y la complicidad pasiva por parte de la madre, la insólita vinculación sentimental que impide a la víctima separarse del verdugo… Como se ha dicho más que contar una historia Armendariz pone imágenes e interpretación artística a lo que parece un estudio de las diferentes secuelas que padecen las personas que han sufrido en sus carnes este problema. De hecho la narración se ve constantemente alternada por videos en los que hombres y mujeres de diversa edad describen dichas secuelas en primera persona.

“No tengas miedo” es pues una película de denuncia con todas las connotaciones positivas y negativas del término, en el aspecto positivo señalar la manera en la que las diferentes escenas están construidas y cuidadosamente filmadas y en ocasiones incluyendo conceptos brillantes como esa idea de colocar la cámara a la altura del punto de vista de la niña -de tal modo que sus padres y otros adultos aparezcan fuera de campo- o el momento en el que se representa de forma parcialmente explicita uno de los abusos cometidos con el padre, una escena que no por tener que recurrir al lógico off visual resulta menos estremecedora.

En el aspecto negativo destacar que la película nunca termina de despegarse (a lo mejor porque no quiere hacerlo) de ese tono documental antes mencionado, lo que a la postre perjudica los aspectos dramáticos del argumento, muchos de los cuales son, de forma deliberada o no, decididamente anti climáticos. Una muestra de ello es la escena en la que Silvia desvela lo ocurrido a su madre (Belén Rueda), un momento que pretende ser tan impactante como la celebre escena similar de “Festen” sin conseguirlo en absoluto.

Aunque quizás el ejemplo más claro se da en la representación del enfrentamiento definitivo entre Silvia y su padre (Lluís Homar tan lamentable como de costumbre aunque reconozco que esto es una manía personal), una escena que debería ser el punto culminante del filme pero que resulta tan insulsa que su conclusión deja al espectador indiferente.

En resumen “No tengas miedo” resulta una mejoría del cine de Armendariz con respecto a “Obaba” (tampoco es que esto sea decir mucho) pero tanto si se quiere ver simplemente una película con una fuerte carga dramática como si se prefiere asistir a una muestra de cine de denuncia social, es mejor acudir a otros títulos como la ya nombrada “Festen” o incluso una película española no muy conocida (quizás por haber sido filmada en lengua catalana) llamada “Elisa K” que, con un argumento muy parecido al de la cinta que nos ocupa hoy, resulta un ejercicio bastante más interesante, por más que contenga una de las más espeluznantes escenas de sobreactuación que se haya visto nunca cortesía de la actriz Alina Clotet.

Post Data de última hora que no tiene nada que ver con la película y sí con algo de lo que hemos tenido noticia hoy lunes

Versión imposible

2011-04-26T11:17:00.000-07:00

A la espera de un post en el que pienso ciscarme en la traducción de libros les pongo una versión de "La noche de que te hablé" de Leño en francés y a ritmo de vals.

http://www.goear.com/listen/f2bc375/la-nuit-dont-je-tai-parle-dwomo

Where is everybody?

2011-04-17T10:10:00.000-07:00

No tenía pensado ir a ver “Código Fuente” porque es un tipo de películas que no suelo ver hasta que encuentro un motivo para hacerlo. Y el motivo me lo dio la crítica publicada en “El País” del pasado viernes por Jordi Costa (del que seguro que ya he dicho en otras ocasiones que suele ser alguien de cuyo criterio me fío). Por añadidura en dicha crítica me enteré de que el director de la cinta es Duncan Jones el director de “Moon”.

La agradable, y no muy conocida, opera prima de Jones era una película con autoconsciente vocación de homenaje al cine de SF de los años setenta del que “Alien” “Saturno 3” y sobre todo “Silent Running” serían ejemplos emblemáticos, y no es que se tratara de algún remake de carácter reivindicativo-paródico, al contrario y tal y como el propio director afirmó en su día, le gustaba considerar su filme como “una película de ciencia-ficción de los setenta que hubiera permanecido oculta hasta ahora”.

En la nueva entrega de Jones se aborda un tipo de thriller trufado de elementos pertenecientes a la ciencia ficción con un estilo más moderno y por lo tanto también inevitablemente multirefrencial. En lo que se refiere a dichas referencias Jordi Costa mencionaba en su crítica títulos como “The groundhog day”, la serie “Quantum Leap”, el episodio “Monday” de la sexta temporada de “Expediente X” ( este último no lo conozco pero eso es algo que ya estoy solucionando), y el primer capítulo de la inmortal “The Twilight Zone” (por más que este parecido sólo haga mención a un aspecto del decorado del filme, aunque habrá que hacer referencia a otra circunstancia que relaciona la película con la mítica serie y de la que hablaremos más tarde).

Yo, y cada espectador, podría añadir otras influencias que en mi caso irían desde “El efecto mariposa” pasando por “Nivel 13” hasta llegar incluso a “Johnny cogió su fusil”. Pero si tuviera que mencionar la referencia más clara y directa de “Código fuente” habría que remontarse tan sólo a unos años atrás y hablar de “Deja vu”.

La película de Tony Scott comparte con la de Duncan Jones varios elementos característicos: un argumento adscrito en un principio a los parámetros del thriller, pero con la variante de que el crimen en cuestión debe resolverse acudiendo a innovadoras técnicas científicas, aunque más que innovadoras habrá que hablar más bien de fantásticas e incomprensibles. Ambas películas tienen, a mi entender, el acierto de no dar explicaciones demasiado prolijas acerca de sus extravagancias pseudo científicas, unas explicaciones que por otro lado sólo un pelmazo exigiría, aunque la verdad tampoco considero aconsejable apoyarse en algo tan ridículo como aquellos “papeles mágicos” de “El efecto mariposa” y otras tonterías por el estilo.

A partir de esta excusa argumental “Código fuente” se desarrolla alrededor de una estructura en círculos que incorpora más información a medida que se produce un nueva vuelta de tuerca, y por más que las claves de la trama quedan al descubierto a poco de empezar el filme, dicha trama no decae nunca en intensidad. Bueno más bien diría casi nunca. Y es que la segunda película de Duncan comparte con “Moon” el mismo defecto que no es otro que un cierto desequilibro en su estructura (del que por ejemplo no adolecía la reseñada “Deja vu”) que me gustaría pensar que obedece a la bisoñez del realizador.

En efecto el desarrollo de la película parece más propio de uno de esos capítulos de entre 20 y 50 minutos del estilo de “Twilight Zone” (o de alguna de las innumerables series que siguieron su estela) que de una película de 94, y eso deja en los últimos 20 minutos de la cinta la desagradable sensación de que estamos viendo un relleno sólo explicable por el hecho de que es necesario alcanzar una duración estándar de hora y media de metraje.

He leído también algunas quejas con respecto, no ya a la duración del último segmento de la película, sino al contenido del mismo, es decir, al final. Cuando Duncan Jones aceptó voluntariamente salir del ámbito marginal (es un decir) en el que había desarrollado “Moon”, para zambullirse en las miserias de una producción típica de Hollywood, posiblemente tuvo que aceptar en el trato el dar una conclusión que el público igualmente típico de dichas producciones considerara aceptable. Y aunque la citada conclusión dista mucho de ser un “happy end” (algo que cuando vean la película comprenderán que es un imposible) sí que trasmite el mensaje de ser una claudicación y una prescindible coda para un final que minutos antes se había revelado como perfecto.

De todos modos no creo que a “Código fuente” se le pueda tampoco pedir más de lo que nos da, un producto que sin abandonar la pretensión de espectáculo popular no maltrata la inteligencia del espectador y en cualquier caso considero que su visionado es una buena forma de pasar esta interminable semana que nos espera.

El diablo jamás sabrá que has muerto

2011-04-10T12:31:00.001-07:00

¿Reconocen este rostro? ¿Saben quien es este hombre? Apostaría a que no ¿verdad? Bueno no se apuren, yo mismo, pese a ser un director cuya obra admiro desde hace mucho, reconozco que podría haber hecho el vuelo Santa Cruz de Tenerife-Canberra sin saber que estaba sentado al lado de Sidney Lumet.

Con Lumet se puede repetir lo mismo que ya afirmábamos al hablar del también finado recientemente Blake Edwards, es de esos realizadores que te sorprenden cuando revisas su trayectoria y te das cuenta del elevado número de películas de calidad que contiene, sobre todo porque es un nombre que no aparecerá nunca en esa lista de grandes directores en la que tampoco estaba Blake.

Lumet perteneció a lo que se dio por llamar “Generación de la televisión” (junto a otros como John Frankenheimer y Sidney Pollack), un grupo de realizadores nacidos a finales de los años veinte y principios de los años treinta y que dieron sus primeros pasos precisamente en la pequeña pantalla. Se les considera una generación puente entre los grandes mitos del Hollywood clásico y los cineastas de la “Nueva ola” razón por la que nunca han recibido demasiado reconocimiento. Si dicho reconocimiento fue negado con o sin merecimiento es algo que podría discutir con respecto a los compañeros de quinta de Sidney, pero no con respecto a él, razón principal por la que me he decidido a rendirle este modesto homenaje.

Revisando su filmografía se comprueba en efecto que sus primeros años como profesional están relacionados con la realización de películas y series de televisión hasta que en 1957 llegó “Twelve angry men”, que posiblemente siga siendo uno de sus títulos más conocidos (al menos en España siempre fue una historia muy popular debido a la adaptación que se hizo para nuestra televisión y que les adelanto ya que es absolutamente intragable).

Basada en una obra de teatro y con una realización igualmente teatral (o de teatro para televisión mejor dicho) es la historia de un jurado más que predispuesto (como sospecho que suele ser habitual) a condenar a un adolescente por el homicidio de su padre, un solo hombre se enfrentara a todos para al menos introducir el concepto de duda razonable.

“Twelve angry men” es un drama de estilo sobrio y directo apoyado en un conjunto de excelentes actores de reparto (con la excepción de Henry Fonda naturalmente que también era excelente y además una estrella) que trata sobre todo de los prejuicios más comunes que conducen a los hombres a establecer un veredicto anticipado sobre los demás (y eso que hoy por hoy hacer una película sobre un jurado compuesto enteramente por varones blancos sería imposible), sin embargo existe un componente más perturbador incluso que sospecho que subyace en el fondo de la trama. Me refiero a que ¿no podría esta historia ser la de un egocéntrico que sabiéndose superior intelectualmente a sus compañeros se dedica a demostrarlo haciéndoles cambiar de opinión por simple pasatiempo? Posiblemente paranoias mías.

Ignoro si la película fue un éxito en su momento pero si tal cosa sucedió ello no indujo a Lumet a dejar la caja tonta en la que siguió firmando múltiples trabajos que alterno con otros títulos menos conocidos o al menos desconocidos para mi (como “Piel de serpiente” con Marlon Brando). Ya en la década de los sesenta dirigió dos películas que sólo he visto a medias y que me gustaría recuperar algún día: hablamos de “Larga jornada hacia la noche”, adaptación de un texto autobiográfico del dramaturgo Eugene O´neill protagonizada por Katherine Hepburn, Jason Robards y un jovencísimo Dean Stockwell ; la otra es “El prestamista”, la historia del misántropo propietario de una casa de empeños en Harlem (Rod Steiger mereció una nominación al Oscar por su interpretación) que esconde un horroroso trauma del pasado. En esta película Lumet abandona su reseñado tono sobrio para entregarse a algunas veleidades artísticas producto de la inevitable influencia del estilo de las obras de John Cassavettes y otros cineastas innovadores.

Ese mismo año Lumet filmó una excelente película que descubrí gracias al programa de José Luis Garci. Se trata de “Fail Safe”, una historia casi idéntica a “Dr. Strangelove”, tanto que ésta parece una parodia de aquella, algo poco probable pues ambas son producciones de 1964. “Fail Safe” es un nuevo drama protagonizado por Henry Fonda en el que Lumet hace gala de una extraordinaria habilidad para generar un suspense casi insoportable con un estilo aun más minimalista que en “Twelve angry men” (gran parte del metraje se compone únicamente de planos fijos de Fonda y Larry Hagman).

Al año siguiente Lumet volvió a dar en el blanco con “La colina” un peculiar drama carcelario, peculiar porque tiene lugar en una prisión militar británica situada en el desierto de África durante la Segunda Guerra Mundial. En este microcosmos el realizador norteamericano analiza nuevamente las relaciones de poder, el sadismo y la manipulación en un conjunto decididamente pesimista. Protagoniza Sean Connery

Para encontrar otra película de Lumet que recuerde haber visto tenemos que saltar hacia adelante y llegar al año 1972 con “La ofensa” también protagonizada por Connery. De esta película ya se comentó algo en aquella entrada que dedicamos a hablar de películas “raras” así que me limitaré a repetir lo que dije entonces.

Es la historia de un policía trastornado (como muy pocas veces se ha mostrado en pantalla) por la violencia de la que ha sido testigo a lo largo de su carrera, algo que provoca en él una reacción extrema que le lleva a protagonizar un estremecedor viaje hacia el interior de su mente que, como es habitual, no suele tener vuelta atrás.

En los setenta hizo Lumet algunos de sus mejores trabajos, es posible que esa dura y desencantada década le viniera como anillo al dedo a su estilo “televisivo”. Lamentablemente tampoco he podido ver “Serpico” en su totalidad pero sí que he visto varias veces otra película igualmente interpretada por Al Pacino, me refiero a “Tarde de perros”, un filme que con el paso del tiempo se ha convertido en uno de los más celebrados de este actor y también en un verdadero emblema del cine de aquellos años, una historia a la vez trágica e hilarante, tierna y áspera, absurda y al mismo tiempo reveladora, con un final que es el equivalente fílmico a un puñetazo en el hígado. Si sólo se me permitiera elegir una película de Lumet que todos deberían ver posiblemente fuera esta.

1976 fue el turno de “Network”, otra película por la que también siento especial debilidad y que igualmente me viene a la cabeza (o por lo menos a la mía) cuando se habla de la fractura social de la década de los setenta. Con la excusa de contar la historia de un locutor (Peter Finch) que anuncia en directo su intención de suicidarse, se hace un cínico e incisivo análisis del papel de los medios de comunicación de masas. A Finch le acompañan nada menos que William Holden, Robert Duvall y Ned Beatty en una película que parece una concatenación de escenas inolvidables.

Curiosamente Lumet abordó en el año siguiente un filme de temática y estilo radicalmente diferentes, me refiero a “Equus”, otra adaptación de una obra teatral. Se trata de un perturbador drama en torno al tratamiento psiquiátrico de un adolescente que ha cometido un monstruoso acto de crueldad. Richard Burton interpreta al médico que tratará de escudriñar en la mente del joven donde descubrirá cosas aun más importantes sobre sí mismo

Resulta un poco presuntuoso pontificar sobre cuales son las películas en las que un director está artísticamente implicado y cuales son los títulos meramente alimenticios. No obstante es inevitable pensar que alguien que había llevado a la pantalla historias tan intensas como las que hemos descrito hiciera a continuación algo tan marciano como “El mago” un remake de “El mago de Oz” con Diana Ross haciendo de Dorothy y Michael Jackson de Espantapájaros. Por supuesto no la he visto ni conozco a nadie que lo haya hecho pero parece una de esas cosas sobre las que es mejor no investigar ni siquiera por puro interés morboso.

Ya en los ochenta resulta más difícil encontrar tantos títulos de interés como en la década interior pero de entre todos ellos destaca con luz propia “Veredicto final”, película de la que también hablamos extensamente cuando repasábamos la larga y venturosa carrera de Paul Newman, posiblemente se trate del último gran título de Lumet que además fue nominado al Oscar al mejor director.

Del resto de la filmografía de aquellos años podríamos mencionar “La trampa de la muerte”, una película de suspense “teatral” un poco al estilo de “La huella” aunque sin llegar, desde luego, ni a la suela de los zapatos de la gran obra de Mankiewicz. Ya en 1990 podríamos también decir algo de “Q & A”, una película con la que puede que el director tratara de reverdecer los laureles del pasado sin conseguirlo del todo puesto que, en este caso, la austeridad se veía sustituida por el exceso merced a una acumulación de tópicos raciales y la actuación descontrolada de Nick Nolte.

De las dos últimas décadas de su vida y su carrera no hay mucho que decir, tan solo nombrar un thriller de medio pelo protagonizado por Melanie Griffith (“Una extraña entre nosotros”) que no logró interesarme lo bastante como para recordar como terminaba y un innecesario remake de “Gloria” (el único éxito de público del cineasta John Cassavettes) que no tengo intención de ver nunca.

Pero el veterano cineasta se guardaba un as en la manga y se despidió del mundo con una película que volvería a dar que hablar. Se trata de “Antes que el diablo sepa que has muerto” un filme invadido de un tono oscuro y fatalista que recuerda a clásicos como “El cartero llama dos veces” o “Detour” y en el que destaca la soberbia interpretación (una mas) de Philip Seymour Hoffman. Sin ser una película perfecta resulta una digna despedida para una carrera provechosa, otros directores no tuvieron tanta suerte con los filmes que cerraron su trayectoria

Ahora Sidney Lumet ha muerto y con él desaparece el último superviviente de su generación, sus colegas de origen y estilo tuvieron también carreras interesantes y películas destacables pero personalmente ninguno de ellos tenía para mí el mérito suficiente como para dedicarle un homenaje como el de hoy, pero Lumet era diferente.

Fort Apache

2011-04-03T11:55:00.001-07:00

No suelo hablar por aquí de novedades literarias porque lo cierto es que casi nunca leo novedades (de hecho casi nunca leo y basta), pero dado que alguien con quien desde hace algunos años guardo relación virtual (que incluso se transformó en real en cierta ocasión) ha escrito y publicado un libro me parecía casi obligado no sólo comprarlo sino decir algo acerca de él.

Tuve la mala idea de comentar en el blog de Cinephilus (que es el seudónimo internetero de Fernando J. López, el autor del libro) que finalmente había adquirido un ejemplar de su obra, una mala idea porque si el libro no me gustaba me vería en la duda de contar la dolorosa verdad o mentir, y no es que mentir se me de mal (de hecho soy un verdadero experto), pero resulta que hace tiempo decidí que Internet sería el único lugar en el que trataría de decir siempre la verdad. Pero por fortuna no ha habido ocasión para que tal conflicto se produjera.

“La edad de la ira” me ha supuesto una sorpresa agradable y otra desagradable y es que me ha gustado por motivos distintos a los que yo esperaba. Los que ya lo hayan leído o al menos conozcan algo de su argumento sabrán que el libro se desarrolla bajo una doble vertiente: con la excusa de la investigación periodística de un parricidio cometido por un chico de 16 años, se trata de establecer una suerte de análisis de las siempre complejas relaciones de los adolescentes con el entorno que les rodea, y en especial con el mundo de la enseñanza pública. Lo cierto es que el argumento sobre los motivos del crimen que, como se ha dicho, aparecía como un mero pretexto se acaba por revelar como lo mejor de “La edad de la ira”, una trama que progresa de forma brillante a medida que el investigador interroga a los diferentes protagonistas del drama y que contiene al menos un par de giros inesperados que me han causado perplejidad (y esto, modestia aparte, no suele ser habitual en alguien que como yo está acostumbrado a este tipo de historias) y que termina con un suspense casi imposible de soportar.

En cambio la sorpresa desagradable gira en torno a lo que se supone el tema principal del libro, esto es el entorno social y académico en el que se desarrolla el crimen. Hay algo en dicho entorno y en las personajes que lo habitan (alumnos, profesores, padres,…) que me resulta totalmente disonante, no acabo de creerme a esos chicos de 16 años violentos y malhablados que sin embargo tienen una doble vida de ratones de filmoteca, ni a esos profesores que oscilan entre el retrato edulcorado y el semblante de un celador del orfanato de Oliver Twist pasando por la mera indolencia, ni a esos padres caníbales, ni en general a ese tenebroso sistema de enseñanza pública que parece empeñado en generar un cataclismo social que nos asolará durante años y que estaría causado, más que por un plan diabólico urdido por el lobby de la educación concertada, por una mezcla de incompetencia, ceguera voluntaria y buenísimo (doctrina política parte de la cual consiste en aprobar hermosas leyes sin tener ni idea de cómo materializarlas).

Y he aquí mi paradoja personal a propósito de “La edad de la ira”, lo que yo juzgo como un retrato poco verosímil de la cotidianeidad en un instituto de enseñanza media tiene que serlo forzosamente, porque está escrito por alguien que no se ha acercado al problema de un modo circunstancial (como hace el periodista narrador de la historia), sino que es un profesional de la enseñanza y por lo tanto no hay más que admitir que los hechos y personajes descritos en el libro deben estar del mismo modo basados (de forma más o menos directa y prescindiendo de la evidente distorsión dramática) en hechos y personajes reales. Y dado que no tengo hijos ni ninguna relación directa con nadie que tenga menos de 30 años (o que tenga hijos en edad escolar) y que por lo tanto no puedo contrastar las experiencias del autor de la historia, no habrá más que concluir que mi principal objeción a “La edad de la ira” no está causada más que por el desconocimiento.

Y si tal cosa fuese cierta entonces aumentaría mi estimación por el libro de Fernando-Cinephilus que de momento ya cuenta con ella gracias, sorprendentemente, a una trama casi puramente detectivesca. Recomendable.

La foto. Una cuestión de estadística.

2011-04-01T12:12:00.001-07:00

En realidad no hay nada de lo que asombrarse. Pensemos en los cientos (¿miles?) de millones de cámaras que hay en el mundo, todas disparando continuamente. Ya había muchas en la época pre digital así que imaginense ahora. En estas condiciones ¿cómo sorprenderse de que en una de las infinitas combinaciones posibles de espacio tiempo un fotografo capte la imagen del que un segundo después se convertirá en su asesino?. Lo dicho, una cuestión de estadística.

SisterBoy Drama

The circus is over

Street fighting man

Drive by shooting

Holanda ya se ve

¡A por uvas!

Magic and loss

¿Por qué la gente caminaba tan deprisa en aquella época?

Analyze this

Reliquia de un mundo olvidado.

La película misteriosa: Shock corridor

Kiss me deadly

You can´t piss on hospitality!

La foto: ¡La imaginación al poder! (en este caso a la oposición)

Europa Europa

Abecedario del crimen. Capitulo XXI. From hell to eternity

Smashing Pumkins

Sesion doble (una vez más)

Okerbideak ezpaitaki mintzaerarik, berdin tratatzen baitu erdalduna eta euskalduna.

Sesion doble (otra vez)

Sesión doble.

Primera y última encuesta

No rest for the wicked

Una búsqueda y una invocación

Poupee de chiffon

The day The Earth stood still

Los ojos sin una cara

Beat my guest

The song remains the same

Letting go

Elegancias

Don´t mug yourself

You finally made a monkey out of me

Summer of David (y 2)

Dating

Army of me

Summer of David

El share del terror

El tren del terror

La frase de la semana.

If six was three

No significa cuánto.

La escena: The beach bitch

Last night i watched myself sleep

IO STAVO CON﻿ LIBANESE!!!!!!!!!

No time like the past

Ellos sí le hubieran votado a usted.

Canciones para una revuelta.

Canciones para una revuelta.

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Where is everybody?

El diablo jamás sabrá que has muerto

Fort Apache

La foto. Una cuestión de estadística.

IO STAVO CON LIBANESE!!!!!!!!!