Visto y a veces no oído.

1. LA PERDICIÓN DE LOS HOMBRES

Película turca de ciento cincuenta minutos de duración. Algunas personas podrían pasar lo primero pero no lo segundo, o viceversa, pero la idea de la combinación de ambas está claro que produce cierta aprensión incluso en cinéfilos curtidos como el que esto escribe.

Existe cierta tendencia a criticar la motivación de un metraje tan excesivo – puesto en relación con los noventa minutos que suele durar una producción media-, en ocasiones he compartido dicho criterio con según qué película pero en este caso no podría hacer tal, puede ser que “Érase una vez en Anatolia” dure mucho pero no hay en ella nada que sobre, todos y cada uno de esos ciento cincuenta minutos antes mencionados tiene su justificación a la hora de explicar la historia y el temperamento de los personajes que en ella intervienen.

En cuanto al carácter turquesco del filme, tampoco es algo que debiera influir en cualquier análisis del visionado de esta película, porque lo que se cuenta es algo que hemos visto en muchas otras: puede suceder en un campo nevado de Dakota del Norte (Fargo) o en un llano en llamas de México (La perdición de los hombres): es la historia de un crimen rural, un hecho vulgar, violento y grotesco, que sin embargo consigue retratar el ambiente en el que se desarrolla y provoca diversas reacciones entre los que asisten al pequeño drama haciendo que –algunos- se replanteen su lugar en un mundo en el que se puede desaparecer súbitamente en medio de un resplandor de mediocridad.

En este caso se narra cómo una comitiva de funcionarios judiciales, policías y soldados recorre las colinas de Anatolia en busca de la victima de un crimen cometido por oscuros motivos. El cortejo transita de forma estéril las desoladas regiones en busca del cadáver enterrado, un transito que produce diversas reacciones entre los protagonistas del monótono vagabundear aunque todas ellas giran principalmente en torno al cansancio, el  hastío y la exasperación por un crimen inescrutable y un procedimiento que parece no tener fin. Un inesperado arrebato lírico en medio de este sórdido ambiente marca un punto de inflexión en el desarrollo de la película que de la oscuridad (física y mental) de su primera hora de metraje pasa a un retrato algo más costumbrista sin dejar a un lado cierto tipo de reflexión filosófica que, por el contrario, podría aplicarse en cualquier lugar del mundo y en cualquier época de la historia.  

2. FENÓMENOS EXTRAÑOS

 

Los productores del “Calígula” de Tinto Brass decidieron añadir una serie de insertos pornográficos a lo largo de todo el metraje con el fin de estimular su visionado (era el año 1979, ustedes entenderán). Con la última película de Isabel Coixet ocurre algo parecido.

El filme se ha vendido como una especie de metáfora sobre la crisis en la que estamos inmersos desde hace siete años, sin embargo todo lo que en la película tiene que ver con esta cuestión (el ambiente político-social mostrado a través de noticieros y titulares de periódicos así como las referencias que al tema hacen los dos únicos personajes protagonistas) resulta obvio, forzado, desagradable y además da la sensación de ser un añadido al guión original con la idea (o al menos esa la impresión que se transmite) de dotar al filme de un valor añadido que en el fondo nada tiene que ver con lo que en realidad se quiere contar.

Lo curioso es que la película va ganando a medida que se despoja progresivamente de todo este  incomodo bagaje y se acerca a lo que posiblemente debió ser en su origen: la historia de una pareja que tras una prolongada separación (provocada por un trágico suceso) se reúne para ajustar una larga serie de cuentas pendientes, así pues podríamos resumir rápidamente esta película como una historia que fracasa en lo simbólico y triunfa en lo íntimo y personal. Bueno quizás la palabra “triunfar” sea un poco excesiva dado que el principal lastre que arrastra la película, aparte del ya mencionado, es la autoconsciente, teatral, excesiva y casi risible interpretación de Candela Peña, sobre todo si se la compara con la sobria y ajustada del siempre (desde los tiempos de “Ay Señor Señor” hasta nuestros días) de Javier Cámara. No sé si Candela Peña es buena o mala profesional, no he visto demasiadas películas de ella, pero desde luego en esta dan ganas de que parte del rocoso decorado del filme le caiga en la cabeza, pero hay que decir que también hay momentos en los que su trabajo resulta sobresaliente, son esos en los que la actriz se olvida de actuar y se pone a actuar (yo tampoco lo entiendo).

3. TATA GUGU

 

“Nana” es básicamente 60 minutos de una nena de 5 años haciendo sus monerías. Nada que objetar, la película al final resulta un ejercicio agradable de ver en sí misma, pero intentar encontrar algún sentido simbólico (como el que podría ser la repetición de los primitivos rituales campestres de los adultos) a esta versión ampliada y mejorada de un vídeo doméstico es un ejercicio destinado al fracaso. 

4. EL SÍNDROME DE ULISES

 

Entre “Malas Tierras” (su primer largometraje) y “Días de cielo” Terence Malick dejo pasar cinco años, su siguiente filme, “La delgada línea roja”, tardó diez años en estrenarse, luego pasaron otros siete años hasta que llegó “El nuevo mundo”, y más tarde  seis años más hasta que se presentó “El árbol de la vida”.

El hecho de que “sólo” un año después de su último estreno (y hay noticias de otros tres filmes en post producción lo que a lo mejor simplemente nos indica que el señor Malick ha caído en la cuenta de que la vida es muy corta) se haya presentado asimismo un nuevo proyecto, unido al hecho de que dicho nuevo proyecto “sólo” duraba 112 minutos (cuando la medía de sus tres últimas producciones era de 148) hizo que la comunidad cinéfila se amoscara un poco ante la llegada de “To the wonder”. 

 

Estaba claro que tras alcanzar la excelencia con “El árbol de la vida” (opinión que comparto con algunos matices) no era fácil que en tan poco tiempo los devotos de su cine soportaran una nueva obra maestra trascendental, porque precisamente las objeciones a “To the wonder” no han venido de los detractores de Malick (o más bien de los detractores del tipo de cine que Malick representa) sino precisamente de aquellos que habían caído subyugados por su anterior obra.

Antes que nada tengo que decir que mi opinión sobre la película está forzosamente alterada por el hecho de que tuve que verla en versión original y sin subtítulos, un esfuerzo inevitable si se tenía en cuenta que los diálogos son, además de en inglés, en francés, español e italiano. En cualquier otro filme esta circunstancia hubiese sido un serio hándicap pero lo cierto es que si existe un estilo fílmico en el que lo visual esté por encima de lo narrativo es precisamente el que practica Malick. Es posible que, precisamente por esta circunstancia, no haya prestado demasiada atención a los avatares sentimentales de los protagonistas de esta historia y sí más a un cúmulo de sensaciones (potenciadas por las habilidades estilísticas de Malick así como por su delicado uso de la banda sonora) que reflejan de un modo, que para mí no tiene precedentes, la sensación de desamparo y extrañamiento de dos personas forzadas a vivir en un ambiente que les es ajeno, incluso aunque el resto de la película careciera de valores artísticos (que tampoco es el caso) las imágenes de Marina (una joven francesa) y el padre Quintana (un sacerdote de origen español) recorriendo con desconcierto (que resulta doble en el caso del clérigo pues a la desazón del extranjero se une la progresiva pérdida de la fe cristina) el paisaje aséptico (un mundo según Marina “limpio, honesto y rico”) de las ciudades y praderas de Oklahoma harían que la experiencia de ver esta película valiera la pena.