Thursday, July 17, 2014

SESIÓN DOBLE ESQUIZOIDE

IN TROUGH THE OUT WINDOW




En este blog hemos seguido estrechamente la carrera profesional de Nacho Vigalondo aunque tampoco es que haya sido muy dilatada la verdad. Obviamente no hablamos en su día de su irrupción en el panorama cinematográfico nacional, a través la nominación al Oscar por el mejor cortometraje, por tratarse de algo que sucedió antes del nacimiento del blog pero luego hemos comentado sus siguientes estrenos así como su desafortunada polémica virtual a cuenta de una desagradable chanza sobre el holocausto.

Ahora, dos años después de su último filme y seis después del primero (muy a favor de los directores que espacian tanto sus proyectos aunque es inevitable pensar cómo se ganan la vida entre medio especialmente cuando se trata de realizadores de proyectos con escaso éxito en taquilla) llega “Open Windows”, una película en la que me decidí a entrar sin saber nada a excepción de ciertos comentarios lisonjeros emitidos por personas públicas y privadas cuya opinión suelo tener en cuenta.

Lo cierto es que ese desconocimiento previo provocó que desconociera asimismo el hecho de que se trataba de un producción protagonizada en su mayoría por actores no españoles, con lo cual fue filmada en versión original en inglés y luego doblada para su estreno en nuestro país, de haberlo sabido posiblemente hubiera esperado a hacerme con la película por los habituales canales secundarios porque el doblaje en esta ocasión es especialmente infecto (indescriptible la experiencia de ver a Carlos Areces con otra voz).

Aparte de esto hay que decir que “Open Windows” es básicamente una historia puesta al servicio de una forma especial de narrar que consiste en mostrar la acción a través de los objetivos de diversas herramientas de grabación y difusión de imágenes, especialmente desde la pantalla de un ordenador portátil, es decir no existe lo que llamaríamos una cámara-objetivo que represente la visión en tercera persona que tradicionalmente corresponde al espectador. Es pues como ya hemos dicho una de esas películas en las que la forma se superpone al fondo (existe cierta disquisición sobre los efectos efímeros de la fama y sobre la influencia de las nuevas formas de comunicación en la experiencia social moderna pero es demasiado difusa como para ser tenida en cuenta) en una especie de desafío personal del director por ser capaz de llevar a buen fin una forma de narración no exenta de dificultades, lo cierto es que Vigalondo consigue sobreponerse con brillantez a dichas dificultades por más que por el camino se atasque en una trama demasiado extravagante y en el fondo carente de interés.

Conociendo un poco la trayectoria y las ideas del realizador no es difícil adivinar que estamos sobre todo ante el filme pergeñado por un mitómano postmoderno (ese tipo de cineastas que nación a principios de los noventa con Quentin Tarantino al frente) al que le ilusionaba hacer un homenaje a Brian de Palma (por más que todo el mundo mencione la influencia de Hitchcock en “Open Windows” mi opinión es que se trata de un claro homenaje al director norteamericano) que además estuviese protagonizado por su actriz porno favorita.


IM A CYBORG BUT ITS OK




Basada en un best seller dirigido a jovenzuelos, el argumento (que básicamente se podría resumir como perteneciente al subgénero “joven y condenada a morir”) y el desarrollo de una película como esta no debería disgustar a alguien que, como yo, disfruta de los placeres culpables de los telefilmes de sobremesa que programa Antena 3 sábados y domingos.

Lo gracioso de las películas que no pretenden ser la típica “historia de algo” (en este caso se trata de personajes con enfermedades terminales pero se podría decir lo mismo de cualquier otro género o subgénero), es que por supuesto terminan por serlo e incluso de una forma más típica de lo normal lo cual me parece perfecto porque es exactamente lo que pretendía ver. La película de este modo responde a las expectativas creadas de forma completa y sólo alguien que no estuviera informado previamente del contenido y del tono del filme puede quedar sorprendido o defraudado por el espectáculo.

La sensación que transmite el visionado de esta película es cálida aunque es cierto que se trata de una calidez algo complaciente, como cuando te sientas a ver un partido de Copa del Rey entre tú equipo y otro de segunda división y ya sabes que tú equipo va a ganar por goleada, aunque, como en el caso de la alegoría futbolera, todo está resuelto demasiado pronto y suele sobrar la segunda parte, algo parecido ocurre aquí, la película dura demasiado sobre todo para este tipo de argumentos (y personajes) tan simples que se pueden explicar en cuatro líneas y en los que no es posible ninguna sorpresa o giro extravagante.

Sunday, June 22, 2014

DIEZ PASOS VACILANTES EN LA ZONA CREPUSCULAR. NOVENO PASO. TO SERVE MAN.





Emitido por primera vez el 2 de Marzo de 1962 durante la tercera temporada.

 

Es este un episodio también muy conocido y popular (homenajeado al igual que el anterior por “Los Simpsons”) pero que al mismo tiempo marca un tono diferente al resto de la serie. Como se ha dicho numerosas veces a lo largo de esta pequeña antología, muchos de las narraciones presentadas por Serling tienen una marcada finalidad moral o de alegoría sobre la condición humana (ya sea en su vertiente más optimista como en su reverso tenebroso), en algunas otras en cambio se rebaja (aunque nunca hasta el punto de desaparecer del todo) dicho contenido para regalarnos relatos de puro terror y/o ciencia ficción. Sin embargo este es el único capítulo que recuerdo que pueda calificarse plenamente como un cuento de horror en su vertiente más grotesca y grandguiñolesca (de las diferencias entre el terror y el horror se pueden encontrar diversas teorías yo me basto con afirmar que teniendo claras dichas diferencias me resulta difícil definirlas en palabras), una historia que no deja esa sensación reflexiva y gozosa, aunque distante, del tradicional relato de miedo sino un estremecimiento igualmente gozoso pero mucho más desagradable.

 

Basado en un cuento homónimo  aunque guionizador por el propio Serling, el punto de partida en esta ocasión es el clásico conflicto argumental de postguerra de la tierra visitada por unos alienígenas (denominados “kanamitas”)  que en esta ocasión adoptan el aspecto de humanoides extraordinariamente altos y de cabeza prominente (un semblante que produce al mismo tiempo hilaridad e inquietud) y que traen consigo un mensaje de paz y concordia entre razas. Cuando uno de los kanamitas  se deja olvidado un libro en su visita a la Asamblea de las Naciones Unidas las fuerzas armadas se empeñan en descifrarlo, una labor que termina por precipitar la acción hacia un escalofriante final (lo sigue siendo aún pero una vez más hay que hacer un esfuerzo por imaginar lo que tuvo que suponer en su día) que tiene mucho que ver con el doble sentido que se oculta tras la frase que da título a este episodio.

 

Como anécdota contar que los diferentes alienígenas que aparecen en el capítulo están todos ellos encarnados por Richard Kiel que años más tarde dio vida al villano”Jaws” en un par de películas de James Bond.     

Sunday, June 08, 2014

KING FOR A DAY FOOL FOR A LIFE TIME

El bloqueo bloggeril sigue siendo inapelable, en estas circunstancias vuelvo a recuperar una entrada que por sus circunstancias (monarquía, censura, cinegética), resulta inquietantemente actual. http://sisterboydrama.blogspot.com.es/search?q=oso+bicicleta

Saturday, May 24, 2014

Okerbideak ezpaitaki mintzaerarik, berdin tratazen baitu erdalduna eta euskalduna


No tenía pensado ir a ver esta película, no por española (la verdad es que veo bastantes de esa nacionalidad) sino porque en general detesto esta clase de comedias independientemente del país en el que se hayan producido. Pero por razones inexplicables incluso para los propios autores del asunto la película se ha convertido no ya en un éxito de taquilla (la película española más vista en España o algo así) sino en un fenómeno social con repercusiones insospechadas, prensa del corazón incluida.


Lo que distingue a una película con una recaudación normal (lo que en estos días ya es un gran logro) de un súper éxito es que los súper éxitos los va a ver todo el mundo, especialmente gente que por lo general nunca va al cine (la han ido a ver todos y cada uno de los miembros de mi familia directa, alguno de los cuales pisaba una sala de exhibición por primera vez en lo que llevamos de década). Y “Ocho apellidos vascos” la ha ido a ver todo el mundo y yo qué quieren que les diga, soy muy mundo y como pienso que “el hombre debe participar del devenir histórico de su época so pena de que se le juzgue por no haber venido” (como dijo quien lo dijera) al final he terminado por pasar por el aro.


Supongo que algo ha tenido que ver en origen el enorme éxito en su momento que (en su país) tuvo la francesa “Bienvenidos al Norte” (Bienvenue chez les Ch'tis), un filme donde también se ironizaba con el contraste entre la tradicional idiosincrasia de diferentes zonas del país (en este caso el sur refinado y civilizado frente a las tosquedad norteña). La película jugaba con ventaja porque los tópicos regionales son una apuesta segura en casi cualquier cultura, debido a ello algún tiempo más tarde la historia tuvo su reflejo en una producción italiana (en esta ocasión con el orden cardinal invertido) y era de esperar que aquí ocurriera algo semejante.


En esta ocasión ha sido Emilio Martínez Lázaro (un director que acumula en su historial un buen porcentaje de las películas españolas más populares de las últimas décadas lo que lo convierte en algo así como un realizador solvente) el encargado de llevar a cabo la tarea de poner en pantalla en forma jocosa algunos de los tópicos regionales más comunes en nuestro país.

 No obstante parece lógico pensar que los autores intelectuales del asunto hayan sido el dúo de guionistas Borja Cobeaga y Diego San José, dos profesionales pertenecientes a la misma generación y unidos además por el hecho de su origen guipuzcoano y por una carrera que se ha desarrollado básicamente en programas de la pequeña pantalla. Y aquí es donde empieza el problema, desconozco los entresijos de la gestación del proyecto pero repito que me da la sensación de que estamos ante una película de guionistas, y además de guionistas de programas de televisión. Esto se adivina ya desde el comienzo del filme con esas primeras escenas en que se detalla el encuentro entre Amaia y Rafa (todo un descubrimiento Dani Rovira por cierto, que me parece el mejor actor de la película por encima del muy elogiado Karra Elejalde) donde la extraordinariamente anticinematográfica manera en la que se introduce la historia muestra a las claras un apresuramiento por llegar al territorio que de verdad interesa a los autores del argumento: colocar a un capillita andaluz en un pueblo vasco y desgranar una serie de chistes previamente escritos posiblemente desde hace años.

No digo que la película no tenga gracia, que la tiene, en ocasiones mucha y en ocasiones vergonzantemente poca, tampoco me molesta el inacabable desfile de tópicos, eso es algo con lo que un espectador medianamente informado ya contaba antes de entrar y resultaría inverosímil quejarse de ello. El problema es que estamos ante un mal guión dentro de una película mal dirigida donde los sketchs predominan antes que cualquier sentido a la hora de desarrollar un argumento cuando debería ser al revés.

 Pero repito que nos encontramos ante un ejercicio –en ocasiones- simpático de reírse de los prejuicios de una España que puede que en el fondo no se diferencia demasiado de la mostrada en pantalla, un ejercicio que posiblemente ha ido mucho más allá de lo que nadie esperaba y por razones demasiado complejas para ser explicadas de una forma lógica.

Monday, May 05, 2014

If three was six

No soy demasiado amigo de las auto citas en el mundo bloguero, pero resulta que lo único bueno que tiene recibir spam en los comentarios de esta página es que te traen a la memoria entradas antiguas y hete aquí que el último spam me ha traído precisamente una de hace más de dos años y medio, y como da la casualidad que precisamente se trata de una cuestión que la actualidad ha vuelto a poner de moda he decidido volver a leerlo y que ustedes porque yo, hago mucho caso de las casualidades (hoy sin ir más lejos he conocido a alguien que se apellidaba "Zalamea" y había nacido en Fuenteovejuna, y les aseguro que es totalmene cierto). En fin aquí está lo que pensábamos en junio de 2011 de la recientemente fenecida "La sexta 3"

Monday, April 28, 2014

MIND FUCKED!



Cuando hace ya ocho años empecé con este blog me prometí a mí mismo que al menos intentaría actualizarlo dos veces por semana, eran otros tiempos que ya para bien o para mal están en vías de extinción total, de la doble actualización semanal se pasó a una cada siete días y luego se ha pasado a un ritmo cada vez menos intenso hasta llegar al  momento presente en el que, al margen del serial sobre “Twilight Zone” ya muy próximo a terminar y algún obituario dedicado al alguien que se lo merezca, las novedades del blog se reducen a comentar algún estreno cinematográfico aunque en ese aspecto también la cosa anda floja, sobre todo desde que decidí pasarme al radicalismo más extremo en lo que se refiere a ver películas dobladas lo cual, viviendo donde vivo en un lugar al margen del circuito de exhibición comercial de cine en versión original, me obliga a dilatar los comentarios sobre películas de actualidad hasta el momento en el que la filmoteca local se decida a exhibirlos o a cuando estén disponibles en el mercado secundario. Así pues esta es la explicación al silencio primaveral del blog que hoy rompemos para hablar de dos de esas películas. Pero no se apuren, esto aunque en estado vegetativo sigue teniendo vida y el día que me decida a tirara la toalla lo haré de forma explícita pues no hay nada más triste que un blog que fenezca por abandono. En fin, vamos al tajo.

1. LA ROCA Y LA CHARCA 


La acción de esta película francesa tiene lugar en su totalidad en la orilla y en el bosque que circunda un idílico lago utilizado como zona de descanso y de “cruising” para homosexuales. Hasta aquí llega Franck, un veraneante con pocas pretensiones más allá precisamente de nadar, tomar el sol, y tener relaciones esporádicas con los desconocidos que frecuentan el lugar.

Durante buena parte de la película el tono y la puesta en escena  del argumento recuerdan a uno de esos cuentos de verano dirigidos por Eric Rohmer en su mejor época, en los que la disección de un grupo de seres individuos corrientes, capturados en un tiempo y en un espacio determinados, sirve como análisis extrapolado de las relaciones humanas. Aunque en este caso que nos ocupa contamos con el añadido  de una derivación homosexual que incluye escenas de sexo explícito y en ocasiones incluso no simulado que sin embargo (y de la misma manera que ocurría con la también francesa y reciente “La vida de Adele” aunque, aparte de este hecho, no veo más coincidencias entre ambas películas por más que otras personas sí parecen haberlas encontrado) no constituyen un cuerpo extraño al desarrollo de la trama sino que posteriormente se revelan imprescindibles para dicho desarrollo.

Hacia la mitad del metraje un inesperado acontecimiento, y sobre todo la ilógica reacción del protagonista de esta historia a dicho acontecimiento, disparan la película fuera del ámbito de la narración costumbrista y la introducen de lleno en el de la metáfora convirtiendo así el lago y sus alrededores no ya en el minimalista escenario de una pequeña historia estival, sino en un territorio artificial en el que tiene lugar una reflexión de carácter filosófico en la que Franck se vera confrontado por una parte con Henri, un “outsider” asexual y asexuado que se sitúa física y mentalmente alejado del resto de veraneantes y ofrece a Franck una amistad de carácter espiritual, y por otra con Michel, un individuo que rezuma agresividad y sex appeal y representa el aspecto más físico y visceral de una relación sentimental.






Interesante película de un director francés inédito en nuestro país siempre y cuando se decida prescindir de cualquier pretensión lógica que pretenda ligar la acción al thriller o al relato ortodoxo y se acepte su carácter simbólico.

 

2. EL BESO DE LA MUJER ARAÑA 





Ninguna de las dos películas que hasta el pasado fin de semana había visto de Dennis Villenueve (la imposible “Incendies” y la poco interesante “Prisioneros”) me había estimulado a seguir de cerca su carrera, de hecho hasta que no termine de ver la que nos ocupa hoy desconocía que fuera el director francés el que la había dirigido.

Tras ver “Enemy” hay que otorgar al menos el beneficio de la duda para un realizador que ha ofrecido un filme mucho más interesante y con muchos más elementos de discusión y reflexión que las dos anteriormente comentadas juntas.

Al contrario que en el filme comentado anteriormente el carácter extraño y heterodoxo (en la forma y el contenido) de “Enemy” se manifiesta ya desde el comienzo de la historia como un filme de fuerte carácter alegórico centrado en un principio en el mito del “doppelgänger” pero con una derivación mucho menos manifiesta y que personalmente no me avergüenza confesar que me tuvo que se explicada a posteriori. Posiblemente la película que hay que ver esta temporada (hablando siempre del circuito al margen del cine más comercial) y de la que es conveniente hablar lo menos posible. No garantizo que vaya a gustarles pero al menos pasaran un rato interesante devanándose los sesos con éxito o no y también disfrutaran de los cinco segundos más aterradores de los últimos años.


Monday, March 31, 2014

¿COMO PIENSAS QUE PUEDES APROVECHAR AL MÁXIMO MI HISTORIA? ¿CREYÉNDOLA O NO CREYÉNDOLA?









Generalmente me entero de que Lars Von Trier ha dirigido una trilogía a toro pasado, la primera de ellas estaría formada por “El elemento del crimen”, “Epidemic” y “Europa”, de este primer trío tan solo he visto la primera y la última aunque sinceramente no entiendo que relación puede haber entre ellas.







La segunda es la más conocida como “trilogía corazón de oro” (aunque yo la rebauticé como “trilogía cabeza de chorlito” y es que personalmente las considero como el momento más bajo de la carrera del cineasta danés) y estaba compuesta por “Los idiotas”, “Rompiendo las olas” y “Bailar en la oscuridad”.





Luego vino la inconclusa trilogía compuesta en sus dos primeros elementos por “Dogville” y “Manderlay” que al menos tenían en común un mismo personaje protagonista. Ahora parece ser que acabamos de asistir al final de una cuarta trilogía que concluye con la película que nos ocupa que junto con “Anticristo” y “Melancolía” conformaría la denominada “trilogía de la Depresión” aunque opino que no es este elemento precisamente el que unifica formalmente los tres filmes pero luego hablaremos de eso (más bien creo que mejor no hablemos de eso).

“Nymphomaniac” tenía por lo visto una duración original de cinco horas (que dicen que estará disponible algún día) que se ha visto reducida (o censurada según otras fuentes) para dejarla en cuatro y presentada luego en dos películas separadas por motivos de funcionalidad, por lo tanto tendríamos que hablar no de dos películas sino de una sola dividida en dos por motivos extra cinematográficos aunque lo cierto es que yo al final he percibido otra cosa.





Tras una sugerente introducción asistimos al primer encuentro de los principales protagonistas de esta historia, por un lado Seligman (Stellan Skarsgard), un misántropo de edad madura y por el otro Joe (Charlotte Gainsbourg la musa que más tiempo le ha durado a Von Trier aunque tengo entendido que hasta aquí ha llegado) una mujer a la que Seligman ha encontrado inconsciente en medio de la calle. El hombre acoge a la desconocida en su casa e inmediatamente comienza entre ellos una vibrante conversación que hace que el filme adopte una estructura de cuento oral semejante a la –también- “trilogía de la vida” de Passolini, un cineasta con el que “Nymphomaniac” tiene mucho más en común que con los también homenajeados (aunque sólo sea musicalmente) Kubrick y Tarkovski.


La conversación en cuestión gira en torno a la biografía sexual de Joe (caracterizada por una precoz y desenfrenada promiscuidad) desde su infancia hasta el presente, pero no estamos ante el habitual recurso del monólogo dirigido a un escuchante silencioso -que funciona como representación del espectador-, por el contrario Seligman interrumpe, acota y disquisiciona continuamente los recuerdos de Joe contraponiendo el duro y descarnado realismo de las experiencias de la mujer con sus vastos conocimientos teóricos adquiridos exclusivamente a través de la lectura, lo que convierte el diálogo en una curiosa variante del clásico enfrentamiento filosófico entre lo apolíneo y lo dionisiaco.  





La acción avanza así en una constante definición de ambos caracteres a través del mencionado diálogo aunque en sí las imágenes describen en exclusiva las diferentes etapas de la existencia de Joe, lanzando diversos apuntes (que nunca terminan de ser conclusivos) que podrían explicar la ninfomanía de la mujer como son la relación con sus progenitores (adoración por el padre y desprecio por la madre en un freudianismo tan elemental que hasta yo puedo captarlo) o su sórdida y decepcionante iniciación al sexo con el personaje denominado Jerome que sin embargo se convertirá a la postre en el único hombre por el que llega a sentir algo parecido al amor, un personaje  al que por cierto interpreta Shia Labeouf, un dato que personalmente desconocía y que tuve que verificar en la imdb para poder creerlo.






Pero de todos modos el valor de “Nymphomaniac” reside sobre todo en la puesta en imágenes de las diversas etapas de la biografía de la protagonista, unas imágenes en las que Trier pone en juego sus indudables habilidades cinematográficas desgranando la historia en una serie de capítulos que oscilan entre el lirismo, la lascivia más lúdica y casi propia de una película porno de los setenta, lo trágico y lo grotesco, todo esto hasta llegar a un primer punto culminante que lo cierto es que desmiente la impresión original de encontrarnos ante una división meramente artificial de las dos películas.





Amen de quedar dividida por ese momento ya mencionado la trama varía también en función de la sustitución de la actriz que interpreta a Joe de joven (Stacy Martin) por la ya mencionada Charlotte Gainsbourg, a partir de ahí lo cierto es que el filme decae al volverse su argumento mucho más convencional en su puesta en imágenes y paradójicamente más extravagante en su contenido aunque no por ello deja de tener momentos extraordinarios como todo el que rodea al capítulo denominado “The Eastern & Western Church (The Silent Duck)” aunque repito que lo que predomina es un deficiente desarrollo argumental (mezclados con algunos insólitos ejercicios de auto exculpación por el escándalo de la presentación en Cannes de “Melancolía”) que quizás estén causados por esa hora recortada o censurada que se nos ha hurtado y que esperamos recuperar algún día y que no obstante desemboca en un asombroso final en el que a través del personaje del demiurgo Seligman se revela lo que podría ser el verdadero sentido de todo lo visto anteriormente y que sí conectaría esta película con otras de la obra precedente de Trier (especialmente “Anticristo” y “Dogville") al tiempo que se produce una emocionante comunión que une a dos personas tan aparentemente distintas. Pero con Trier nunca hay que irse antes de que salgan los títulos de crédito y el maquiavélico danés nos regala un epílogo tan sobrecogedor y desesperanzado como el “Los Idiotas”.





Al igual que todos los estrenos de Lars Von Trier este no ha estado exento de polémicas (aunque no tan aparatosas como las de hace algunos años lo cual no sé si es bueno o malo) y también de encendidos debates entre sus aficionados y detractores, yo no soy ni una cosa ni la otra a priori, algunas películas suyas me parecen obras maestras modernas y otras estupideces autocomplacientes, pero está claro que estamos ante uno de los escasos cineastas modernos cuyas películas significan un verdadero estímulo artístico e intelectual que nadie debería perderse.